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Cameron Diaz : Chirurgie esthétique
Découvrez Cameron Diaz avant et après chirurgie esthétique.
La sublime actrice Cameron Diaz affiche encore un visage angélique sans aucune ride ni imperfection.
Mais cela ne serait pas seulement du au régime végétarien qu'elle suit ou au sport ... elle aurait souvent recours chez son chirurgie plasticien à des injections de botox pour faire disparaitre les rides, et aurait même subi une rhinoplastie pour avoir un nez plus fin (parce qu'elle s'est cassée le nez dit-elle).
Pour ce qui est des rides, un célèbre chirurgien esthétique américain dit : « il y a quelque chose qui cloche avec le visage de Cameron. Son front est excessivement lisse, probablement à cause d’un nombre exagéré d’injections de Botox ».
Ce qui est sur c'est que le résultat est tout de même pas mal, et le rendu sur les photos ou derrière un écran est parfait.
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La sublime actrice Cameron Diaz affiche encore un visage angélique sans aucune ride ni imperfection.
Mais cela ne serait pas seulement du au régime végétarien qu'elle suit ou au sport ... elle aurait souvent recours chez son chirurgie plasticien à des injections de botox pour faire disparaitre les rides, et aurait même subi une rhinoplastie pour avoir un nez plus fin (parce qu'elle s'est cassée le nez dit-elle).
Pour ce qui est des rides, un célèbre chirurgien esthétique américain dit : « il y a quelque chose qui cloche avec le visage de Cameron. Son front est excessivement lisse, probablement à cause d’un nombre exagéré d’injections de Botox ».
Ce qui est sur c'est que le résultat est tout de même pas mal, et le rendu sur les photos ou derrière un écran est parfait.
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| Cameron Michelle Diaz est une actrice américaine née le 30 août 1972 à San Diego, en Californie. Elle est l'une des actrices les plus célèbres d'Hollywood. | |
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Jenifer Bartoli : Poitrine refaite après augmentation mammaire
Written By sitemp3 on Minggu, 26 Februari 2012 | 04.12
Découvrez Jenifer Bartoli avant et après augmentation mammaire.
Jenifer Bartoli, la gagnante de la première édition de la Star Academy affichait quelques rondeurs et un nez en trompette lorsque le grand public l'a découverte. Quelques moins après sa victoire, elle avait perdu plusieurs kilos et obtenu un coprs svelt grâce à un régime strict et des heures de sport intensif.
Mais la métamorphose de Jenifer ne s'est pas arrêté là puisqu'elle a opté comme beaucoup d'autres célébrités pour la chirurgie esthétique. en plus de la Rhinoplastie, elle aurait à l'aide d'une augmentation mammaire, augmenté son tour de poitrine pour passer d'un bonnet B à un bonnet D.
Quoi qu'il en soit le résultat final est très agréable, et son visage et son corps s'en retrouvent plus harmonieux ... Il ne nous reste plus qu'à regretter que toutes les opérations de chirurgie esthétique ne soient pas aussi bien réussies.
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Jenifer Bartoli, la gagnante de la première édition de la Star Academy affichait quelques rondeurs et un nez en trompette lorsque le grand public l'a découverte. Quelques moins après sa victoire, elle avait perdu plusieurs kilos et obtenu un coprs svelt grâce à un régime strict et des heures de sport intensif.
Mais la métamorphose de Jenifer ne s'est pas arrêté là puisqu'elle a opté comme beaucoup d'autres célébrités pour la chirurgie esthétique. en plus de la Rhinoplastie, elle aurait à l'aide d'une augmentation mammaire, augmenté son tour de poitrine pour passer d'un bonnet B à un bonnet D.
Quoi qu'il en soit le résultat final est très agréable, et son visage et son corps s'en retrouvent plus harmonieux ... Il ne nous reste plus qu'à regretter que toutes les opérations de chirurgie esthétique ne soient pas aussi bien réussies.
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| Jenifer Bartoli, dite Jenifer, née le 15 novembre 1982 à Nice, est une chanteuse et comédienne française révélée par sa participation à l'émission télévisée Star Academy dont elle est lauréate en janvier 2002 ; à ce jour, elle a signé quatre albums studio et un live. | |
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Un día para sobrevivir / The Grey, de Joe Carnahan
Written By sitemp3 on Jumat, 17 Februari 2012 | 15.48
Infierno bajo cero
Miguel Cane
Desde hace décadas, las películas que cuentan historias de supervivencia han tenido éxito en taquilla, especialmente entre el público que busca emociones fuertes. Algunas veces, filmes de este tipo ofrecen algo mas que efectos especiales. Este filme de Joe Carnahan supone en cierta medida su vuelta a un cine de acción más realista, menos basado en trucos, que apela a las reacciones emocionales del espectador.
El filme se centra en John Ottway (un gran trabajo de Liam Neeson, que está prácticamente en todas las escenas), un francotirador que se encarga de matar lobos mientras su compañeros trabajan en una planta petrolífera de Alaska. Deprimido por una pérdida personal, es taciturno y hasta cierto punto, sin voluntad de vivir. Poco después de despegar en un vuelo que va hacia la civilización, el avión se estrella en medio de la nada, durante una tormenta de nieve. Los supervivientes, encabezados por Ottway, tendrán que hacer frente al hambre y el frío mientras tratan de huir de un grupo de lobos salvajes en cuyo habitat han ido a parar.
Ejemplificando la noción del líder “alfa”, en paralelo con la manada de lobos, Ottway, hará todo lo posible por salir adelante con sus compañeros en un lugar donde los elementos se han puesto en su contra. Carnahan sabe sacar provecho de ese manto blanco que lo cubre todo y que contrasta con la sangre que se va derramando cada vez que uno de los hombres muere; la fotografía es impresionante y hace que los escenarios naturales se conviertan en parte de una atmósfera amenazante. Quizá el único problema del filme es su guión algo mecánico y alargado, que se limita en su última mitad a ser poco más que una secuencia de eliminación (esto no es ningún secreto), y que haya unos flashbacks un tanto chabacanos y metidos con calzador, que rompen el ritmo de lo que, por otra parte es un interesante filme de aventuras para adultos (a los chavos no les va a gustar por su mensaje nihilista), que enfrenta al hombre con una naturaleza salvaje y nada clemente.
Lo mejor, además de la monumental actuación de Neeson, es que se rehusa a ser un film complaciente con el espectador más habituado a las grandes producciones de Hollywood y obliga al espectador a pensar, algo que pocas veces se asocia con el cine de género.
Un día para sobrevivir / The Grey
Con Liam Neeson, Frank Grillo, Dallas Roberts y Dermot Mulroney
Dirige: Joe Carnahan
EU 2012
Miguel Cane
Desde hace décadas, las películas que cuentan historias de supervivencia han tenido éxito en taquilla, especialmente entre el público que busca emociones fuertes. Algunas veces, filmes de este tipo ofrecen algo mas que efectos especiales. Este filme de Joe Carnahan supone en cierta medida su vuelta a un cine de acción más realista, menos basado en trucos, que apela a las reacciones emocionales del espectador.
El filme se centra en John Ottway (un gran trabajo de Liam Neeson, que está prácticamente en todas las escenas), un francotirador que se encarga de matar lobos mientras su compañeros trabajan en una planta petrolífera de Alaska. Deprimido por una pérdida personal, es taciturno y hasta cierto punto, sin voluntad de vivir. Poco después de despegar en un vuelo que va hacia la civilización, el avión se estrella en medio de la nada, durante una tormenta de nieve. Los supervivientes, encabezados por Ottway, tendrán que hacer frente al hambre y el frío mientras tratan de huir de un grupo de lobos salvajes en cuyo habitat han ido a parar.
Ejemplificando la noción del líder “alfa”, en paralelo con la manada de lobos, Ottway, hará todo lo posible por salir adelante con sus compañeros en un lugar donde los elementos se han puesto en su contra. Carnahan sabe sacar provecho de ese manto blanco que lo cubre todo y que contrasta con la sangre que se va derramando cada vez que uno de los hombres muere; la fotografía es impresionante y hace que los escenarios naturales se conviertan en parte de una atmósfera amenazante. Quizá el único problema del filme es su guión algo mecánico y alargado, que se limita en su última mitad a ser poco más que una secuencia de eliminación (esto no es ningún secreto), y que haya unos flashbacks un tanto chabacanos y metidos con calzador, que rompen el ritmo de lo que, por otra parte es un interesante filme de aventuras para adultos (a los chavos no les va a gustar por su mensaje nihilista), que enfrenta al hombre con una naturaleza salvaje y nada clemente.
Lo mejor, además de la monumental actuación de Neeson, es que se rehusa a ser un film complaciente con el espectador más habituado a las grandes producciones de Hollywood y obliga al espectador a pensar, algo que pocas veces se asocia con el cine de género.
Un día para sobrevivir / The Grey
Con Liam Neeson, Frank Grillo, Dallas Roberts y Dermot Mulroney
Dirige: Joe Carnahan
EU 2012
Meryl Streep: La dama de oro
Written By sitemp3 on Kamis, 16 Februari 2012 | 13.43
La legendaria actriz obtuvo su tercer Oscar por su encarnacion de la polémica Margaret Thatcher en La Dama de Hierro. Aquí habla sobre la experiencia del rodaje.
Miguel Cane.
No hay mucho qué decir sobre Meryl Streep (Nueva Jersey, 1949) que no se haya dicho antes. Es una leyenda por mérito propio que en más de tres décadas de carrera ha establecido una galería de actuaciones impresionantes, ahora coronada por su aparición como la controvertida ex Primer Ministro Británica, que es aún hoy, uno de los personajes históricos más cautivantes del siglo XX.
MC: ¿Cuál fue su primera reacción cuando Phyllida Lloyd le propuso el papel de Margaret Thatcher?
MS: La propuesta de Phyllida me interesó inmediatamente. Su idea de hacer una película sobre Margaret Thatcher y las circunstancias que rodean a una mujer líder. Para imaginar las barreras que tuvo que romper para convertirse en líder de Reino Unido hay que ponerse en su contexto histórico. El mundo era muy diferente entonces. Es interesante seguir la trayectoria de una mujer que creció durante la guerra y la posguerra en un tiempo de reconstrucción y privaciones. Ver como puso en acción su propia filosofía buscando soluciones prácticas a lo que veía como el déficit de bienestar económico de su país. Era ver a una mujer resolviendo los grandes problemas del mundo de una forma que no era la esperada en una mujer.
MC: Puede decirse que se coló en un mundo de hombres muy elitista y lo puso de cabeza. Se trata de un gran logro independientemente de la visión política que se tenga.
MS: ¡Es verdad! Como actriz, el primer día de ensayo me pareció increíble. Poder compartir espacio con todos estos maravillosos actores ingleses... Había por lo menos 40 o 45 y yo era la única mujer en la habitación. Tuve la misma sensación que debió experimentar Margaret Thatcher cada vez que acudía a una reunión del Partido Conservador. Los días de rodaje en el parlamento o en su recreación fueron sorprendentes porque podías observar cómo se domina un espacio, cómo se consigue persuadir al público sobre algún asunto político. Se trata de algo con lo que los seres humanos lidiamos en la vida. He visto directoras pasándolo mal para mantener el mando. Aún no nos hace gracia la idea de una mujer líder. Margaret Thatcher rompió esquemas demostrando como una mujer puede ejercer el liderazgo. Ella ejercía el mando de una forma natural y los hombres no tenían problema en saber a quién seguir. Creo que cuando una mujer no sabe cómo mandar o se preocupa por cómo será percibida o por su posible pérdida de feminidad, se resiente su autoridad.
MC: Hay dos temas recurrentes en el filme: amar y perder a la persona amada y ganar el poder y perderlo. ¿Cuál de ellos le parece más importante?
MS: Si la película tiene acogida entre el público, más allá de la posición política del espectador respecto a la figura, sin duda creo que será porque se concede igual relevancia a los momentos de alta tensión de su vida política como a los momentos personales que tuvieron influencia en su vida. Se trata de hacer una película global sobre un ser humano. Mira, la cosa es así. En una escena, ella asegura que si tomas decisiones duras la gente te odiará en el momento de tomarlas pero te lo agradecerán las siguientes generaciones. Esta es la forma en la que un mandatario debe pensar, igual que una madre que se siente odiada al restringir a su hija pero que sabe que se lo agradecerá en el futuro. Se trata de situaciones similares. Cuando piensas a corto plazo eres un político popular pero hay que poner la mira en el largo plazo. ¿Me explico? Eso es algo que yo misma no había previsto, hasta que empecé a prepararme.
MC: De hecho, la película es apolítica. ¿Cree que esto sorprenderá al público?
MS: Personalmente, yo no tenía una visión política de Margaret Thatcher. Honestamente no sabía casi nada sobre su gestión política. Es decir, sabía que había estado en la misma línea de algunas de las políticas de Reagan, pero las políticas que yo conocía de Reagan no eran las que ella apoyaba. Me interesó más el costo humano de sus decisiones políticas que cuál era esa política. Lo que hemos intentado reflejar de la manera más fiel posible es por qué fue odiada por sus decisiones y por que fue valorada por su orientación política. A Phyllida y a mí nos preocupaba más el precio que ha de pagar esa persona por sus decisiones. Cuando eres líder, tienes que asumir tu parte pero ¿cómo te afecta eso? ¿cuánta energía tienes que tener para mantenerte fuerte?
MC: Interpretar al personaje por un periodo de más de 40 años es un desafío increíble.
MS: Sí, es un reto, pero cuando llegas a mi edad y todavía piensas que tienes 20 años más, no parece un problema. Sientes que dentro de ti eres la misma persona de los 16, 26, 36, 46 o 56 años. Tienes acceso a todas las edades y a las personas que has sido. Creo que es la gran ventaja de hacerse mayor, si es que hay alguna. Para mí, fue una excelente oportunidad. Normalmente las películas te sitúan en un momento concreto pero esta película recorre toda una vida y eso es algo muy emocionante. Algo similar me pasó en Julie & Julia. Es algo enriquecedor.
MC: ¿Piensa que la gente saldrá del cine con una idea distinta de Margaret Thatcher?
MS: No sé si la gente se replanteará su opinión sobre ella, pero comprenderán las presiones a las que estuvo sometida y cómo propuso una política concreta, y por qué acabó siendo rechazada. Verán a la persona que sigue viviendo con eso durante años. Ella, como casi todo el mundo, mira hacia atrás y se pregunta, se cuestiona. Por otra parte, suele haber una parte del público a la que se subestima, el público femenino, al que rara vez se le ofrecen biografías sobre la gente que le interesa. Hay ganas de saber de ella porque rompió moldes en muchos aspectos.
MC: ¿Qué diría usted que fue lo mejor de hacer esta película?
MS: La oportunidad de observar una vida completa, porque a estas alturas de mi vida, miro hacia atrás y pienso en el todo. A veces me abruma lo larga que puede ser una vida y lo llena de situaciones que, en un principio parecían pasajeras. Entonces te das cuenta de la importancia que tiene el día, este momento, aquí mismo donde estamos ahora. Cuando somos jóvenes, seguro lo entiendes, todos afirmamos lo que no queremos hacer, pero estamos en el mismo camino, aparecemos y desaparecemos. Es de una ambición inusual para una película, el dirigir la mirada a ese momento, hacia el final. Normalmente se busca el apogeo. Sin embargo, aquí buscamos destilar lo que significa tener una gran vida, plena y gigantesca y verla declinar. Es casi como un poema, ¿verdad?
Miguel Cane.
No hay mucho qué decir sobre Meryl Streep (Nueva Jersey, 1949) que no se haya dicho antes. Es una leyenda por mérito propio que en más de tres décadas de carrera ha establecido una galería de actuaciones impresionantes, ahora coronada por su aparición como la controvertida ex Primer Ministro Británica, que es aún hoy, uno de los personajes históricos más cautivantes del siglo XX.
MC: ¿Cuál fue su primera reacción cuando Phyllida Lloyd le propuso el papel de Margaret Thatcher?
MS: La propuesta de Phyllida me interesó inmediatamente. Su idea de hacer una película sobre Margaret Thatcher y las circunstancias que rodean a una mujer líder. Para imaginar las barreras que tuvo que romper para convertirse en líder de Reino Unido hay que ponerse en su contexto histórico. El mundo era muy diferente entonces. Es interesante seguir la trayectoria de una mujer que creció durante la guerra y la posguerra en un tiempo de reconstrucción y privaciones. Ver como puso en acción su propia filosofía buscando soluciones prácticas a lo que veía como el déficit de bienestar económico de su país. Era ver a una mujer resolviendo los grandes problemas del mundo de una forma que no era la esperada en una mujer.
MC: Puede decirse que se coló en un mundo de hombres muy elitista y lo puso de cabeza. Se trata de un gran logro independientemente de la visión política que se tenga.
MS: ¡Es verdad! Como actriz, el primer día de ensayo me pareció increíble. Poder compartir espacio con todos estos maravillosos actores ingleses... Había por lo menos 40 o 45 y yo era la única mujer en la habitación. Tuve la misma sensación que debió experimentar Margaret Thatcher cada vez que acudía a una reunión del Partido Conservador. Los días de rodaje en el parlamento o en su recreación fueron sorprendentes porque podías observar cómo se domina un espacio, cómo se consigue persuadir al público sobre algún asunto político. Se trata de algo con lo que los seres humanos lidiamos en la vida. He visto directoras pasándolo mal para mantener el mando. Aún no nos hace gracia la idea de una mujer líder. Margaret Thatcher rompió esquemas demostrando como una mujer puede ejercer el liderazgo. Ella ejercía el mando de una forma natural y los hombres no tenían problema en saber a quién seguir. Creo que cuando una mujer no sabe cómo mandar o se preocupa por cómo será percibida o por su posible pérdida de feminidad, se resiente su autoridad.
MC: Hay dos temas recurrentes en el filme: amar y perder a la persona amada y ganar el poder y perderlo. ¿Cuál de ellos le parece más importante?
MS: Si la película tiene acogida entre el público, más allá de la posición política del espectador respecto a la figura, sin duda creo que será porque se concede igual relevancia a los momentos de alta tensión de su vida política como a los momentos personales que tuvieron influencia en su vida. Se trata de hacer una película global sobre un ser humano. Mira, la cosa es así. En una escena, ella asegura que si tomas decisiones duras la gente te odiará en el momento de tomarlas pero te lo agradecerán las siguientes generaciones. Esta es la forma en la que un mandatario debe pensar, igual que una madre que se siente odiada al restringir a su hija pero que sabe que se lo agradecerá en el futuro. Se trata de situaciones similares. Cuando piensas a corto plazo eres un político popular pero hay que poner la mira en el largo plazo. ¿Me explico? Eso es algo que yo misma no había previsto, hasta que empecé a prepararme.
MC: De hecho, la película es apolítica. ¿Cree que esto sorprenderá al público?
MS: Personalmente, yo no tenía una visión política de Margaret Thatcher. Honestamente no sabía casi nada sobre su gestión política. Es decir, sabía que había estado en la misma línea de algunas de las políticas de Reagan, pero las políticas que yo conocía de Reagan no eran las que ella apoyaba. Me interesó más el costo humano de sus decisiones políticas que cuál era esa política. Lo que hemos intentado reflejar de la manera más fiel posible es por qué fue odiada por sus decisiones y por que fue valorada por su orientación política. A Phyllida y a mí nos preocupaba más el precio que ha de pagar esa persona por sus decisiones. Cuando eres líder, tienes que asumir tu parte pero ¿cómo te afecta eso? ¿cuánta energía tienes que tener para mantenerte fuerte?
MC: Interpretar al personaje por un periodo de más de 40 años es un desafío increíble.
MS: Sí, es un reto, pero cuando llegas a mi edad y todavía piensas que tienes 20 años más, no parece un problema. Sientes que dentro de ti eres la misma persona de los 16, 26, 36, 46 o 56 años. Tienes acceso a todas las edades y a las personas que has sido. Creo que es la gran ventaja de hacerse mayor, si es que hay alguna. Para mí, fue una excelente oportunidad. Normalmente las películas te sitúan en un momento concreto pero esta película recorre toda una vida y eso es algo muy emocionante. Algo similar me pasó en Julie & Julia. Es algo enriquecedor.
MC: ¿Piensa que la gente saldrá del cine con una idea distinta de Margaret Thatcher?
MS: No sé si la gente se replanteará su opinión sobre ella, pero comprenderán las presiones a las que estuvo sometida y cómo propuso una política concreta, y por qué acabó siendo rechazada. Verán a la persona que sigue viviendo con eso durante años. Ella, como casi todo el mundo, mira hacia atrás y se pregunta, se cuestiona. Por otra parte, suele haber una parte del público a la que se subestima, el público femenino, al que rara vez se le ofrecen biografías sobre la gente que le interesa. Hay ganas de saber de ella porque rompió moldes en muchos aspectos.
MC: ¿Qué diría usted que fue lo mejor de hacer esta película?
MS: La oportunidad de observar una vida completa, porque a estas alturas de mi vida, miro hacia atrás y pienso en el todo. A veces me abruma lo larga que puede ser una vida y lo llena de situaciones que, en un principio parecían pasajeras. Entonces te das cuenta de la importancia que tiene el día, este momento, aquí mismo donde estamos ahora. Cuando somos jóvenes, seguro lo entiendes, todos afirmamos lo que no queremos hacer, pero estamos en el mismo camino, aparecemos y desaparecemos. Es de una ambición inusual para una película, el dirigir la mirada a ese momento, hacia el final. Normalmente se busca el apogeo. Sin embargo, aquí buscamos destilar lo que significa tener una gran vida, plena y gigantesca y verla declinar. Es casi como un poema, ¿verdad?
El Havre: Puerto de sueños / Le Havre, de Aki Kaurismäki.
Un alma buena
Miguel Cane
La sensación que tendrá el espectador al salir de ver El Havre, la más reciente cinta del finlandés afincado en Francia Aki Kaurismäki, muy posiblemente sea no solo de satisfacción ante una historia bien contada: también de un optimismo que sorprende y cala, una reacción ante lo entrañable de la historia creada por el propio cineasta, que con su sencillez y engañosa simpleza, consigue hablarle a cualquier persona sin importar la barrera del idioma o de la nacionalidad.
En el puerto de El Havre, vive el humilde Marcel Marx (un enorme André Wilms), sesentón, un tanto vago, simpático. Se gana la vida como bolero en la entrada de la estación portuaria y en algunos otros puntos de la ciudad. Debe una fortuna a la panadera y al abarrotero del barrio en que vive y es completamente fiel a su mujer, Arletty (Kati Outinen), que sabe bien que su marido es casi como un niño —emocionalmente hablando— y procura protegerlo de los embates de la realidad más cruda, incluso guardándose secretos graves.
Esta dinámica cambia al entrar en la ecuación Idrissa, un niño inmigrante africano, que escapa de un contenedor donde él y otras personas habían sido abandonados en el puerto. Por azar las vidas de Marx, sus amigos y su esposa se ven involucradas con la del chico y el policía que tiene que buscarlo para enviarlo a un campamento de refugiados. Poco a poco, Kaurismäki va tejiendo su aguda sátira social, con elementos que casi llegan a lo fantástico, valiéndose de las convenciones del melodrama, con dosis ácidas de comedia, sin caer en la manipulación en la que acabara cayendo Jeunet en algunas partes de Amélie. Aquí todos los personajes tienen una historia, por pequeños que sean, y todos dan visos de grandeza.
Delicada y hermosa, El Havre es una película realizada con atención a los detalles, con inteligencia, con mucho sentimiento, pero sin los sentimentalismos de los que su laureada contemporánea El artista, hace ostentación. Marx es una suerte de antihéroe que no tiene conciencia de serlo. Eso lo hace más cercano y su aventura, más cálida.
El Havre: Puerto de sueños / Le Havre. Dirige: Aki Kaurismäki.
Con: André Wilms, Jean-Pierre Darroussin, Kati Outinen, Blondin Miguel y Evelyne Didi. Francia/Bélgica/Paises Bajos/Finlandia, 2011.
Miguel Cane
La sensación que tendrá el espectador al salir de ver El Havre, la más reciente cinta del finlandés afincado en Francia Aki Kaurismäki, muy posiblemente sea no solo de satisfacción ante una historia bien contada: también de un optimismo que sorprende y cala, una reacción ante lo entrañable de la historia creada por el propio cineasta, que con su sencillez y engañosa simpleza, consigue hablarle a cualquier persona sin importar la barrera del idioma o de la nacionalidad.
En el puerto de El Havre, vive el humilde Marcel Marx (un enorme André Wilms), sesentón, un tanto vago, simpático. Se gana la vida como bolero en la entrada de la estación portuaria y en algunos otros puntos de la ciudad. Debe una fortuna a la panadera y al abarrotero del barrio en que vive y es completamente fiel a su mujer, Arletty (Kati Outinen), que sabe bien que su marido es casi como un niño —emocionalmente hablando— y procura protegerlo de los embates de la realidad más cruda, incluso guardándose secretos graves.
Esta dinámica cambia al entrar en la ecuación Idrissa, un niño inmigrante africano, que escapa de un contenedor donde él y otras personas habían sido abandonados en el puerto. Por azar las vidas de Marx, sus amigos y su esposa se ven involucradas con la del chico y el policía que tiene que buscarlo para enviarlo a un campamento de refugiados. Poco a poco, Kaurismäki va tejiendo su aguda sátira social, con elementos que casi llegan a lo fantástico, valiéndose de las convenciones del melodrama, con dosis ácidas de comedia, sin caer en la manipulación en la que acabara cayendo Jeunet en algunas partes de Amélie. Aquí todos los personajes tienen una historia, por pequeños que sean, y todos dan visos de grandeza.
Delicada y hermosa, El Havre es una película realizada con atención a los detalles, con inteligencia, con mucho sentimiento, pero sin los sentimentalismos de los que su laureada contemporánea El artista, hace ostentación. Marx es una suerte de antihéroe que no tiene conciencia de serlo. Eso lo hace más cercano y su aventura, más cálida.
El Havre: Puerto de sueños / Le Havre. Dirige: Aki Kaurismäki.
Con: André Wilms, Jean-Pierre Darroussin, Kati Outinen, Blondin Miguel y Evelyne Didi. Francia/Bélgica/Paises Bajos/Finlandia, 2011.
Scarlett Johansson : Elle assume ses rondeurs !
Written By sitemp3 on Sabtu, 11 Februari 2012 | 01.14
La jolie Scarlett Johansson est une habituée des régimes et du yoyo : Rappelez-vous, à un moment, ses seins avaient quasiment disparu ! (ici)
Nous la découvrons à la plage lors de ses dernières vacances à Hawaii le 10 février dernier, et la voila en pleines formes ! Finis les régimes drastiques, vive les jolies rondeurs !
Le régime Dukan, ce sera pour plus tard !
Retrouvez tous les articles sur Scarlett Johansson ici
Picture : SplashNewsOnline
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