En un rincón del corazón / Somewhere, de Sofía Coppola

En la fábrica de sueños

Miguel Cane



Tras cerrar el ciclo conocido como la “Trilogía de los sueños de jovencita”, comprendido por Las Vírgenes Suicidas (2000), Perdidos en Tokio (2003) y María Antonieta (2006), Sofía Coppola retoma sus labores como cineasta y guionista, con un filme pequeño, modesto, pero no por ello poco significativo: Somewhere (al que se ha agregado el ñoño e innecesario subtítulo “En un rincón del corazón”), que aborda un momento específico en la vida de Johnny Marco, un actor famoso (Stephen Dorff), residente en el célebre hotel Château Marmont de Hollywood, cuya rutina decadente de fama, sexo, lujo y derroche se ve sacudida ante la aparición por tiempo indefinido de su hija prepúber, Cleo (una cautivadora y muy natural y convincente Elle Fanning, sin nada de la sangre pesada de la hermana), a la que en realidad apenas conoce.

No obstante la premisa, que se intima podría derivar en el cliché de relación padre/hija que al principio se odian y al final se aman, la Coppola se aleja considerablemente (aunque no completamente) de esta situación, centrándose más en el retrato del protagonista, mostrando la borrosa línea que existe entre la celebridad – literalmente, alguien a quien todo el mundo conoce- y la persona, la primera faceta proyectando relaciones públicas, horarios apretados, viajes y más; mientras la segunda corre a cargo de la relación del personaje con Cleo, que pese a ser una chavita muy poco convencional, busca de algún modo, establecer una semblanza de normalidad en su relación con su padre, que al principio se muestra perplejo, pero después busca encajar en un patrón que nunca había contemplado antes.



Temáticamente no muy alejada de Perdidos en Tokio, (encuentros y desencuentros de hotel, una relación tímida entre dos desconocidos) este filme resulta más personal en el canon de su autora y por ello, su guión es consecuente a muchas referencias contemporáneas y de la vida real (Cleo, por ejemplo es 'fan' de Crepúsculo, para sorpresa y socarronería de su papi y este detalle, por manido que sea, le da una dimensión de autenticidad a su personaje). De todos es sabido que Sofia es una directora muy hábil, que imagina, piensa, encuadra y finalmente impregna justamente lo que quiere en cada toma de la cinta, los encuadres que realiza desde el principio están perfectamente calculados (sin tomar en cuenta una aparición demasiado inoportuna y exagerada de un micrófono, que podría tratarse de un guiño al oficio de la familia).

Los dos actores principales hacen estupendos trabajos y sostienen la película por casi toda su duración, Dorff se esfuerza en los momentos dramáticos, y hace su primer trabajo notable en años, recordándonos que no es sólo estrella de la serie B. En tanto, Elle Faning, posee una calidad especial, un carisma que su hermana Dakota nunca tuvo: se despoja de esos aires de “niña prodigio” que hacían de la anteriormente citada algo indigesto y es el vivo retrato de una muchachita normal, dulce, inteligente y entrañable, convirtiéndose en el corazón de esta película.



Pequeña, sin ambiciones estéticas ni poses pretenciosas, con – como es de esperar- un soundtrack de lujo cuidadosamente seleccionado, Somewhere es un filme que consigue desafiar los formulismos y esquivar el tedio, para ser un asomo a escenas emotivas entre un padre y su hija, una familia posmoderna en el mundo casi totalmente ilusorio de la industria del cine, algo que Sofia conoce específica e intrínsecamente, y que captura con una exquisita ternura, en un trabajo muy personal, con rúbrica, que debe ser visto por lo que sutilmente yace en sus tonos, más allá de lo aparente a simple vista.

Somewhere / En un rincón del corazón.
Con Elle Fanning, Stephen Dorff, Michelle Moynahan, Laura Ramsey y Benicio del Toro
Dirige Sofia Coppola

Hereafter / Más allá de la vida, de Clint Eastwood

Entre la vida y la muerte

Miguel Cane



La muerte y el temor que ésta inspira son temas que siempre nos han intrigado como espectadores. Por lo mismo, es inevitable que los grandes directores se atrevan con alguna cinta que toque, aunque sea de modo tangencial, este tipo de tramas. En su más reciente filme, Clint Eastwood lo encara de frente y lo hace de una manera brillante, Más allá de la vida puede desconcertar a más de uno de sus admiradores más rendidos, porque es una película de Clint Eastwood que no se siente como tal y quienes le entren a este juego de sombras y ambiguos misterios, disfrutarán de una película sólida, inquietante, hermosamente realizada y llena de misterios que se van con el espectador de la sala.

Esto en parte se debe al excelente guión de Peter Morgan –creador de The Queen y El desafío: Frost contra Nixon–, que cuida la creación de cada personaje dotándolos de dudas, esperanzas, miedos y otras incógnitas, y construye un melodrama en el que las almas de los difuntos son una pieza clave. Sin sucumbir al horror barato o al sensacionalismo shyamalanesco, Morgan manifiesta ese deseo de trascendencia por medio del amor, la emoción más humana; desde luego, en la película se habla de fantasmas, pero este no es un cuento de terror, sino un drama serio y emotivo, que habla de la muerte con una profunda y conmovedora humanidad.

Como en tantas cintas de su carrera, la versatilidad y el talento de Eastwood le permiten captar en su lente, aspectos de la vida, que de otro modo no percibiríamos; así nos cuenta tres historias paralelas que se encuentran: la de Marie (Cécile de France), una periodista francesa que vive una horripilante experiencia tras ser arrastrada por un tsunami; la del buen George Lonegan (Matt Damon, excelente), un médium estadounidense convencido de que lo suyo no es un don sino una tragedia, y la de Marcus (Frankie McLaren), un niño inglés que pierde a su gemelo en un accidente y que no puede con la culpa de sobrevivirlo. Las anécdotas secundarias refuerzan a estas tramas convergentes: La madre de los gemelos (Lyndsey Marshal) es una drogadicta que experimenta su tragedia en mitad de un proceso de desintoxicación y el hermano de George, Billy (Jay Mohr), prefiere que éste se olvide de ser operario en una fábrica y explote comercialmente su habilidad para comunicarse con el más allá. Las historias se conectan, se extienden y nos atrapan mientras nos plantean preguntas muy válidas.

Eastwood no sacrifica su estilo, pese a la naturaleza de la cinta (algo similar ocurrió con Mystic River, que era un thriller violento, pero igualmente humano y sosegado en su narración) la trama fluye con sencillez y elegancia, mostrándonos un melodrama adulto, sobrio y nada efectista que tal vez no responda nuestras preguntas, pero sí que ayuda a ampliar nuestro punto de vista. Un estreno interesante para sobrevivir al frío invierno que azota las carteleras.

Hereafter/Más allá de la vida
con Matt Damon, Cécile de France, Jay Mohr, Lyndsey Marshal, Frankie McLaren y Bryce Dallas Howard
Dirige Clint Eastwood
Estados Unidos/Francia/GB 2010

Matt Damon: “La vida es otra cosa.”

Es considerado uno de los actores más eficientes de Hollywood. Ha trabajado con varios de los directores más importantes de la actualidad y además es un feliz padre de familia.

Miguel Cane

Hace poco más de una década Matt Damon (Boston, 1970) era uno de esos jóvenes actores que esperanzados llegan cada año a la Meca del cine en pos de un sueño, pero ahora con un Oscar (como mejor guionista por Mente indomable) y una larga y brillante carrera-- ha trabajado para Steven Spielberg, Martin Scorsese, Paul Greengrass y Steven Soderbergh, entre otros distinguidos cineastas-, es uno de los nombres más identificables (y rentables) de la industria. Pero además de esto, ha encontrado la armonía en su vida personal y acaba de tener una hija: Stella, la tercera que tiene con Luciana Barroso, su esposa. El nacimiento tuvo lugar al finalizar el rodaje de Más allá de la vida, la cinta que promueve y que se estrena en México este mes de enero.

Matt Damon está contento con cómo se han dado las cosas y no tiene intenciones de ocultarlo. No solo pasa por el mejor momento de su carrera, sino que es una de las pocas estrellas de Hollywood que puede llevar una vida tranquila, en familia, lejos de los ‘paparazzi’. Y la fórmula para lograrlo parece ser simple: llevar una vida ordinaria, como la de cualquier otro, dedicado a la familia y al trabajo. “En realidad no es tan dificil. Solo es cuestión de categorizar tus prioridades y para mí, la fama no es una de ellas. La vida es otra cosa.”

Parte de la temática de su nuevo filme, Más allá de la vida, en el que es dirigido por Clint Eastwood, es una reflexión acerca del destino y de la vida como es vivida: si nuestros actos deciden nuestro destino y si acaso hay algo más allá de la muerte. ¿Es el azar? ¿Es el destino? Damon, aunque asegura que no cree en la predestinación, no deja de pensar en que su felicidad ha estado marcada por algo quizá más allá de lo tangible: un inesperado cambio de locación lo llevó a filmar en Miami una cinta que estaba prevista para Hawaii y en esa ciudad conoció a Luciana, su esposa, que era hostess en un bar al que fue de casualidad una noche. “Ahora no sé si es de ese tipo de cosas que uno construye en retrospectiva. Pero sí recuerdo sentir que era casi como si hubiera un halo que la iluminara en ese momento. ¿Has escuchado cuando la gente dice que ven a una persona en medio de una multitud, y que la distinguen con claridad? Eso fue lo que me pasó con mi esposa, absolutamente, a mí, porque a ella no creo que le pasara (ríe). Pero a mí definitivamente me pasó.”

En Más allá de la vida, Damon interpreta a un personaje que, tras una experiencia cercana a la muerte, busca la manera de ayudar a otros que han pasado por lo mismo, partiendo de una premisa sencilla: el deseo de vivir que lucha contra el destino. Si bien no se trata de un thriller sobrenatural, sí que se trata de un trabajo de rica textura emocional, algo que sorprende al formar parte del canon de su protagonista y su director, ya que ninguno se había acercado a historias de esta temática con anterioridad.

Es poco común que hagas un filme como este ¿Qué te atrajo a Más allá de la vida?
Definitivamente fue por el guión. Es algo completamente distinto, no había leído algo como esto. Eso y la oportunidad de poder trabajar con Clint de nuevo, claro. Estábamos en Sudáfrica, rodando Invictus y me dijo, “oye, ¿te interesaría leer este guión?” lo leí, y le dije que me parecía excelente. Me dijo que bueno, era su siguiente proyecto y que, si yo estaba interesado, podía ser el mío. Ese mismo día arreglamos todo, así de grandes eran mis deseos de volver a trabajar con él. Además de que se trata de una historia muy humana con una serie de preguntas acerca del destino y la muerte, una trama con elementos fantásticos y realistas... pensé que era muy interesante.

¿Cuál dirías que es el principal tema de esta película?
La esperanza, ante todo. Creo que es muy importante como tema en una película como esta, tener algo que pueda no sólo captar el interés por dos horas, sino ofrecer algo a cambio de esa atención: en este caso, creo que la cinta da esperanza, invita a las personas, todas ellas, a que se pongan a pensar acerca de sus vidas. Me gusta la noción de que puedan pensar y debatir entre ellos al salir del cine, acerca de lo que sucede en cierto punto de sus vidas; si hay algo más allá de la muerte, si el sufrimiento es gratuito o tiene una recompensa, cómo sobrevivir al dolor, ¿me explico? Cómo saber si las catástrofes son meros accidentes o si son parte de algo más grande y fuerte que trata de encaminarnos hacia un destino que nos espera. Todas esas preguntas me las plantée mientras rodábamos y espero que le lleguen a los espectadores también.

¿Cómo es la experiencia de tener a Clint Eastwood como director?
Es el director ideal para todo actor, por la obvia razón de que es un intérprete con gran experiencia. Él sabe que uno tiene que trabajar con el personaje, y otorga una total libertad para que tú crees ese personaje. Pero también es muy preciso cuando decide qué imagen va a plasmar, y cómo lo hará. Te indica tu sitio y te deja trabajar. Pero es una calle de doble vía: tú colaboras con él y él contigo. Eso, en un director, es algo riquísimo, porque te permite aprender mucho.

Eres un hombre muy ocupado. ¿Cómo escoges entre géneros y papeles? ¿Siempre te llegan ofertas?
Sí, tengo suerte, siempre me ofrecen cosas, pero no siempre son cosas buenas (risas). En este caso, la familia pesó mucho. Nuestras otras hijas nacieron cuando yo estaba de receso, así que pensamos que esta también, así que planeé todas mis actividades para cuadrarlas en octubre y así tener noviembre libre para la nueva niña, pero el rodaje se extendió un poco, ella se adelantó y los planes se complicaron, aunque todo salió muy bien, al final. Sobre cómo escojo... bueno, pues la verdad es que tengo la fortuna de poder hacer lo que realmente me gusta y lo que me interesa. No sé si podré hacerlo siempre, pero ahora mismo puedo hacerlo y aprovecho cada oportunidad que tengo.

¿Tienes ganas de algún día poder dirigir?
Me lo han ofrecido, y aunque no tengo planes concretos, en términos generales sí, me gustaría mucho. Así que, como cualquier otro aspirante a director, estoy buscando un buen guión para poder filmarlo.

¿Y por qué no escribir tu propio guion? Ya lo has hecho antes...
Eso toma mucho tiempo. Y se necesita, ante todo, una idea. Creo que la manera en que Ben [Affleck] lo ha hecho las últimas veces es muy inteligente: adaptando historias que ya existen y que le gustaron como lector, antes de ponerse al otro lado de la lente, para plasmarlas.

Ahora que mencionas a Ben, ¿han pensado en trabajar juntos nuevamente?
Nos encantaría. Pero es cuestión de encontrar una obra que lo permita. Lo bueno es que él ahora es un director de primera línea, así que… uno nunca sabe (risas).

¿Qué clase de filme te interesaría dirigir?
Bueno, para empezar, algo pequeño, en que el motor sean las actuaciones. Hace años Spielberg me dijo: lo más importante para los directores primerizos es encontrar una historia simple y contarla. Y siempre pienso en él, con Duel que fue genial, con muy pocos personajes y mucha tensión. Así que trataré de encontrar una pequeña película, solo acerca de gente que conversa entre sí… como Gerry, aquella película que hice con Gus Van Sant. Me encantó hacerla.

La vida ha sido generosa contigo, si pudieras pedirle algo, ¿qué sería?
Nada, nada de verdad. Las cosas están yendo bastante bien, estoy muy feliz. Estoy en un punto en mi vida en que siento que, si pidiera algo, me debería partir un rayo por ser tan malagradecido. Así que no le pido nada a la vida. En todo caso, estoy profundamente agradecido.

Lady Gaga : Son single "Born this Way" sortira le 13 février prochain !

Picture : Lady Gaga - Born this way
THE SONG 2 13 11 THE RECORD 5 23 11

La nouvelle est tombée : Lady Gaga vient d'annoncer sur Twitter la sortie du single Born This Way le 13 février (le soir des Grammy Awards) et la sortie de l'album du même nom le 23 mai.

La photo ci-dessus de la star est en effet sous-titrée " THE SONG 2 13 11 THE RECORD 5 23 11".

Pour annoncer ces dates, Lady Gaga, toujours aussi provocante / déjantée / folle / géniale (choisir la mention qui vous convient) a posté sur Twitter une photo d'elle les fesses à l'air !

Vivement la sortie du single le 3 février !

Retrouvez toutes les news sur Lady Gaga ici

Bonne année de la part de Stars au naturel !

Picture : Scarlett Johansson for Moët & Chandon

Meilleurs vœux à tous ! Stars au naturel vous souhaite AMOUR, GLOIRE ET BEAUTE pour 2011 !

Katy Perry sans maquillage : La photo postée par Russel Brand sur Twitter !

Picture : Katy Perry without makeup via Twitter

Pauvre Katy Perry ! Son mari, Russel Brand, l'a photographiée dans son lit sans maquillage et a posté la photo sur Twitter ! Il a dû se faire tellement engueuler qu'il a quasi immédiatement supprimé son tweet, mais le mal était fait ! Voila donc Katy Perry sans maquillage ! Il paraît qu'il lui faut 4 heures de maquillage et de coiffage pour sortir habituellement ! Retrouvez toutes photos de Katy Perry avec et sans maquillage ici

btw, j'adore Twitter ! On trouve vraiment des infos incroyable sur les people, bien souvent postées directement par les stars elles-même :)

Las Diez de una Década

En los últimos diez años el panorama cinematográfico ofreció de todo; bueno, malo, mediocre y hasta horrendo. Aquí presentamos una lista – muy personal- de algunos filmes representativos de este primer periplo del nuevo Milenio.

Miguel Cane

La primera década del siglo llega a su fin y en materia de cine, sirvió no sólo para confirmar la presencia de directores que se manifestaron en la década anterior -- David Fincher, Tarantino, del Toro, Cuarón, Soderbergh, Lisa Cholodenko o Ang Lee-; también fue marco de referencia para lanzar figuras que han consolidado su carrera – Sofia Coppola, Michel Gondry, Spike Jonze, González Iñárritu, Jonathan Glazer o Chan-Wook Park- y en ella se estrenaron algunas de las cintas más interesantes de algunos grandes maestros contemporáneos – Woody Allen, David Lynch, Almodóvar, Scorsese, Cronenberg o Clint Eastwood-. Sin embargo, ya se sabe que no todo el cine es Hollywood, y en el resto del mundo se hizo cine extraordinario. A manera de colofón para este año, presentamos en este espacio una mirada a diez de las cintas más aclamadas de la década, que al personal criterio de su servidor, representan el mejor trabajo de algunos cineastas y actores en este periodo en la cultura cinematográfica contemporánea.

1. Dogville (Dinamarca-Suecia-Francia-Noruega-Finlandia-Japón-EU-GB, 2003) de Lars von Trier.
El legado teatral de Bertolt Brecht está vivo y bien, corrosivo y brutal en este filme completamente sui-generis de von Trier, agente provocador por excelencia del cine europeo (¿usted aguantó Anticristo hasta el final?). La total ausencia de escenografía sirve para resaltar el notable trabajo de un elenco encabezado por una valerosa Nicole Kidman que, en este filme, se convierte en una Ingrid Bergman para su generación. Cinta que, para bien o para mal, todo espectador encuentra inolvidable.

2. Mulholland Drive: Sueños, Misterios y Secretos (Mulholland Dr. EU-Francia, 2001) de David Lynch.
El creador de Twin Peaks, toma aquí algunos de los elementos temáticos que lo obsesionan – mujeres en problemas, seres siniestros, amoralidad, Hollywood-, para confeccionar la Soap Opera convertida en prodigiosa pesadilla del mito virginal. Esta joya esperpéntica y arrebatadora no sólo es la obra maestra de Lynch, también es el filme que (literalmente) nos descubrió a la formidable Naomi Watts.

3. Los Excéntricos Tenenbaum (The Royal Tenenbaums, EU, 2001) de Wes Anderson.
Este cuento de hadas fracturado para niños heridos en busca de redención, es una de las mejores obras de Anderson y su elenco: nunca estuvieron mejor Ben Stiller, Gwyneth Paltrow y Luke Wilson, como tres hermanos brillantes pero emocionalmente lisiados por un padre ególatra pero muy humano (el increíble Gene Hackman); admítalo: usted también siempre quiso ser un Tenenbaum.

4. Bajo la arena (Sous le Sable Francia, 2000) de Francois Ozon.
La inenarrable diva Charlotte Rampling se entrega como nadie en un tour-de-force actoral como el rostro más humano de nuestro peor terror: al abandono. Ozon se revela como el maestro de la alienación femenina con ésta, su segunda cinta, en la que una esposa se rehúsa a aceptar que la desaparición sin rastro alguno de su marido, represente el fin de su relación. Uno de los más impactantes filmes surgidos del Festival de Cannes.

5. Reencarnación (Birth, EU-GB, 2004) de Jonathan Glazer.
Si Stanley Kubrick hubiera entendido la mística femenina, habría hecho un filme acaso parecido a éste. En el palaciego ambiente de una rica familia neoyorquina, la abrupta revelación de un niño hecha a una joven viuda, da pie a una trama inquietante, exquisitamente realizada. Quizá el momento más memorable de esta cinta sea el plano sostenido por casi tres minutos del rostro de Nicole Kidman, en el que se da un tropel de emociones sucesivas, mismo que pasa a la posteridad como un testimonio a su talento.

6. Promesas peligrosas (Eastern Promises, EU-Canadá-GB, 2007) de David Cronenberg.
Tras varios años de explorar de modo subversivo los aspectos más repelentes de la naturaleza humana, el virtuoso cineasta canadiense nos muestra una mirada desalmada, brutal y genuina al mundo del crimen organizado ruso en la capital británica, todo relacionado con el nacimiento de una inocente: Naomi Watts y Viggo Mortensen interpretan a la madonna y el mafioso, de un modo magistral, mientras que Cronenberg no se aparta de la violencia que lo entusiasma, pero le da una sensación mucho más auténtica.

7. Hace mucho que te quiero (Il y a longtemps que je t'aime, Francia-Alemania, 2008) de Philippe Claudel.
Dos hermanas, que son prácticamente extrañas, se reencuentran después de una separación forzada. Los motivos de ésta, se irán revelando para mostrar las complejas y trágicas entretelas de una relación familiar difícil, pero de verdaderos lazos afectivos. Radiante y a la vez sosegada, la británica Kristin Scott-Thomas parte el alma del espectador en una abrumadora interpretación, quizá la más conmovedora de su prolífica carrera.

8. Caché: el observador oculto (Caché, Francia-Alemania-Austria-Italia-EU, 2005) de Michael Haneke.
El otro gran provocador europeo presenta una fabulita de angustia moderna y paranoia burguesa; carismáticos y elegantes, Juliette Binoche y Daniel Auteuil son la pareja aparentemente bien avenida que se descubre indefensa ante la calculada e implacable presencia del mal, que todo lo infecta y corrompe. Una cinta cuyo perturbador efecto hace eco aún días después de verla.

9. 2046 ( Alemania-Francia-China-Hong Kong, 2004), de Kar-wai Wong.
Un cúmulo de misteriosas y hermosas mujeres rodean a un escritor (Tony Leung) para que las disfrute, las haga sentir especiales y las deseche por un miedo intrínseco a perder el amor que no ha conseguido recuperar. Cinta preciosista, onírica en su estado más puro, que muestra al desamor en ese mismo estado, completamente fiel a la imagen para establecer una atmósfera única.

10. Perdidos en Tokio (Lost in Translation, EU-Japón, 2002), de Sofia Coppola.
Encuentros y desencuentros de hotel: La jovencita recién casada y sacada de onda se hace amiga del actor agotado a quien el shock del futuro le dio; las vidas de ambos no volverán a ser iguales. Bill Murray y Scarlett Johansson redefinen sus carreras mientras que Miss Coppola se establece como una directora de verdad y no sólo hija de papi. Si agregamos el soundtrack de superluxe, tenemos una de las películas más importantes y emotivos de una década que se abre hacia nuevos panoramas.