Batman: el caballero de la noche / Batman: the Dark Knight, de Christopher Nolan - (02) por Miguel Cane

Miguel Cane

En 2005, cuando se estrenó Batman Inicia, muchos se apresuraron a señalarla como la mejor adaptación de un personaje de cómic al cine en mucho tiempo. Ciertamente el trabajo de Christopher Nolan superaba el nivel, incluso, de cintas anteriores sobre el personaje creado por Bob Kane, rebasando el trabajo notable de Tim Burton (en 1989 y 1992) y las criticadas versiones kitsch de Joel Schumacher.

Ahora, el mismo director que revivió una franquicia que todos daban por muerta y la elevó a niveles insólitos, retoma la historia donde la dejó – incluyendo una breve aparición de Cillian Murphy como Jonathan Crane, “El Espantapájaros”, que fue el villano de la cinta anterior- y la lleva aún más lejos, trascendiendo géneros y desafiando sus convenciones para lograr una cinta que más allá de ser una película “evento”, es un trabajo memorable.

En su interpretación como Bruce Wayne y Batman (a los que imprime características únicas, haciendo que el espectador se pregunte cuál es el verdadero y cuál la máscara) Christian Bale demuestra por qué es uno de los mejores actores de su generación: es un trabajo sutil sin caer en lo acartonado y también resulta brutal y devastador cuando tiene que serlo.

En el desaparecido Heath Ledger como una versión pesadillesca, nihilista y fascinante de su tradicional enemigo, El Guasón (The Joker), encuentra a su némesis perfecta. Los dos actores se adueñan de la cinta en un duelo carismático y aprovechan al equipo de soporte al máximo (especialmente a Caine, que está formidable como Alfred, robándose cada escena con sencillez), para llegar a un paroxismo emocional que, más allá de los vistosos efectos visuales, deja al espectador satisfecho, impactado y ansioso de ver más.

Nolan es un director que ha ido madurando al paso de los años; la promesa hecha con su primer filme comercial – la cinta independiente de presupuesto casi nulo Following- ha rendido frutos y ciertamente, esta cinta es uno de los más vistosos. Su trabajo no se limita a crear una atmósfera convincente o a establecer las escenas que – desde un espeluznante inicio, que perturbará a todo aquel que padezca de fobia a los payasos- se graban en la pupila y deslumbran con su explosivo prodigio técnico. También consigue que cada personaje tenga sus propias características, se gane el interés del espectador y hace que lo que le ocurre a personajes como el fiscal de distrito Harvey Dent (Eckhart) o el amor de infancia de Wayne, la generosa Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal, borrando el gris recuerdo de esa actriz juvenil que se fue a casar con Tom Cruise) sea algo que afecta las emociones y deje sin aliento.

La cinta es oscura, sin concesiones y estupenda en su realización y efecto a largo plazo. Se podría decir que es de esas secuelas que logran superar el nivel marcado por la cinta precedente en la serie – al nivel de El Padrino Parte II o El Imperio Contraataca- y se libra de las convenciones propias del género. La aparición de una tercera parte se antoja inminente y si es realizada por la mancuerna Nolan/Bale, garantiza el éxito que esta podrá alcanzar, no sólo a nivel comercial, sino como un filme sólido y logrado, algo que no siempre rima con “taquillaza de verano”, pero que es, ahora al menos, la excepción a la regla.

Batman: El Caballero de la Noche / Batman: The Dark Knight
Con Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman y Michael Caine.
Dirige Christopher Nolan
Estados Unidos/Reino Unido 2008

Blake Lively s'est fait opérer du nez

Picture : Blake Lively nosejob

Blake Lively n'était pas aussi jolie il y a quelques années ! Merci le bistouri !
Pour voir toutes les autres stars avant/après chirurgie esthétique, c'est ici !

Come Reza Ama / Eat Pray Love, de Ryan Murphy

Julia: Casos de la vida real

Miguel Cane



Ryan Murphy, el director de Recortes de mi vida, demostró en su momento que trataba de salirse del molde (baste ver su trabajo en la televisión) sin perder de vista lo admisible y esperado dentro de la idustria, de Hollywood, dando lustre a la taquilla como jugando a ser algo distinto dentro de lo establecido. Le gusta también contar historias reales. O tan reales como ostensiblemente son para quienes las cuentan y así como su cinta anterior se basó más o menos en las memorias escandalosas de Augusten Burroughs para contar su sórdida adolescencia, ahora se va al otro extremo del espectro para contar una historia positiva, “bonita”, igualmente basada en “hechos reales”.

Esta vez se trata del viaje personal de autodescubrimiento que realiza Elizabeth Gilbert, una escritora, que después de su inesperado divorcio (como suele sucederle a todas las heroínas de este tipo de cinta, ¿recuerdan a Diane Lane en Bajo el sol de la Toscana?), viaja a Europa y Asia para “encontrarse” y mientras lo hace, encarnada por una Julia Roberts que en ningún momento deja de serlo, vive coloridas aventuras, come cosas exóticas, y tiene una revelación antes de ser premiada con un romance con un hombre de verdad (en este caso, Javier Bardem, interpretando a una variación de Javier Bardem, que aparece sólo media hora, con acentazo y el encanto neanderthal a todo lo que da).

Esto fue adaptado por la autora y el propio Murphy y tiene la ventaja (por así decirlo) de contar con la presencia de Julia Roberts, que está en una edad complicada, aunque en ella lo es menos que en otras damas de la profesión, que es la verdadera razón de ser para una película que costaría aceptar si no la llevara de protagonista (Cate Blanchett, por ejemplo, no se acercaría a esto ni sonámbula o muy deseperada, porque sabe que este tipo de papel le queda corto). Sin discriminar a la película por su temática bonita y reveladora, que acaba por sacar de quicio a los que son escépticos y detractores de esta clase de películas.

La Roberts exhuda su carisma habitual, su sonrisa de brillante dentadura se alterna con ceños fruncidos que denotan concentración mientras emprende su búsqueda de sentimentalismo barato, Si el aporte de interés de la historia es bajo por mucho que se mejoren otros aspectos de la Roberts, esto no se consigue del todo. Julia Roberts es Julia Roberts. Bette Davis y Kate Hepburn también eran ellas mismas muchas veces en muchas películas. Pero podían actuar. La Roberts lo intenta de un modo honrado, pero siempre acaba siendo ella misma y las primorosas locaciones sólo sirven para recordarnos que estamos viendo a Julia hacer lo que sabe hacer, en un derroche de recursos que finalmente nos recuerda que estamos ante una película “bien bonita”, con “mensaje” (sé tú misma y encontrarás todo) que desperdicia a un sólido elenco y notables locaciones que olvidaremos pronto, planteado todo como está, de forma superficial y que no aporta nada; ni siquiera queda el gusto y regusto de un buen platillo fílmico. Julia es una gran estrella, nadie lo discute, pero este viaje pleno de estereotipos no lleva a ninguna parte.

Come Reza Ama/Eat Pray Love
Con: Julia Roberts, Javier Bardem, James Franco, Richard Jenkins, Billy Crudup y Viola Davis
Dirige: Ryan Murphy
Estados Unidos 2010

Torero por un día, de Gilberto Martínez Solares

El Mil Faenas

Angélica Ponce

Tan prolífico como diverso e irregular, el trabajo cinematográfico de Gilberto Martínez Solares tuvo de todo. Tanto que, de sus 173 películas una de ellas abordó el tema taurino.

Con un guión de José María Fernández Unsáin y Eulalio González Piporro, Martínez Solares filmó en 1963: Torero por un día. Un melodrama donde la afición de un payaso de rodeo, lo lleva a crear ante su hija y amigos, la imagen de un exitosísimo matador: El Mil Faenas.

A través de mentiras y compra de apéndices, Rufino Díaz El Mil Faenas (interpretado por Lalo González Piporro) se mete en un complejo entramado que pone en peligro su estabilidad familiar.

Una vez que se descubre su verdadero oficio, El Mil Faenas tendrá que enfrentarse a sus más grandes amores y temores: su hija y los toros. Las medias verdades y las fantásticas historias de triunfos serán derruidas cuando Rufino Díaz parta plaza y uno de sus comparsas (David Reynoso) le grite: “¡acuérdate que no eres Gaona, báilale, báilale…!” Mientras, desde las gradas, su hija Lolita (Elizabeth Dupeyrón) mira con horror y frustración el engaño del que fuera presa.

¿Pero, de dónde nace la mentira? De la pasión, los sueños y el miedo juntos. Rufino Díaz es un gran aficionado taurino, que tuvo un par de oportunidades de convertirse en matador mas nunca dejó las tablas: le temía a los astados. Y como sabiamente afirma don Florencio Castelló —en la propia cinta— “el toreo se hace en la plaza y con hechos, no con cuentos por ahí”.

La tragedia se desata con la desilusión que sufre la niña Dupeyrón, de su padre. Abandona el hogar y El Mil Faenas no haya como restituir el daño, hasta el punto de pedir apoyo a Humberto Moro para presentarse como alternante en la plaza de toros.

La trama, si bien tiene todos los tintes de un lacrimoso dramón, nunca se aleja del principio de la comedia. A veces casi rayada en la parodia, la película de Martínez Solares explota al máximo al Piporro como Rufino Díaz. A través de una falsa inocencia, que juega abiertamente con el cinismo, El Mil Faenas se reprocha su mentir y lo expone tanto como lo justifica, tanto como lo refrenda, y así se consiguen momentos memorables en la cinta; como aquel en el que le reprocha a su compinche el coste de dos orejas de un astado que no lidió y que habrá de llevar a Lolita: “¡Cómo cuestan los triunfos!, ¡con tanto éxito voy a quedar en la ruina!”, dice mientras se guarda los trofeos.

O aquella otra instantánea donde Rufino Díaz muestra sus dotes de cantaor para entonar Olé, ajúa y olé (compuesta por el propio Eulalio González), un retrato de su vida en el ruedo, que no es otra cosa que una burla de sí mismo, hecho que resulta evidente en estrofas como ésta: “Los faroles de rodilla / Olé ajúa y olé / No los hace ni en cuclillas / Por lo que ya sabe usted / Y no pone banderillas, pues si corre se nos cansa / Por su panza tan caída…”

Si bien Torero por un día no es exactamente una cinta taurina, ni mucho menos un clásico del cine mexicano, cabe señalar que esta obra significó la consolidación de Eulalio González Piporro como guionista.

Tras dos colaboraciones argumentales en De tal palo tal astilla (1960) y Ruletero a toda marcha (1962); más su debut en solitario, en 1963, con El rey del tomate, Eulalio González se abrió un espacio para crearse sus propios argumentos cinematográficos que le significaría un total de 14 filmes. Pero, sobre todo, le representó la posibilidad de hablar y actuar una de sus grandes pasiones: el toreo.

Javier Bardem: un hombre de verdad

Es actor, personaje y hombre – no necesariamente en ese orden- y una figura polémica, pero entrañable, como se ve en la cinta en que comparte créditos con Julia Roberts.

Miguel Cane

En Comer, rezar, amar, el estreno grande del Festival de San Sebastian, Javier Bardem (Las Palmas de Gran Ganaria, España, 1969) el único actor español ganador de un Oscar, encarna a Felipe, un brasileño divorciado y alegre, que vive una historia de amor junto a Elizabeth Gilbert (Julia Roberts) una escritora que, después de pasar por Italia e India, viaja a Bali y encuentra en él el último ingrediente de su viaje interior.

Hijo de la célebre actriz Pilar Bardem y sobrino del director Juan Antonio Bardem, Javier se crió en un ambiente totalmente dedicado a la bohemia y el teatro. Aunque no fue un buen estudiante, siempre tuvo vocación: “Desde que era un crío sólo pensaba en disfrazarme. Jugaba con mis hermanos, inventábamos obras. Mi madre me dijo un día cuando ya tenía dieciocho años, que ya estaba bien de haraganear y que si de verdad me interesaba la interpretación, debía tomarlo en serio. No me ayudó en nada, debo decirlo. No me recomendó con sus amigos ni me dijo “anda, ve con tal o cual a que te de trabajo…” Me dijo que si quería ser actor, iba a empezar desde abajo. Así comencé. Hice algunas cosas en televisión y así Bigas Luna me vio, me contrató para Las edades de Lulú (1990) y luego Jamón, jamón (1992) y Huevos de oro (1993). Y lo demás está ahí para ser visto.

¿Te sientes contento con estos veinte años de actuar?
Hombre, ya lo creo. He tenido mucha suerte. Trabajo haciendo lo que a mí más me gusta. Conozco a gente que siempre tuve ganas de conocer… Cuando yo era un chaval iba al cine y veía a toda esta gente en las pantallas. En otra ocasión pude conocer y hablar con Robert DeNiro... siento que a veces actuar en Hollywood es como un sueño.

¿Y vas a cambiar Hollywood por España?
No cambiaría Madrid por nada. Me gusta viajar y conocer sitios, pero sobre todo, me gusta estar en España. Esa distancia siempre es muy saludable. Porque ves las cosas desde otro prisma, desde una distancia más objetiva. Sí es verdad que a uno le gusta pensar que su trabajo llega y que alguna gente lo recibe. Pero no pienso quedarme en Los Ángeles. Mi casa es mi casa. Al hacer balance de diez años desde Antes de que anochezca, creo que en relación al cine europeo Hollywood tiene una implicación distinta, pero el trabajo de un actor es el mismo en cualquier lugar; las angustias, la ansiedad y las dudas siempre son las mismas.

¿Qué puedes decir de una película como ésta? ¿Sientes que le hablará al público?
Creo que es una historia honesta. En ella vemos a una mujer y a un hombre liberarse del peso del pasado y al mismo tiempo encontrar la paz interior. Pero para conseguir cerrar las cuentas consigo mismos tienen que encontrar a otra persona en la misma situación, con el mismo deseo de cambio. Sólo así pueden construir una nueva vida; siempre puede producirse un derrumbe si no eres consciente de la necesidad de perdonarte los errores que la vida te ha llevado inevitablemente a cometer.

Eso describe la crisis de los cuarenta... ¿sientes que te toca, aunque sea un poco?
Cada edad de la vida trae consigo sus problemas. No he vivido nunca una crisis de ese tipo, pero, como todos, corro el riesgo. Soy humano. Cometo errores, tengo inseguridades, y también tengo algo de capacidad para sentirme feliz.

Después de rodar "Biutiful", dirigida por Alejandro González Iñárritu (premio al Mejor actor en el Festival de Cannes), este es un gran cambio de tono, ¿te hacia falta como intérprete?
Sí, creo que necesitaba cierta ligereza. Me gustó la idea de interpretar a un hombre distinto: un brasileño que resultara más alegre de lo que fue mi personaje en Biutiful. Tras ese trabajo, que resutó hasta doloroso, me apetecía mucho sentir el viento en la cara, manejar un barco y vestir camisas de nailon, bromear con Julia Roberts, conocer Bali... ¡En un sentido fue como tomarme vacaciones! (sonríe)

¿Aprendiste algo de este rodaje?
Tanto como aprender, no. Pero sí recordé que hay un momento de tu vida en el que tienes que enfrentarte a ti mismo, dejar de huir y perdonarte todos los errores del pasado y hacer algo bueno por los demás. Es curioso, pero en ese sentido, y sin sentimentalismos, ambas películas tienen eso en común.

En cualquier caso, siempre hay una intensidad muy especial en todos tus papeles, una especie de rúbrica tuya.
Me gustan mucho los personajes que describen una trayectoria, que muestran un camino. Esta película muestra por un lado, un deseo de ser mejor y por otro, la alegría de la vida, la disposición de disfrutar sus dones. Eso siempre me resulta atractivo, sobre todo porque es una necesidad auténtica. La única forma de aprender de verdad tu oficio porque si estás en un sitio donde sólo hay alabanzas, aunque lo hagas mal, porque hay que vender el producto y hasta la misma gente que hace la película, la que rodea a esa producción te va a convencer de que eres muy bueno porque tienen que venderla. Entonces hay que salir de eso, primero, solamente soy un actor, y si voy creciendo como actor, también puedo equivocarme.

El éxito y la fama no parecen tener demasiada importancia para ti que mantienes tu vida nivelada y al margen de la fama.
No debes perder el norte y debes respetar la intimidad de tu entorno más inmediato. No hablo de mi vida privada precisamente por respeto a las terceras personas que la componen. Además que a nadie le importa realmente lo que hago cuando no estoy en un plató. Respondiendo a tu pregunta: hago lo posible para que todo en mi vida no sea solamente trabajo. Y sé qué es lo que realmente te gustaría preguntarme y aprecio que no lo hagas y que me respetes. Cuando preparaba el rodaje de la película, conocí a la persona real en la que se inspira el personaje de Julia, que quería olvidar el pasado y volver a enamorarse, ir a la esencia de las cosas quitándole peso a todo lo demás, y en eso es muy como soy yo ahora mismo, en este momento, soy el hombre más feliz del mundo y eso sí puedes decirlo

Sofia Vergara et la chirurgie esthétique

Oui, ok, Sofia Vergara est une bombasse. D'accord. Mais ses petites narines pincées ne sont pas naturelles. Et ses dents si blanches non plus ! La miss a eu recours à la rhinoplastie et à la pause de facettes pour être encore plus belle. Encore une tricheuse :)

Desapareció una noche / Gone Baby Gone, film de Ben Affleck

Paxton Hernández

Función 11:40am. Sala mediana y totalmente vacía: el cinéfilo maravillado. Sorpresa mayúscula: descubrir el contundente talento detrás de las cámaras de Ben Affleck, aventándose un Clint Eastwood, como sigue.

El neo-noir ético
En Desapareció una noche (Gone Baby Gone, EUA, 2007), disparejona pero finalmente brillante ópera prima del actor súper estrella californiano Ben Affleck, con un guión suyo y de Aaron Stockard sobre la novela de Dennis Lehane, la pareja sentimental y laboral de detectives bostonianos Patrick Kenzie (Casey Affleck formidable) y Angie Gennaro (Michelle Monaghan) serán contratados por la histérica beata Beatrice McCready (Amy Madigan) para encontrar la hijita perdida de su irresponsable cocainómana cuñadita (Amy Ryan) sin prever las consecuencias de que la jodidez humana empiece a salir a flote y sin imaginar que las más inesperadas acciones de las grises criaturas que los acompañan (incluidos ellos mismos) siempre son dictadas desde la máxima "Haz lo correcto".

El neo-noir ético es otro anticomplaciente sondeo en la dañadez gringa, aún más oscuro, cínico y visceral que el Río místico de Eastwood (03), también basado en una novela de Lehane, ahora paradójicamente provisto de una sensibilidad mejor calibrada, más afectantes verdades emocionales y una desarmante intensidad sostenida.

El neo-noir ético delinea en sensacional equilibrio la tradición del film noir hollywoodense de los 30s y 40s y los provocadores thrillers metapolíticos de los 70s, para solazarse mediante su formidable neoclasicismo en la cúspide de la sobriedad y depuración dramático-visual del Hollywood modelo siglo XXI.

El neo-noir ético abusa inclementemente de flashbacks desquiciados y explicaciones no pedidas, que distraen bastante del otrora imparable ritmo narrativo, para visualizar los ingeniosos giros argumentales de Lehane, ahora aderezados con música empalagosona de Harry Gregson-Williams.

Y de la manera más subversiva posible, el neo-noir ético impide realizar juicio alguno sobre cada una de las acciones de los personajes, porque siempre actuarán en base a sus más profundas convicciones éticas, seguros del piso firme moral aunque sólo vuelvan a encontrar el abismo, al mismo tiempo que la tormenta feroz de una ambigüedad alevosa y perturbadora se cierne sobre ellos y sobre la película en su conjunto, con nuestro héroe/anti héroe vuelto niñero de la encantadora chiquitina Amanda (Madeline O'Brien), para empezar a expiar todas su Culpas pretéritas, presentes y futuras a pesar de tener la entera certidumbre de haber hecho lo Correcto.