Batman: El Caballero de la Noche Asciende / Batman: The Dark Knight Rises, de Christopher Nolan (01), por Miguel Cane

La victoria del héroe

Miguel Cane



Desde que en 2005 Christopher Nolan resucitó la saga de Batman en la gran pantalla – ocho años después de su ignominiosa destrucción a manos de Joel Schumacher – ésta pasó de ser una mera franquicia a convertirse en un auténtico objeto de culto. Con el estreno de El Caballero de la Noche en 2008, adquirió tintes apoteósicos y la interpretación de Heath Ledger como el Joker (que muchos aseguran contribuyó a su prematura muerte) causó furor. Las expectativas de los espectadores ante la tercera y definitivamente última parte de esta saga, rayan en lo irreal, en lo imposible, en lo obsesivo.



Por lo tanto, la pregunta es, ¿conseguirá El Caballero de la Noche Asciende satisfacer esta sed de perfección y mito? Y la respuesta es... que semejante cosa no es posible. Y no porque la cinta no sea de calidad, que lo es, es simplemente que a estas alturas del poema, resulta imposible dar gusto a nadie. Habrá quienes la amen, habrán quienes la vilipendien, quienes se queden estupefactos, quienes se conmuevan hasta lo más hondo y no faltará quienes le encuentren defectos a todo. Es el precio de ser un filme tan anticipado, si bien está más allá del bien y del mal; no importa lo que se diga de ella, su leyenda la precede.



Dicho lo cual, hay que señalar que Nolan evidentemente está consciente de esto y ha confeccionado un filme que reúne todos los elementos del universo planteado en las cintas anteriores y los magnifica. Aquí, Nolan y su equipo llegan a un paroxismo extrapolado de imagen, sonido, movimiento y catársis. La catástrofe inminente de Ciudad Gótica se hace una realidad y Batman se erige como salvador herido (física y psicológicamente) para tratar de evitar su destrucción total.



Como el personaje titular Christian Bale alcanza madurez y seguridad interpretativas; establece diferencias claras entre Batman y Bruce Wayne y explora su humanidad. Michael Caine deslumbra como el leal Alfred – con excelentes escenas donde sus parlamentos son clave – igual que Gary Oldman como el Jefe Gordon. La interpretación reveladora del filme, por su delicadeza y bravura, es la de Anne Hathaway como Selina Kyle (aunque no se le llame así, ella es Catwoman) hábil y conspicua ladrona surgida de los bajos fondos, que sabe brillar en sociedad, y se convierte, de manera insólita, en aliada y amparo de Batman en su momento más bajo. Basándose en Hedy Lamarr y Katharine Hepburn, su trabajo es impecable; transmite humor y calidez (necesarios en este panorama nihilista y estremecedor) y también valentía cuando hace falta. Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard y Tom Hardy completan el cuadro (importados de El Origen por Nolan) como personajes complejos y de muchos matices que sorprenden – los dos primeros – y como un auténtico monstruo, el último.



La confrontación entre Bane y Batman es brutal para personajes y espectadores por igual, pero es parte inescapable de un cuadro mucho más grande y cuidado, un mosaico en claroscuros que Nolan presenta con elegancia y sin piedad. Como resolución a la saga, esta cinta retoma elementos planteados desde la primera secuencia de Batman inicia y resuelve cada trama con meticuloso detalle, si bien no es complaciente. Habrá quienes se sientan felices de la conclusión y quienes se sientan furiosos. La polémica será inevitable. Lo cierto es que este es un filme con el sello de calidad de Nolan por todas partes y funciona como una máquina.

No es, evidentemente, El Padrino o Ciudadano Kane o Rebecca, pero es un trabajo de primer orden, que se gana a pulso los elogios hiperbólicos y la vitriólica ira que recibe. ¿Por qué?

Porque las leyendas se construyen con eso.

Batman: El Caballero de la noche Asciende/Batman: The Dark Knight Rises
Con Christian Bale, Anne Hathaway, Tom Hardy, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Gary Oldman, Morgan Freeman, Juno Temple, Liam Neeson y Michael Caine
Dirige Christopher Nolan

EEUU/Reino Unido 2012

Gatúbela con el sello de Anne Hathaway

La bella actriz encarna a la legendaria 'Catwoman' en la nueva cinta 'Batman: el caballero de la noche asciende', tercera de la saga dirigida por el original y polémico Christopher Nolan.

Miguel Cane.



En cosa de una década, la carrera de Anne Hathaway (Nueva Jersey, 1982) ha pasado por toda clase de filmes e interpretaciones, y ha demostrado ser una actriz versátil y una de las mejores de su generación. Esto se observó desde su debut en Diario de una princesa (con Julie Andrews) hasta su aparición en El diablo viste a la moda, filme que la colocó realmente en el mapa, poniéndose al tú por tú con la mismísima Meryl Streep.



La consagración —y una nominación al Oscar— le llegó con La boda de Rachel, cinta dirigida por Jonathan Demme, en la que interpretó a una ex modelo drogadicta. Ha trabajado con directores notables como Demme, Ang Lee y Tim Burton, y ahora hace su primera incursión en el cine más comercial de superhéroes como parte del elenco de la muy esperada tercera cinta de Batman, dirigida por Christopher Nolan, la que cierra su saga del hombre murciélago y que no ha sido ajena a la polémica por su tono oscuro y nihilista, algo no comúnmente asociado a un género más cercano a la acción y a públicos jóvenes.

Con una sonrisa y su cabello ahora muy corto (requerimiento de Los miserables, que acaba de rodar en Londres y que se estrena en Navidad), Anne responde a las preguntas con sencillez, desprovista de las poses de celebridad, algo que, señala, “detesta cordialmente”. No le interesa la fama; lo suyo es trabajar.

MC: ¿Cómo llegó Batman... a ti?
AH: Me sorprendió un poco. Es decir, no esperaba siquiera que me consideraran. Yo ya había visto las dos películas anteriores que hizo Chris y había leído con él para la segunda (el papel de Rachel Dawes, originado por Katie Holmes, que finalmente fue interpretado en El Caballero Oscuro por Maggie Gyllenhaal) pero no sucedió nada. Yo me fui a hacer La boda de Rachel, y pensé: “Bueno, otra vez será”. Pasó el tiempo, y en 2009 Chris me volvió a ver en los Oscar, y me dijo que estaba interesado en que habláramos; a mí me interesaba trabajar con él. Me pidió un poco de tiempo, y luego me hizo llegar un primer guión, con notas sobre el personaje de Catwoman. Me dijo que era el personaje que me quedaba mejor; lo leí y acepté de inmediato. Es decir, ¿cómo no hacerlo? Despejé mi agenda y entré totalmente al proyecto.



MC: ¿Qué es Selina Kyle para ti?
AH: Es un personaje fascinante y muy emblemático, tanto en el cómic como en esta versión; incluso en la de Tim Burton, cuando la encarnó Michelle Pfeiffer, es un gran enigma. Pero eso también la hace intimidante: es una figura icónica, y tienes que hacer que tu representación sea completamente diferente, que la gente olvide a las Gatúbelas que vinieron antes, y eso es algo muy difícil. La de Michelle es formidable y su traje se convirtió en un referente. Chris quería que rompiéramos ese molde. Además, en los 20 años que pasaron desde su última aparición en cine, la historia del personaje se ha enriquecido mucho en el cómic, con sus propias series y su propio desarrollo. Eso la hace aún más interesante.

MC: ¿Cómo es distinta a encarnaciones previas?
AH: Está llena de matices; no es una villana como mucha gente suele pensar, si bien tampoco es alguien que observe la ley; ha tenido una vida difícil, y yo la llamaría una sobreviviente: ha desarrollado sus habilidades para poder salir adelante en un mundo hostil e implacable como lo es el bajo mundo de Ciudad Gótica, al que pertenece, aunque no por gusto. Curiosamente, donde la Gatúbela de Tim tenía un cierto elemento sobrenatural —los gatos la reviven y de pronto se descubre como un ente nuevo, con habilidades que no tenía y un deseo de venganza—, Selina ahora no tiene nada de eso. Ella se ha hecho en las calles, en lugares sórdidos. Es dura, pero también conoce los usos de la elegancia. Es, efectivamente, como un gato: puede ser mimosa y llena de gracia, pero también feroz si la necesidad la obliga. Chris quiso que tuviera un lenguaje corporal muy especial. Además, se ayuda de tecnología que adquiere mediante el robo; es una ladrona, pero tiene un código moral muy personal y único. Eso la hace no sólo una adversaria formidable para Batman sino también una aliada valiosa. Es muy complejo.



MC: Como complejo es el vínculo entre ellos...
AH: Es curioso. Chris nos sugirió a Christian y a mí que viéramos un par de películas de Katharine Hepburn y Spencer Tracy. No para que los imitásemos sino para que viéramos la química entre ambos. Vimos un drama, Keeper of the Flame, y una comedia, Adam’s Rib, y fue estupendo, porque así encontramos el balance que debe existir entre ambos en pantalla, tanto entre Bruce y Selina como entre Batman y Gatúbela. Chris quería que hubiera una química entre ambos, incluso algo de humor. Selina tiene ese sentido del humor que para Batman es algo extraño, porque él no es así. Por ejemplo, la escena en que me robo el auto de Bruce, con el valet parking diciéndole “su esposa dijo que volviera a casa en taxi”, es una pincelada más ligera en lo que es una película muy oscura y eso ayuda a mostrar otras facetas de los personajes. Por otra parte, el vínculo entre Batman y Gatúbela se vuelve más vital conforme se complica la situación para él; hay un momento en el que ella se vuelve su única aliada y esa confianza tentativa es un lazo importante a la larga. Por eso Chris quería que supiéramos cómo establecerla: porque es la espina dorsal de la trama.

MC: Ésta es una película “evento”, para un público muy específico. ¿Es muy diferente a hacer una película “normal”?
AH: Es mucho, mucho más difícil. No sólo por el trabajo que en sí implica una producción como ésta y sus exigencias físicas, sino por lo que requiere tanto del guionista como del director y su equipo, y también de los actores. Hacer una película de superhéroes y, más aún, una que cierra definitivamente una saga, requiere un trabajo de equipo muy especial, un ritmo, una manera de presentar las cosas. En este caso, además es difícil, porque tienes demasiadas expectativas puestas en ti. Estás encarnando un ícono y mucha gente espera que lo hagas de tal o cual manera. Es virtualmente imposible darle gusto a nadie. Algunos me han dicho: “Anne, ¿por qué haces esto?”. Y yo lo hago porque me gusta y me interesa hacerlo, y doy lo mejor de mí, como con cualquier personaje que me ha tocado interpretar.

MC: ¿Sientes que has madurado como actriz en estos años de carrera?
AH: Pues te diré que sí. Supongo que ya no tengo mucho en común con la chica que era hace 10 años. Entonces me ponía muy nerviosa todo el tiempo y ahora siento que tengo mucho más control sobre las cosas, que tengo más confianza. Tengo una libertad que no tenía antes. Puedo actuar en otros géneros y la recompensa es el respeto de mis compañeros, directores y de los productores y la crítica. Siento que no he defraudado al público y que he madurado. Jamás esperé conseguir tanto. A veces pienso que un día de estos todo va a desaparecer de mi vida porque tengo demasiada suerte. Nada dura para siempre; pero quiero seguir luchando por conseguir buenos personajes y hacer lo que me gusta, que es actuar. Sé que conlleva algunas obligaciones; es decir, no es la primera vez que hago promoción de una película, ya hemos hecho esto antes y ya estoy acostumbrada. Y para una película como ésta va a ser algo agotador porque vamos a darle la vuelta al mundo. Pero qué te digo; lo cierto es que me entusiasma mi trabajo. Estar en esta película es un privilegio.

Tom Hardy nos presenta al Monstruo

El actor británico llega a la cúspide de la fama ahora como el brutal villano de Batman: El Caballero de la Noche asciende.

Miguel Cane



Cuando dio inicio a su carrera hace más de una década, Tom Hardy (Londres, 1977) en la miniserie Hermanos de Sangre y con un papel en La caída del Halcón Negro de Ridley Scott, todo mundo pensó que el apuesto y fornido actor iba a ser una estrella instantánea. Pero la fama le pasó factura demasiado pronto y estuvo a punto de perder su carrera, cosa que lo mantuvo relegado a roles pequeños y a la televisión hasta que gracias a Nicolas Winding Refn, que lo llamó a protagonizar Bronson en 2008, vio aparecer una segunda oportunidad para volver a la gran pantalla; ahora, después de participar en El Origen, repite con Christopher Nolan como Bane, el villano principal en Batman: El Caballero de la Noche asciende.

Participar en la que es probablemente la cinta más anticipada del año ha sido un “plus” en la carrera de Hardy, acostumbrado a hacer papeles de duro, se vino a encontrar conque éste es particularmente difícil toda vez que ha pasado por la óptica de Nolan.



¿Cómo podrías definir a Bane y el rol que juega en la trama?
Creo que Bane es monstruosamente genial así que estoy muy emocionado por interpretarlo. Es como un pozo sin fondo, un abismo. Pero también tiene sentimientos y algunas texturas inesperadas. No es un personaje unidimensional para nada. Puedes clasificarlo como un villano, pero es mucho más que eso: es un antagonista.

¿Su oscuridad es intimidante cuando te acercas al personaje?
Sí, pero me cuidé de no llegar en absoluto hasta ese lugar oscuro. Hay una gran cantidad de personajes retorcidos y malévolos de los que es fácil distanciarse, y no hacer tuya su maldad. Eso es algo que me hizo sentir cómodo, al aceptar el personaje, supongo. Yo ya tengo mis propios problemas (se ríe).



¿Cuál dirías que es la diferencia entre Bane y el Guasón, que es el antagonista de la cinta anterior en la saga?
Son completamente distintos en sus motivaciones. El Guasón sólo quería ver arder el mundo, y era un maestro del caos y la destrucción, un loco sin escrúpulos. Bane no es de esta forma. Es mucho más meticuloso y calculador. Y supone una gran amenaza física para Batman, porque es como un leviatán y no se va a detener ante nada para aplastar a Batman. No hay nada confuso ni ambiguo en torno a Bane. No hay bromas. Es un monstruo muy centrado y muy claro en sus propósitos.

En la cinta no vemos tu rostro. ¿Es dificil interpretar de esta manera? ¿Requiere un mayor esfuerzo?
Cada vez que te pones algo cubriendo tu cara, vas a adoptar una personalidad y un físico que nada tiene que ver con la interpretación. Te permite que sea más libre. Creo que a Nolan le preocupaba que no quisiera ponérmela porque yo temiera que eso pudiera dañar mi carrera o algo así. Pensó que yo podría estar preocupado porque los espectadores no pudieran ver mi bello rostro (estalla en carcajadas). ¡Cómo si me importara! ¡Carajo, es Christopher Nolan! ¡Por él llevaría una bolsa de papel en la cabeza! Ahora bien, hay un detalle: que Bane use una máscara que altera su apariencia y su voz, es un riesgo, porque podrian reírse de él o también puede ser algo nuevo y excitante. El público no debería preocuparse por eso. A medida que avanza la película, te acostumbras a ella. Y sobre el esfuerzo, bueno, realmente la máscara que tuve que usar es muy ajustada. Pero me acostumbré a ella, con el tiempo uno se acostumbra a casi cualquier cosa.



¿Y la transformación física? Debió ser muy demandante
¡Hermano, no te imaginas! Es el trabajo de preparación física más demandante por la que he pasado. Ni cuando hice Warrior tuve que entrenar tanto. Tenía que aumentar mi masa muscular así que comía bandejas de pollo y brócoli cada tres horas y bebidas de proteínas entre las tomas, y tuve que hacer pesas desde las siete de la mañana hasta el anochecer, seis días a la semana durante las diez semanas previas al comienzo del rodaje y mientras se alargó la producción.

Las secuencias de acción y la pelea con Batman resultan muy impresionantes.
Ninguno de los dos personajes es muy verbal. Se expresan entre ellos con los puños. En la pelea climatica entre los ambos la acción física debía ser un diálogo más que contundente, con un punto final que impactara a los espectadores. ¿A qué tememos más que al dolor? Y ese es el tema que Nolan aplica: el dolor. Bane padece un dolor crónico y Batman tiene un alma adolorida. Sus cuerpos están conectados con la mente. Planificar esa pelea requirió mucho entrenar. Debíamos conseguir que cada patada, cada puñetazo tuviera significado, cada golpe era algo que transmitiera dolor; Christian es un gran profesional y fue maravilloso hacer estas escenas con él. Eso nos llevó muchas horas e hizo que acabáramos exhaustos al terminar de rodar la escena. Especialmente a él le exigió más, pero mi misión como personaje era llevarlo al punto de quiebra y Nolan nos hizo un marcaje muy de cerca.

Tu carrera ha tomado un “nuevo aire”, y este filme es clave en ello. ¿Cómo te sientes ahora como actor, en este momento?
Soy tremendamente afortunado. Telo digo sinceramente. Estoy contento simplemente de estar vivo. Al principio de mi carrera probé algo la fama y acabé de bruces en rehabilitación con una adicción a las drogas. Diez años después estoy aquí y no pienso regresar. Tuve que empezar de cero. Aprender a ser humilde. Eso es algo muy importante en esto. Yo siempre me acerco con cuidado a mis personajes. Para sacarlos adelante hay que hacerlo. Elijo las características que me inspiran o me interesan, como ocurrió con el de Bronson. Bane es complejo e interesante. Encuentro las cosas que me divierten, que me hacen reír o que me dan miedo, y trato de reflejarlas para que la gente sienta lo mismo. Bane es el terror más profundo que he encontrado en papel.

Tu próximo trabajo es la resurrección de Mad Max. ¿Temes la comparación con Mel Gibson?
No, en absoluto. Es un actor brillante y a mi generación le dio un trabajo brillante, eso es. Yo tengo un trabajo que hacer. Yo no estoy aquí para participar en una competición por el talento. Se trata de interpretar el personaje que me dan. Y hacerlo del mejor modo posible.

Amor, honor y libertad / The Lady, de Luc Besson

Retrato de una dama

Miguel Cane.



Aunque el estilo visual de Luc Besson permanece intacto y arrobador en Amor, honor y libertad (The Lady), hay que reconocer que quizá fue el menos indicado para llevar a la pantalla la vida de la Premio Nobel de la Paz Daw Aung San Suu Kyi; figura vital para Birmania en su lucha por la democracia y quien tal vez merecía un film más eficaz.



El problema inicial es la duración. La cinta tiene problemas de ritmo que se agravan en una pendiente cuesta abajo después de sus notables primeros diez minutos. La apertura resulta emocionante, conmovedora y casi perfecta. , pero decae conforme se desarrolla la historia de Daw Suu: su educación en el exilio, su retorno a Birmania y su posterior cautiverio.

Por otro lado, el uso de la música no es muy favorable, y resulta irritante que prácticamente cada plano donde aparece la junta militar sea acompañado por música ominosa. Como si se tratara de una telenovela. El guión produce diálogos torpes, estereotipados y blandos. Lo mismo ocurre con algunos eventos históricos, como la ceremonia de los Premios Nobel, o el peregrinaje de La Dama por Birmania, el cual parece comercial de Josefina Vázquez Mota.

Sin embargo, la película tiene detalles encomiables: el colorido y acogedor trabajo de fotografía, las actuaciones de David Thewlis y Michelle Yeoh, quien trasciende el notable parecido con el personaje real.

Sin duda, el film pudo ser mucho mejor, pero quiero pensar que la razón por la cual Besson no logra hacerle justicia al personaje Daw Aung San Suu Kyi es porque su historia no ha terminado; aún tiene camino por recorrer y objetivos por lograr. Así, la película no tiene suficiente material para redondear la trama, pero puede darse cierto crédito al director por plasmar un episodio real en una película bella y bien actuada. Aunque queda un poco a deber, es importante verla para conocer una historia y aprender de su causa.

Amor, honor y libertad / The Lady.
Dirección: Luc Besson.
Con Michelle Yeoh, David Thewlis, William Hope, Sahajak Boonthanakit.
Francia, Reino Unido. 2011.

Michelle Yeoh: Retrato de una Dama

En su más reciente filme, la célebre actriz asiática presenta la vida de la Premio Nobel Aung San Suu Kyi.

Miguel Cane



“Este es un honor inmerecido, el papel de toda una vida”. Así es como define, con humildad y asombro, Michelle Yeoh (Malasia, 1962) el rol de Aung San Suu Kyi, la líder de la resistencia pacífica birmana que pasó más de dos décadas en arresto domiciliario, premio Nobel de la Paz en 1991, que encarna en The Lady: Amor Honor y Libertad, la más reciente película del francés Luc Besson que inauguró la sexta edición del Festival Internacional de Cine de Roma.

La historia de Daw Suu (como se le conoce popularmente), siempre le había parecido fascinante a la actriz, célebre por su participación en filmes de acción y en la obra maestra de Ang Lee, El Tigre y el Dragón, que buscó dar un giro a sus carrera con esto.



¿Por qué elegir la historia de Daw Suu?
“Por qué era muy importante que se contara. Mucha gente sabía que desde 1989 ella había estado luchando por una transición democrática en Birmania, de hecho, ya existía otra pelicula que tocaba el tema, que se llama Más allá de Rangoon, dirigida por John Boorman, y con una gran actuación de Patricia Arquette... pero aunque presentaba la situación en Birmania desde el punto de vista de una turista occidental que se involucra, no era la historia de Daw Suu como tal, que es interesantísima. Ella es hija de Aung San, un líder político que ayudó a negociar la independencia de Birmania de la corona británica de un modo pacífico y que fue asesinado cuando ella era prácticamente una bebé. Ella tiene una educación notable, vivió en Nueva York, donde trabajó para la ONU, y en Inglaterra, donde conoció a su marido, Michael Aris, que es el papel que interpreta David Thewlis, y su historia de amor es apasionante, sobre todo por las implicaciones que le trajo su arresto domiciliario, que la apartó por años de él y de sus hijos, Alexander y Kim.”



¿Qué dijo Daw Suu cuando supo que iban a rodar la pelicula?
“Cuando comenzó la producción, Daw Suu aún estaba bajo arresto domiciliario. De modo que sólo pudimos hacerle llegar un mensaje de manera clandestina y su respuesta fue “usen su libertad para que el mundo conozca nuestra lucha”. Ella no pudo ver la película hasta que la liberaron y verla con ella fue algo muy emocionante.”

Como no se pudieron conocer antes del rodaje, ¿cómo te preparaste para tu rol?
“Fue tan o más exigente que cuando me preparo para una cinta de acción. Daw Suu es muy delgada, pero muy fuerte, así que tuve que hacer una rutina de ejercicios constante para perder más peso y a un mismo tiempo, mantener su figura. Y eso sólo fue lo físico. Tuve que consultar más de 300 horas de documentales y clips acerca de ella, de sus discursos, para poder estudiar su voz y sus movimientos, todo su lenguaje corporal. Es muy importante, sabes, cuando interpretas a un personaje real, que aún vive, ser lo más fiel a cada uno de sus gestos. No incurrir en la mera imitación, sino en la interpretación. Me comprometí mucho con el personaje, así que Luc me ayudó mucho. Incluso buscó una instructora de dialectos, para ayudarme a aprender a hablar birmano, para tener el acento correcto. Mucha gente piensa que es una exageración hacer esto, pero Meryl Streep es un ejemplo de ello, hay que encontrar la fidelidad de la persona que encarnas hasta en la voz.”



El rodaje tuvo que llevarse a cabo en Tailandia por razones políticas.
“Sí. rodamos en 2009 y 2010, cuando aún no caía el régimen y se nos prohibió el acceso a Myanmar (el nombre con que también se conoce a Birmania) y Luc y yo fuimos declarados personas non gratas en su territorio. Eso nos causó algunas dificultades de logística, no voy a negártelo, pero Luc es un director muy astuto, muy inteligente y se las arregló para salirse con la suya en todas las cosas que se propuso; yo estaba asombrada, no conoce imposibles. La filmación contó con unos 200 extras birmanos que habían huido del régimen tras pasar días en la selva y que se acercaron a la producción. Hace unos meses, Luc hizo un pase especial de la película con algunos de ellos, y comenzaban a llorar desde el primer plano, desde que ven los templos de Birmania. A la salida nos dijeron que nunca habían visto su país en la gran pantalla. Es algo muy emocionante.”

Este, sin duda, es un parteaguas en tu carrera; nunca habías hecho algo como esto.
“Es verdad, pero esto sirve para mostrar que un actor, por mucho que se le identifique con un género, no necesariamente está negado a otro tipo de proyectos. A mí me impresiona mucho haber hecho esta película, porque me demostró cosas que yo no sabía de mi misma, y también me sirvió para ayudar a contar una historia que la gente debe saber, sobre todo, porque aún con sus tintes de tragedia, está llena de esperanza y hoy, en titulares, continúa.”

Finalmente, ¿cómo fue el encuentro entre ustedes?
“Nunca nos habíamos visto en persona, pero cuando llegué a la casa de la madre de Daw Suu, donde estuvo presa más de veinte años, me sentí como si estuviera llegando a mi casa: pasé tanto tiempo en el set y el set era tan idéntico, incluso hasta en el piano donde ella tocaba, que me emocioné. Cuando estuvimos frente a frente, fue algo muy emotivo: fue como abrazar a un miembro de la familia. Y es una mujer admirable, resistir todo por lo que ha pasado y mantenerse serena y optimista es posiblemente la mayor enseñanza de vida que haya recibido antes.”

¿Cómo ha sido la reacción del público ante The Lady?
“Muy favorable, espero que sirva para que el mundo sepa quién es esta gran mujer y su lucha que no termina, los sacrificios por los que ha pasado, incluyendo separarse para siempre del gran amor de su vida, contra su voluntad, todo para poder reinstaurar la democracia en Birmania. Su historia es algo que nos habla a todos, en todos los países y en todas las situaciones. Y esta es nuestra aportación, por modesta que sea, para que su lucha se conozca para que todo lo que ha hecho no sea en vano.”

Jennifer Aniston et la chirurgie esthétique

Bien sûr, le maquillage et le relooking ont bien aidé Jennifer Aniston, mais il y a aussi un peu de chirurgie esthétique au niveau du nez : Avant elle était banale, maintenant elle est jolie. Et n'oublions pas qu'elle a réussi à se marier avec Brad Pitt ! Moi je dis que c'est plutôt bien joué !
Pour voir tous les autres avant/après des stars, c'est ici

Método peligroso, Un / A Dangerous Method, de David Cronenberg, con Keira Knightley

Misterios de la mente

Miguel Cane



En la última década – posiblemente desde la aparición de su inquietante thriller psicológico Spider – David Cronenberg ha ido apartándose poco a poco las brutales tácticas visuales de sus primeras obras para acercarse poco a poco a un cine aparentemente 'menos' transgresor. Una historia violenta (2005) y Promesas peigrosas (2007), son aparentemente convencionales, aunque ambos atesoraban imágenes perturbadoras que abordaban el sexo o la violencia al más puro estilo del creador de filmes tan controversiales como Videodrome y Crash: Placeres extraños.



En Un método pelígroso, sucede algo similar: bajo la la apariencia de un melodrama histórico, vuelve a internarse en los aspectos tortuosos de la personalidad humana. Lo hace a través de la sórdida relación sexual que mantuvo Carl Jung (Michael Fassbender) con Sabina Spielrein (Keira Knightley), que fue su paciente y posteriormente pupila.



Cronenberg, con un guión de Christopher Hampton, muestra cómo en los albores de la Primera Guerra Mundial, el famoso doctor suizo, que llevaba una serena vida doméstica junto a su mujer y sus hijos, dejó a un lado las convenciones para adentrarse en una relación sadomasoquista donde su deseos más primarios se confundían con su ansia por adentrarse en la mente humana y curar a su paciente y mientras Sabina mejoraba de sus trastornos y se convertía en una eminente analista, Jung se sumía poco a poco en una terrible depresión de la que tardaría años en salir. Este proceso, como lo muestra la película, fue casi paralelo al distanciamiento del hombre del que había sido su mentor, Sigmund Freud (Viggo Mortensen, que lo capta perfecto).

Ambos parecían reconocer en el otro rasgos de genialidad, pero mientras que el maestro prefería explorar la naturaleza del mal de cada uno de sus pacientes, Jung pretendía guiarles a su curación. Cronenberg trabaja de manera controlada y distante con el tema, como es su estilo. El tono glacial con que se muestran las relaciones sociales de cada uno de los personajes contrasta con el erotismo en la intimidad de los personajes. Las interpretaciones de los actores son estupendas: Fassbender consigue plasmar la ansiedad de un hombre aparentemente reprimido, sumamente torturado en su interior por deseos que lo consumen. Igualmente interesante es el trabajo de Keira Knightley, que se despoja de todo artificio para reflejar perfectamente la enfermedad y posterior recuperación de Sabina, o Viggo Mortensen, que dota de un cierto aire de humor y patetismo a su cuidado Freud, que envidia abiertamente el talento y la posición social de su más avanzado alumno.

El resultado de la unión del oficio de Cronenberg, el gran talento de sus actores y la impresionante y elegante producción, en escenarios naturales de Ginebra es una película inteligente y perturbadora que va mucho más allá del melodrama de época que aparenta ser a primera vista y amerita un visionado a fondo,como muestra del talento de un gran director contemporáneo.

Un método peligroso/A Dangerous Method
Con Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley, Sarah Gadon y Vincent Cassel
Dirige: David Cronenberg
Canadá/Reino Unido/Alemania/Suiza
2011