El espía que sabía demasiado / Tinker Tailor Soldier Spy, de Thomas Alfredson

Espionaje de alta escuela

Miguel Cane



Con una atmósfera lograda que rinde homenaje a los clásicos thrillers de espionaje de los 60 y 70, esta película de Tomas Alfredson (Déjame entrar) es una de las mejores muestras de este género que además trata al espectador y a la historia con inteligencia. Dentro de esta cinta magníficamente concebida, ambientada, que tiene una atmósfera impresionante y que resulta completamente absorbente se encuentra además una formidable actuación de Gary Oldman.



En 1964 un operativo del servicio de inteligencia británico MI6 se retiró para ser escritor a tiempo completo. Bajo el pseudónimo de John Le Carré, el cual seguiría utilizando posteriormente, el autor ya había dado vida a uno de sus protagonistas más icónicos llamado Geoge Smiley. Este espía de la guerra fría es el protagonista de cinco de sus novelas y un personaje secundario en un buen número de otras. Frío, hermético, inteligente y altamente observador, Smiley ya había conocido una gran encarnación a través del enorme Alec Guinnes en dos notable miniseries de la BBC. Gary Oldman vuelve a darle vida de forma soberbia.



En El espía que sabía demasiado (quizá lo único atroz de la película sea su título en español) no hay explosiones, tiroteos ni persecuciones, todo sucede en conversaciones, deducciones e investigación. Quien adore las películas de misterio se sentirá ampliamente compensado. El filme sigue a su protagonista mientras intenta averiguar quién es el traidor en lo más alto de los servicios de inteligencia británica y obliga al espectador a deducir con él y a prestar atención a los detalles. Todo es sutil e importante en esta historia. Alfredson consigue una cinta magníficamente ambientada y con un tono impresionante: sobrio, ajustado, fríamente tensionado y a la vez algo melancólico, difícilmente se puede crear una atmósfera en película de espías de la guerra fría mejor que la que ofrece el filme. Con un aspecto de ritmo pausado pero lleno de tensión, la película presenta una absorbente trama de una forma que hace del filme un ejercicio fascinante.

Todo gira en torno a Gary Oldman y su perfecta interpretación, creando no sólo la coraza emocional que tiene Smiley sino dejando ver de forma casi imperceptible todo un bagaje detrás de sus ojos. Alfredson sabe del peso que está aportando en cada escena y nunca hace un esfuerzo en alejar la cámara de Oldman, apoyado por una espléndida compañía que incluye a Ciarán Hinds, el enorme Colin Firth. Tom Hardy, John Hurt, Mark Strong, Benedict Cumberbatch y Toby Jones.

Con los intérpretes que tiene y dada la calidad de esta película, es una pena que no sea una miniserie ya que hay material de sobra para volver a hacer una. Se podría seguir viendo durante horas a este Smiley.

El necesario recorte narrativo puede dar la sensación de que muchas cosas se dan por sentadas y ni se explican pero todo está perfectamente medido en la película, sumergiendo así al espectador en este particular mundo de la guerra fría con toda la inteligencia y realismo posibles. Un estreno de calidad innegable.

El espía que sabía demasiado / Tinker Tailor Soldier SpyCon Gary Oldman, Tom Hardy, John Hurt, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Ciará Hinds, Toby Jones y Colin Firth.
Dirige: Thomas Alfredson
Reino Unido 2011

Ryan Gosling y Nicolas Winding Refn

Dos hombres y un filme

Ryan Gosling y Nicolas Winding Refn son los cómplices detrás de Drive, una de las películas más apasionantes y polémicas del año. Ellos nos hablan sobre cómo se creó.

Miguel Cane.

Son muy diferentes, como El Gordo y El Flaco. Y como ambos, parecen divertirse en mutua compañía. Ryan Gosling (1980) es alto, apuesto, rubio; tiene el prototipo para ser una movie star muy comercial —todo mundo pensó que así sería cuando protagonizó el melodrama Diario de una pasión en 2004—, pero en lugar de irse por lo fácil buscó alternativas poco convencionales y curiosamente mucho más retadoras, lo que le ha valido ser reconocido más como actor que como estrella. Nada mal para un prófugo de ese semillero de estrellas pop que fuera el Club de Mickey Mouse, donde fue compañero de generación de Justin Timberlake y Christina Aguilera. Por su parte, Nicolas Winding Refn —el apellido no es tan impronunciable como parece— (1970) es un danés diferente al concepto preconcebido de director de cine: tiene un aspecto despistado, como de niño, es jovial y también salpica su conversación con el verbo fuck, que asegura, es el que más le gusta.



La pareja toma café y fuma cigarrillos en una terraza, después de una proyección de Drive, su primer proyecto juntos. Se trata de un film noir posmoderno, basado en una novela de Jim Sallis, que se sale del molde habitual del cine de género para hacer una propuesta estilística mucho más sofisticada. Este filme le trajo a Nicolas, entre otros reconocimientos, la Palma de Oro como mejor director en el pasado Festival de Cannes, donde su compatriota, Lars von Trier, acabó ganándose el título de persona non grata por sus comentarios durante la rueda de prensa al presentar Melancholia. Pero, dice Nicolas, “ese es el problema del ego: que te gana y entonces dices pendejadas porque crees que todo el mundo te las celebra, y resulta ser que un día ya no te las van a celebrar, y aunque hayas hecho una película preciosa —y Melancholia es preciosa, no cabe duda—, puedes mandar todo a la mierda sólo con abrir la boca. Por eso creo que el director no debe hablar, sino dejar que su película hable por él”.

“¿Entonces hablo nada más yo?”, pregunta Gosling, no sin socarronería. “A mí no me importa. Porque puedes decir alguna salvajada, y luego meternos en apuros”; “¡Yo no digo salvajadas!”, responde Nicolas. “¿Y no dijiste fuck al aire en una entrevista con la BBC?”, continúa el primero, a lo que replica el director: “Bueno, es verdad. Pero siempre pensé que los ingleses serían menos delicados con esas cosas que los estadunidenses”. Gosling estalla en carcajadas mientras el otro parece genuinamente mortificado. Esa parece ser la dinámica entre ambos: más que actor y director, son amigos, cómplices. Y la cosa fue así, según cuentan, desde el principio.

Ryan relata: “Recibí una llamada de Nicolas en 2009. Me pidió que nos viéramos para charlar. Yo había visto Bronson y me encantó. Quedamos en el bar de un hotel y cuando llegué, lo encontré, pero estaba resfriadísimo. Sólo tomaba jarabe para la tos”. La charla entre ambos, según recuerdan, resultó caótica y surrealista. “Pensé que no iba a funcionar, que no nos íbamos a entender. Entonces él me preguntó si podía llevarlo. Mientras yo manejaba por el freeway, todo hizo clic, y la película realmente tomó forma”.

Temáticamente, Drive, aunque ambientada en un Hollywood decadente, es una mezcla extraña entre el cine de acción y violencia, y el cinema existencialista: el personaje principal es prácticamente anónimo, como el extranjero de Albert Camus. Habla poco, y su existencia es un misterio. “Queríamos rendir homenaje al ‘hombre sin nombre’ que hacía Clint Eastwood para Sergio Leone”, dice Gosling, “un hombre que representara las emociones más básicas y que significara algo diferente para cada espectador”.

“El silencio es el sonido más poderoso del mundo”, dice Winding Refn; “Sin el silencio, no hay ruido. Es un poco como la fotografía: la luz te recuerda dónde están las sombras, y viceversa. Siempre he trabajado mucho con el silencio en mis películas. Obliga al público a concentrarse en lo que están viendo, porque el silencio no sigue una lógica: va directo al corazón, está compuesto de pura emoción”. Continúa Ryan: “Aunque no sólo es eso: la película tiene otros aspectos y rinde otros homenajes, como a las películas de John Hughes. Pregúntale a Nicolas. Es un gran admirador.”

Winding Refn comenta al respecto: “Pues sí, soy muy fan de John Hughes, y crecí en los años ochenta, cuando se estrenaron sus películas. Mi introducción a lo que podrías llamar ‘el amor cinematográfico’, esa ilusión del amor, fue a través de 16 velas y de Molly Ringwald. Eso fue lo que le dije a Ryan: ‘La primera parte de la película es como una de John Hughes. Es La chica de rosa, pero alguien acaba con la cabeza aplastada a patadas’. Hughes hacía películas sobre enamorarse, pero sin las complicaciones; de eso va la primera parte de la mía: el amor sin complicaciones. Pero después él tiene que proteger a la chica (Carey Mulligan), y la cosa avanza en una dirección totalmente opuesta. Y el espectador no se espera eso tampoco”.

La violencia en el filme, como en otros de su canon (la trilogía Pusher o Valhalla Rising, por ejemplo) también es un tema que surge en la mesa, lo que el director explica así: “La violencia es hermana del sexo. Todo depende de la acumulación. La violencia es algo mecánico, no tiene ninguna función si no estás involucrado emocionalmente con ella. Y así, cuanto más metido estés en la historia de amor entre los personajes, más efectiva será la violencia. Como la historia de amor es tan pura, la violencia tenía que ser realmente explícita para equilibrarla. Es un poco como un cuento de los hermanos Grimm”.

La química entre actor y director es palpable, no sólo en el filme, ya que trasciende la pantalla en una camaradería que seguirá rindiendo frutos: “En 2012 vamos a Tailandia a rodar una película titulada Only God Forgives, con Kristin Scott Thomas”, señala Ryan, quien agrega: “Yo la hago de un boxeador retirado, y ella es mi madre y me manda a buscar al asesino de mi hermano. Es una historia muy fuerte, muy emocionante y, si todo va bien, a continuación filmaremos La fuga de Logan”.

“El diseño de la película es enorme, gigantesco”, concluye Winding Refn; “Esa película siempre me ha fascinado. Y cuando surgió la oportunidad de rehacerla, dije: ‘¡Sí! ¡Quiero hacerla!’. Y con Ryan es perfecta”. Tal pareciera que es una mancuerna ideal, a lo que el director Refn contesta, mientras su actor estalla en carcajadas: “¡Oye! ¡Somos lo mejor que ha ocurrido desde Laurel y Hardy!”.

Historias Cruzadas / The Help, de Tate Taylor

Corrección Política para Principiantes

Miguel Cane

La existencia de filmes como Historias cruzadas – título inane impuesto por la distribuidora en lugar del que en español ostenta el libro en que se basa: Criadas y señoras, por miedo a la polémica – es algo calculado por los estudios: una cinta “de calidad”, basada en un best-seller, para obtener la mayor cantidad de premios. Por lo mismo, ver a estupendas actrices como Viola Davis, Sissy Spacek, Jessica Chastain (esta chica está en todas partes, y en todas actúa muy bien), Alison Janney o Mary Steenburgen en una cosa como ésta es prácticamente una infamia. Lo mismo va para la joven y notable Emma Stone, una irreconocible Bryce Dallas Howard o la galardonada Octavia Spencer, quienes hacen un buen trabajo en una trama condescendiente, predecible y a la postre, humillante, disfrazada de buenas intenciones dizque anti-racistas.



A principios de los 60, el sur de los Estados Unidos era (y en muchos aspectos aún es) un hervidero de discriminación clasista y racial. Los niños blancos son criados por 'nanas' de color, pero la barrera entre ambos pronto se hace visible, aún si esas mujeres negras son más importantes en su vida que sus propias madres. Joven y rebelde, Eugenia "Skeeter" Phelan quiere ser escritora y en su ciudad, Jackson, Mississippi, encuentra el material perfecto: contar las historias de las mujeres encargadas de las labores domésticas de la gente pudiente, todas ellas hijas y nietas de esclavos, que le revelan el hecho de que aún cien años después de la Guerra Civil, las cosas han cambiado muy poco para ellas.

Aibileen Clark (Viola Davis) es su Virgilio en ese mundo que ella desconoce y es quien comienza a relatar sus experiencias como parte del servicio doméstico. Este relato va aderezado de viñetas que van del melodrama al gag barato, apelando a la sensiblería más chabacana y al mínimo común denominador. Si bien la película está muy bien interpretada – se nota que Sissy Spacek se divierte horrores con su pequeño papel de gran dama gruñona – los personajes son meros estereotipos (la racista mala y cruel, la chica buena y liberal, la borrachita simpática con una tragedia en su vida, la criada respondona y vengativa que no se deja ningunear, la nana abnegada, etcétera) dignos de una telenovela.

La resolución no es mejor y el resultado es obvio: donde unas recibirán su castigo, otras alcanzarán una ostensible madurez o dignificación (según sea el caso). Todo bonito y bien dispuesto, para que el espectador menos exigente salga satisfecho y creyendo que ha visto algo que lo ilustró (esa terrible tendencia al didactismo de algunas películas estadounidenses) y que vio algo con “mensaje”. Sí. El mensaje es “seamos buenos con nuestros semejantes. No nos vayan a hacer comer algo feo por ser crueles.” Manipulación maniquea, melodrama simplón y dirección mediocre, pero suficiente ñoñez y corrección política, que es muy de hoy. No desperdicie su tiempo.

Historias Cruzadas / The Help.
Con Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard, Alison Janney, Mary Steenburgen, Cicely Tyson, Jessica Chastain y Chris Lowell.
Dirige Tate Taylor.
EU 2011.

Drive, de Nicolas Winding Refn

Un Noir Postmoderno

Miguel Cane

En Drive, el formidable realizador noruego Nicolas Winding Refn vuelve a presentarnos a un protagonista parco en palabras, pero rico en emociones, tal y como hizo en su espectacular Valhalla Rising y lo vuelve a introducir en un viaje existencial.



Esta vez la acción tiene un trayecto es menos onírico; el conductor que es el personaje central de la historia, encarnado por Ryan Gosling, con aplomo, mesura y dosis impactantes de carisma, es anónimo, silencioso, sereno, sin pasado, sin historia ni futuro. Simplemente se sabe de él el trabajo que realiza. Este tipo de antihéroes remite a los gloriosos personajes interpretados por Clint Eastwood para Sergio Leone.

Con una estética noir, una destacada atmósfera y mucha influencia de títulos como Bullit o Vivir y morir en Los Ángeles. Ahora bien, hay algo que el espectador debe saber de antemano. Esta no es una película de acción común y corriente: hay escasas secuencias trepidantes y para ser una película sobre un conductor, hay pocas persecuciones. Quien espere ver una cinta llena de secuencias con ritmo, explosiones y tubos de escape, estilo Fast & furious, mejor que busque otra cosa. Este es un filme perfectamente estilizado, con un control tenso de su historia palpable en todo momento. Es magnética, excitante, fría, peligrosamente adictiva.



Este gran control es gracias al soberbio trabajo de Nicolas Winding Refn, quien ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 2011, categoría en la que podría haber sido vencedor en cualquier otro certamen y también con cualquiera de sus dos películas anteriores, Valhalla Rising y el enorme Bronson. Es particularmente importante su labor aquí ya que su estética, atmósfera y pulso sustituyen aquí la trama, que es básicamente un giro sobre la idea de un robo fallido y se basa en un protagonista que deliberadamente no tiene una psicología explorada en ningún momento. Es una película que resulta apasionante pero no por lo que cuenta sino por cómo está hecha.

Ryan Gosling, es un actor enorme y fascinante (que la Academia lo haya ignorado es un crimen) capaz de hacer trabajos de gran veracidad y humanidad. Es el protagonista perfecto en un filme dirigido por uno de los realizadores más interesantes actualmente y quien vuelve a demostrar su gran dominio tras la cámara en un filme que para los amantes de la acción pura puede resultar aburrido, pero que tiene toda la calidad necesaria para ser considerado de culto desde el momento de su estreno y que ningún cinéfilo de pura cepa debe dejar pasar.

Drive
Con Ryan Gosling, Carey Mulligan y Albert Brooks
Dirige Nicolas Winding Refn
EU/Noruega/Gran Bretaña 2011

Jersey Shore saison 5 arrive bientôt sur MTV, bitch !

Si vous ne connaissez pas encore l'émission "Jersey Shore" diffusée sur MTV, préparez-vous ! La saison 5 débarque en mars en France, et croyez-moi, ça va encore être bien trash !
Pour les novices, voila le pitch : Prenez des jeunes américains du New Jersey, d'origine italienne, cramés aux UV, fans de muscu, avec des coiffures improbables et des tenues super pouffes, passant leur temps en boîte de nuit ("les guidos et les guidettes"), et filmez les : Le résultat est absolument énorme ! Les filles sont des super bitches qui ressemblent à des travelos, et les mecs, bah... c'est pas mieux ! Entre bagarres, dérapages sans culotte dans les night-clubs, gamelles régulières des filles (ou, parce que marcher sur les pavés avec 12 cm de talons quand ont a 3 grammes dans chaque bras, ben, c'est pas facile, hein !), c'est grandiose !
La mascotte de cette émission est l'emblématique et inénarrable Snooki (Nicole Polizzi), qui aime les cornichons, faire "smoosh-smoosh" avec tout ce qui bouge, et qui boit du matin au soir : Comme je vous le disais, c'est vraiment l'émission à ne pas rater sur MTV !
En ce moment ils rediffusent la saison 4 qui se passe à Florence en Italie, et c'est mythique !
Et vous, connaissez-vous Jersey Shore ? Qu'en pensez-vous ? Moi je suis fan !



Voila la bande-annonce de la saison 5 :

Bienvenue à Jersey Shore (Saison 5) | annonce
Tags: MTV France

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Biopics: la apuesta segura

Todo actor que quiera un Oscar, sabe que la mejor manera de lograrlo es realizar una biopic. Aquí, un recuento de algunas de las más exitosas y oscarizadas en memoria reciente.

Miguel Cane

Usted lo sabe, si es un actor de Hollywood y quiere ganar un Oscar, lo que tiene que hacer es una pelicula en la que encarne a un personaje famoso de la vida real – hay puntos extra si es alguien con impedimentos o si es un músico/a – que tenga un episodio dramático en su vida: adicción a los estupefacientes, violencia doméstica, poliamor, etcétera. No falla. A la Academia el sentido común le sale disparado por la ventana y cuando el retrato es lo suficientemente realista, la estatuilla ya está prácticamente en las manos del intérprete. ¿No lo cree? Vea los casos de actores/actrices más bien limitaditos como Jamie Foxx o Marion Cotillard, se hicieron de prestigio (y en el caso de la Cotillard, que solo es capaz de interpretar bellísimas variaciones de sí misma, por lo que muchos dicen que su Piaf es un logro, de fama internacional) y celebridad. Este año, Meryl Streep podría obtener su tercer Oscar por su interpretación como la polémica y poco querida ex primera ministra de Reino Unido, Margaret Thatcher en La dama de hierro. Y aunque sería poco halagador que ganase por hacer de un personaje tan nefando, es una gran posibilidad. Y aqui recordamos algunas actuaciones en biopics que fueron premiadas...

Toro Salvaje
(1980)
Legendaria cinta de Martin Scorsese en la que Robert DeNiro literalmente se convierte en el boxeador Jake LaMotta, describiendo su llegada a la cima y su estrepitosa caída. Realizada en blanco y negro y con una urgencia casi documental, esta película es uno de los trabajos más formidables del cineasta neoyorquino, si bien no logró el Oscar a la mejor película – ese privilegio fue para Gente como uno, debut de Robert Redford – se llevó un Oscar para Bobby, (el segundo) y se ganó un lugar como una de las mejores biopics de la historia.

La hija del minero
(1980)
Sissy Spacek no ganó un Oscar por su formidable creación como Carrie White, la adolescente atormentada que se desquita de un pueblo entero en la cinta de Brian DePalma sobre la novela de Stephen King. Sin embargo, Michael Apted le valió una estatuilla al convertirla, literalmente, en la célebre Loretta Lynn, diva del country cuya vida fue un drama. No solo cantó sus propias versiones de las canciones, sino que lució fabulosas pelucas que se merecían tanto el premio como ella.

Ed Wood
(1994)
¿Se acuerdan cuando Tim Burton hacía buenas películas con Johnny Depp? ¿Sí? Esta probablemente es la mejor, anterior a la época en que se volvieron esclavos de Mr. Dollar y de sus hordas de fans (así en plural). Aquí Burton rinde homenaje a Edward Davis Wood Jr., considerado el peor cineasta del mundo, objeto de culto, travesti perdido, iconoclasta pendenciero, rockero, insurgente moderno, complaciente, poeta y alucinado (entre otras cosas) Martin Landau brilla haciéndola de Bela Lugosi ganándose un Oscar por su brillante trabajo. De todas las biopics hechas antes de que fueran un cínico requisito para ganar estatuilla, esta es una de las más notables y emotivamente ricas. Lástima que Burton & Depp ya no sepan hacer cosas así.

Capote
(2005)
Hubiera sido muy fácil hacer un estereotipo de una película acerca de Truman Capote – vamos, el propio Capote sabía que era un estereotipo andante – y Philip Seymour Hoffman lo sabía, así que se lo tomó muy en serio, para transforamarse en el autor de Desayuno en Tiffany's justo cuando escribía su obra maestra: A sangre fría. El trabajo de Seymour Hoffman es logradisimo (y los trucos de cámara le ayudan, mide 1.80 donde Capote era veinticinco centímetros más bajo) hasta en la voz. Este Oscar estaba cantado, aunque muchos opinan que el Capote de Toby Jones en Infamous es incluso mejor.

Ray
(2004)
Jamie Foxx era la opción menos ortodoxa para encarnar a Ray Charles en la biopic acerca del prodigio invidente del piano. Foxx solo había hecho comedia y rapeado, pero Taylor Hackford creyó en él y le sacó la única interpretación realmente buena que ha tenido en su carrera (ni Michael Mann ha podido hacerlo actuar), con matices y sentimiento (aparte de hacerlo tocar el piano a ciegas). Después del Oscar Foxx se volvió perezoso y no ha vuelto a hacer nada interesante.

Mi nombre es Harvey Milk
(2008)
Sean Penn – que siempre es tan intenso – obtuvo su segundo Oscar por su relajada, matizada y hasta entrañable encarnación de Harvey Milk, el activista gay que obtuvo un puesto de elección popular en San Francisco y fue asesinado en su oficina, en un caso que fue un escándalo y un momento clave en los derechos igualitarios. Dirigida por Gus Van Sant, que había andado deambulando por los cañones del cinema independiente, la cinta es preciosa... excepto por un detalle. La atroz aparición de Diego Luna como la pareja de Milk. Una cosa es hacer de una loca estridente (presuntamente así era el personaje) y otra, es hacer de una loca estridente muy fingida para que la gente no se olvide de que no eres gay y Diego hace un ridículo insufrible.

La Reina
(2006)
El triunfo en los Oscares de Helen Mirren por su preciosista retrato de Isabel II en este filme de Stephen Frears, que especula acerca de la vida de la soberana en los días inmediatamente posteriores a la repentina y engorrosa muerte de su ex nuera, la plebeya ésa que nunca debió casarse con Carlos y que acabó convertida en una santa mártir gracias a la Prensa Rosa, estaba más cantado que el Cielito Lindo. No que Dame Helen no se lo mereciera y no que su trabajo no fuera impecable, pero ese año acabó por opacar a todas... y no ha vuelto a encontrar un rol a la altura de sus muchos merecimientos.

La vida en Rosa
(2007)
Odiosa cinta pseudobiográfica que ostensiblemente cuenta la historia de Edith Piaf cuando era solo una chamaca que se ganaba la vida cantando en la calle. Llena de mentiras y medias verdades, la película es condescendiente y chafa... pero cuenta con una actuación muy cuidada de la Cotillard en el rol central, y además (según se dijo) ella misma canta a Piaf en vez de hacer fonomímica (que es el procedimiento habitual), lo que le valió que le arrebatara de las manos a la celestial Julie Christie, que realmente se merecía el Oscar por su trabajo en Lejos de ella.

Daniel Craig: un nuevo héroe

Miguel Cane

En la recién estrenada versión hollywoodense de La chica del dragón tatuado, dirigida por David Fincher – Se7en, El Club de la Pelea – Daniel Craig (Londres, 1968) es Mikael Blomkvist, el protagonista de la exitosa saga Millenium, de Stieg Larsson, su segunda oportunidad de encarnar a un personaje icónico de la literatura de suspense, ya que también es James Bond y ha logrado hacer suyo, contra todo pronóstico, al famoso personaje creado por Ian Fleming.

Para promover La chica, en que comparte créditos con, entre otros, Rooney Mara y Christopher Plummer, Craig, totalmente británico, alto, formal, participa en eventos de prensa organizados por el estudio, sin embargo, se mantiene siempre en guardia, aunque de manera cordial. Es por naturaleza desconfiado con la prensa y muy celoso de cuidar su vida privada, manteniéndola alejada de la atención pública, más aún desde que contrajo matrimonio con su hermosa colega Rachel Weisz. “No tengo miedo de expresar mis sentimientos en público, pero, si vendes tu vida privada, la pierdes y ya no la puedes recuperar. Así que celebramos una ceremonia íntima. Y lo hicimos así porque teníamos nuestras razones… privadas. Tú me entiendes.”

Cuando se anunció que habías sido elegido por Fincher para ser Blomkvist en su versión americana de la saga, fue algo que sorprendió a propios y extraños, incluyendote, ¿no es verdad?
“Cierto. Me sorprendió recibir la propuesta, no tanto el anuncio (se ríe). No pensé que David me considerara y me quedé muy sorprendido al recibir la propuesta formal, incluso antes que el guión. Entré al proyecto con mucho entusiasmo. Por un momento, me sentí aterrorizado, claro, pero siempre me pasa, soy un simple actor y todos los proyectos como éste, no importa cuántos años lleves en esto, te dan vértigo. Luego, cuando comenzó el rodaje, me sentí orgulloso de poder trabajar con actores como Christopher Plummer, Robin Wright, Stellan (Skarsgard) o Joely Richardson. Y por supuesto, Rooney, que hace de esta película lo que es. Sin ella, todo esto no podría ser posible y no lo digo solo por decir. Ahí están las escenas.

Obviamente sabías a lo que te metías. ¿Fue un trabajo muy exigente para ti?
Como sabes, el libro es muy duro y si ya viste la película, sabes que es una adaptación muy fiel. Por eso no pude decir que no. David me prometió que no se iba a doblar ante nada ni a cortarse un pelo para filmarla tal como quería, que es tal como es y lo hizo de un modo que me deja impresionado. Es un gran director. Es un temerario. Me gustó que su visión fuera tan apegada al libro y que la defendiera.

¿Dirías que es un retorno al cine para adultos de los 70? Es algo que ya no se hace.
Exacto. Esto es cine para adultos. Hay sexo y violencia, y son a veces explícitos,a veces sugeridos. Eso a mi modo de ver, los hace más potentes. Ojalá más estudios volvieran a atreverse a hacer películas como El Padrino o Taxi driver, con las que crecí.

El sexo explícito y violento en pantalla, como se muestra en la película, ha sido muy polémico para ciertos sectores. ¿Cómo fue para ti ver la película completa, con público?
Me fascinó ver la película con público y escuchar sus reacciones, verlos salir de la sala. Así supe que todo el tiempo David tuvo la razón. Sabía que era oscura y fuerte, pero no daba crédito a lo que se había conseguido. Lo hicimos sin el voto de confianza de muchos… así que el resultado satisfactorio. No me molesta en absoluto que tenga una clasificación para adultos. Es lo que es. Como las novelas. No se trata de algo que no tenga un público definido. Lo tiene.”

¿Qué recomiendas al espectador sobre esta cinta?
“Que vaya a verla con la mente tan abierta con le sea posible y luego se deje envolver por el universo que presenta. Espero que pueda crear un seguimiento y que impulse a su público a encontrar la capacidad de imaginar por si mismos, que es algo que ha entrado tristemente en desuso y es una aptitud que no debe perderse. Es un proyecto muy personal de David. Tiene una pasión por su trabajo y en este caso, se advierte en cada aspecto del filme. Cuando esto sucede, se nota.

¿Vieron las versiones suecas como referente?
Yo ya las conocía, aunque no las volví a ver, pero releí mucho los libros, para tener clara la visión de Blomkvist. Cuando te metes en un personaje tanto tiempo, toda herramienta que tengas a la mano, es buena. Hay gente que prefiere no hacer cosas así, pero a mi me funciona.

Evidentemente, ya firmaste para hacer las otras dos partes
Las siguientes dos partes las filmaremos en secuencia y David ya tiene muy claro lo que quiere hacer. Como actor, es rara la ocasión en la que puedes participar en algo así.

Estás filmando en este momento Skyfall, tu tercera película como el 007, y esta semana se difundieron declaraciones de los productores que apuntan a que desean que encarnes el personaje en al menos cinco ocasiones más. Romperías el récord de Roger Moore y Pierce Brosnan...
“Lo que leíste es lo mismo que yo puedo decirte. No puedo ahondar, por las cuestiones legales que conoces. Pero la intención existe. James Bond es un personaje que me ha dado mucho y Skyfall es un filme que estoy disfrutando mucho hacer, pero no puedo tampoco hablar de él (risas). Tú sabes cómo es esto. Tendrán que esperar y ver qué pasa, en Octubre. ¡Ya no falta tanto!