Malika Menard, Miss France 2010, qui vient de finir 13ème au concours de Miss Univers, a été elle aussi quelquefois bien aidée par Photoshop ! La taille de guêpe, le dessous du nez raboté : On ne la reconnait même pas !
4 tahun yang lalu
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Malika Menard en bikini : Merci Photoshop !
Written By sitemp3 on Selasa, 31 Agustus 2010 | 23.00
Malika Menard, Miss France 2010, qui vient de finir 13ème au concours de Miss Univers, a été elle aussi quelquefois bien aidée par Photoshop ! La taille de guêpe, le dessous du nez raboté : On ne la reconnait même pas !
La photo de Paris Hilton arrêtée pour possession de cocaïne
Written By sitemp3 on Minggu, 29 Agustus 2010 | 23.00
Picture : Paris Hilton mugshot
Cette photo est ce qu'on appelle aux Etats-Unis un "mugshot", c'est à dire la photo de police officielle qui suit une arrestation pour infraction. Et une fois de plus, c'est Paris Hilton qui est en vedette ! Arrêtée vendredi dernier à Las Vegas pour possession de cocaïne, l'héritière se la joue petite fille modèle au commissariat... Notez la jolie coiffure et le petit sourire narquois : Et oui, Paris sera toujours Paris !
La doble vida de Rachel Weisz
Es una estrella de cine, una madre amorosa y una mujer comprometida; protagonista de la nueva cinta de Alejandro Amenábar y un rostro inolvidable.
Miguel Cane
Rachel Weisz ha tenido una carrera sorprendente, por decir lo menos: debutó con un papelito pequeño en Belleza Robada, pero el director en cuestión era Bernardo Bertolucci – de ahi vinieron roles en teatro (Shakespeare y Tennessee Williams) y otras cintas. Pronto, esta joven londinense nacida en 1971 comenzó a llamar la atención por su belleza, su carisma, su talento y su habilidad para transformarse de cinta a cinta.
Después de haber ganado un Oscar (como mejor actriz de soporte) por su conmovedora interpretación como una activista asesinada en El Jardinero Fiel (de Fernando Meirelles), Rachel apareció como co-protagonista en La Fuente de la Vida, dirigida por su compañero Darren Aronofsky (juntos son padres del pequeño Henry, que pronto cumplirá tres años) y tuvo un papel al lado de Jude Law y Natalie Portman en el debut anglosajón de Wong Kar Wai My Blueberry Nights. Y ahora regresa en la muy anticipada cinta del aclamado cineasta español Alejandro Amenábar Ágora, que se desarrolla en Alejandría en el alba del Cristianismo.
¿Tenías muchas ganas de trabajar con Amenábar?
Desde que vi Los Otros y vi lo que hicieron Nicole y él, me quedé impactada. ¡Es maravilloso! Desde los encuadres, hasta la música y cada palabra del guión… todo. ¡Es increíble qué cuidado tiene para los detalles! Por supuesto que quería trabajar con él. Imagínate cómo me puse cuando supe que había escrito su guión pensando en mí...no te imaginas, fue uno de esos grandes momentos. ¡Saltaba por toda la habitación! Dije que sí, en el acto. Fue de esas experiencias insólitas en la vida, un gran, gran, gran placer. Una sorpresa. Un personaje increíble y un director que, para empezar, como siente un enorme respeto por cada miembro del equipo y del elenco. Yo soy una gran admiradora de su trabajo y naturalmente, estar en sus manos es algo que me parece fascinante. Es un estilista visual. Sus películas no se parecen a las de ningún otro director. Pero al mismo tiempo sabe dirigir a los actores, no se queda en otra habitación tras el monitor. Es muy profesional y directo y perfeccionista, pero también muy cálido y generoso y creativo. Trabajar con él es maravilloso.
¿Qué puedes decir sobre Hypatia?
Es una figura histórica fascinante, importante en Alejandría y en la historia de la ciencia y la filosofía. Muchos saben quién fue, pero eso no es todo lo que se ve en la película. Hay mucho, mucho más en el trasfondo de lo que escribieron Alejandro y Mateo Gil. Tomaron a un personaje de leyenda y lo transformaron en un ser tridimensional, una mujer llena de anhelos, deseos, cuitas... un ser humano como todos. Y encarnarla no solo fue un reto, podría decirte que también fue, para mí, un privilegio.
¿Sientes que hay algún papel que te gustaría hacer y que aún no te ha llegado?
La verdad es que yo no pienso en esos términos respecto a mi trabajo. Me interesa interpretar a mujeres que tengan historias interesantes pero no puedo decirte que quiero interpretar a una mujer japonesa porque no puedo. Creo que todos los personajes son interesantes y poco a poco he ido encontrando algunos que me han dejado una satisfacción enorme. Hypatia es uno de ellos. Su inteligencia tan preclara es un gran atractivo y también algo que intimida...
¿Sientes que tú intimidas a los demás? Hay encuestas que dicen que tu presencia impone…
(Se ríe) Bueno, no sé. A Darren, desde luego, no. Él es de Brooklyn (risas) y creo que eso lo hace ser fuerte y, por tanto, valora ese aspecto en la persona que tiene a su lado. De hecho, cuando defiendo algo a ultranza, él bromea relinchando como un caballo a punto de lanzarse al galope. De hecho, te diré que él y yo tenemos eso en común, la fuerza del carácter: Nos gusta comer bien y vivir en una casa cómoda, pero no somos amantes de los lujos. De hecho, cuando nos conocimos, él vivía en un pequeño apartamento de Hell's Kitchen, en un quinto piso, casi sin muebles. Allí es donde escribió los guiones de Pi, Réquiem por un sueño y La Fuente... Yo le dije que si quería vivir conmigo teníamos que tener muebles , por el amor de dios (risas). Ahora vivimos en un apartamento un poco más grande, con muebles. Por lo demás, compartimos las mismas inquietudes.
Y además son una familia ¿Ha cambiado el orden de tus prioridades con la maternidad?
Soy una más de las millones de mujeres que trabajan y también son madres. Pero aunque ser madre es mi prioridad principal, no podría vivir sin trabajar porque es importante para mí. Gracias a Dios puedo hacer las dos cosas. Pero eso sí, Henry siempre vendrá primero. ¿Qué puedo decir? Es el gran amor de mi vida…
¿Dirías que hay algo que te haga falta?
Nada, no me hace falta nada. Reconozco que ganar un Oscar es increíble, lo máximo que le puede suceder a un actor en su vida porque te ganas el respeto de la industria, de la comunidad de gente con la que trabajas cada día. Es algo maravilloso y no creo que nunca pueda superar lo que conseguí profesionalmente con El Jardinero Fiel. Fue una película que me marcó, que me dio muchísimo. Incluso, la decisión de ser madre. Darren había planteado la posibilidad de que tuviéramos un bebé, y yo le dije “es que creo que no estoy segura”… luego, tuve que interpretar a Tessa, que pasa una buena parte de la cinta embarazada, y me sentí profundamente identificada. Tanto así, que le llamé a Darren y le dije sí. “¿Sí qué?” me dijo “Sí quiero tener un bebé”… y ahora, aquí está y no deja de maravillarme. ¡Crece en un suspiro!
¿Te lo llevas contigo cuando vas de rodaje?
Sí. Cuando filmamos Agora en Malta, Henry estuvo conmigo todo el tiempo, mientras que Darren iba y venía de Nueva York a Londres o Malta, porque estaba con toda la promoción de El Luchador, pero siempre nos las ingeniamos para estar juntos; nos adaptamos. Sin embargo, desde el principio acordamos que lo que duren los rodajes, Henry estará conmigo. Cuando estuve filmando The Lovely Bones, nos veíamos más, porque él estaba descansando, así que en cuanto terminé el rodaje, nos reunimos todos en Nueva York y estamos juntos. Lo más importante es que nos amamos, que somos, como dijiste, una familia.
¿Es difícil sostener la doble vida, personal y profesional, en ambos lados del Atlántico?
Lo es, pero te acostumbras. Es lo que hay. Cuando te dedicas a esto, lo tienes que aceptar. ¿Tú crees que no me encantaría estar en Nueva York todo el tiempo, en mi casa, en mi camita, sin tener que preocuparme de nada? ¡Claro que me encantaría, pero no puedo hacer eso! Así que si mi trabajo me lleva a Londres, o a Malta, o a China o a cualquier otra parte del mundo, tengo mi maleta lista y mi cepillo de dientes a mano y ¡a volar! Somos actores, somos gente de cine. Nuestra vida, nuestra doble vida, como tú dices, es así.
Miguel Cane
Rachel Weisz ha tenido una carrera sorprendente, por decir lo menos: debutó con un papelito pequeño en Belleza Robada, pero el director en cuestión era Bernardo Bertolucci – de ahi vinieron roles en teatro (Shakespeare y Tennessee Williams) y otras cintas. Pronto, esta joven londinense nacida en 1971 comenzó a llamar la atención por su belleza, su carisma, su talento y su habilidad para transformarse de cinta a cinta.
Después de haber ganado un Oscar (como mejor actriz de soporte) por su conmovedora interpretación como una activista asesinada en El Jardinero Fiel (de Fernando Meirelles), Rachel apareció como co-protagonista en La Fuente de la Vida, dirigida por su compañero Darren Aronofsky (juntos son padres del pequeño Henry, que pronto cumplirá tres años) y tuvo un papel al lado de Jude Law y Natalie Portman en el debut anglosajón de Wong Kar Wai My Blueberry Nights. Y ahora regresa en la muy anticipada cinta del aclamado cineasta español Alejandro Amenábar Ágora, que se desarrolla en Alejandría en el alba del Cristianismo.
¿Tenías muchas ganas de trabajar con Amenábar?
Desde que vi Los Otros y vi lo que hicieron Nicole y él, me quedé impactada. ¡Es maravilloso! Desde los encuadres, hasta la música y cada palabra del guión… todo. ¡Es increíble qué cuidado tiene para los detalles! Por supuesto que quería trabajar con él. Imagínate cómo me puse cuando supe que había escrito su guión pensando en mí...no te imaginas, fue uno de esos grandes momentos. ¡Saltaba por toda la habitación! Dije que sí, en el acto. Fue de esas experiencias insólitas en la vida, un gran, gran, gran placer. Una sorpresa. Un personaje increíble y un director que, para empezar, como siente un enorme respeto por cada miembro del equipo y del elenco. Yo soy una gran admiradora de su trabajo y naturalmente, estar en sus manos es algo que me parece fascinante. Es un estilista visual. Sus películas no se parecen a las de ningún otro director. Pero al mismo tiempo sabe dirigir a los actores, no se queda en otra habitación tras el monitor. Es muy profesional y directo y perfeccionista, pero también muy cálido y generoso y creativo. Trabajar con él es maravilloso.
¿Qué puedes decir sobre Hypatia?
Es una figura histórica fascinante, importante en Alejandría y en la historia de la ciencia y la filosofía. Muchos saben quién fue, pero eso no es todo lo que se ve en la película. Hay mucho, mucho más en el trasfondo de lo que escribieron Alejandro y Mateo Gil. Tomaron a un personaje de leyenda y lo transformaron en un ser tridimensional, una mujer llena de anhelos, deseos, cuitas... un ser humano como todos. Y encarnarla no solo fue un reto, podría decirte que también fue, para mí, un privilegio.
¿Sientes que hay algún papel que te gustaría hacer y que aún no te ha llegado?
La verdad es que yo no pienso en esos términos respecto a mi trabajo. Me interesa interpretar a mujeres que tengan historias interesantes pero no puedo decirte que quiero interpretar a una mujer japonesa porque no puedo. Creo que todos los personajes son interesantes y poco a poco he ido encontrando algunos que me han dejado una satisfacción enorme. Hypatia es uno de ellos. Su inteligencia tan preclara es un gran atractivo y también algo que intimida...
¿Sientes que tú intimidas a los demás? Hay encuestas que dicen que tu presencia impone…
(Se ríe) Bueno, no sé. A Darren, desde luego, no. Él es de Brooklyn (risas) y creo que eso lo hace ser fuerte y, por tanto, valora ese aspecto en la persona que tiene a su lado. De hecho, cuando defiendo algo a ultranza, él bromea relinchando como un caballo a punto de lanzarse al galope. De hecho, te diré que él y yo tenemos eso en común, la fuerza del carácter: Nos gusta comer bien y vivir en una casa cómoda, pero no somos amantes de los lujos. De hecho, cuando nos conocimos, él vivía en un pequeño apartamento de Hell's Kitchen, en un quinto piso, casi sin muebles. Allí es donde escribió los guiones de Pi, Réquiem por un sueño y La Fuente... Yo le dije que si quería vivir conmigo teníamos que tener muebles , por el amor de dios (risas). Ahora vivimos en un apartamento un poco más grande, con muebles. Por lo demás, compartimos las mismas inquietudes.
Y además son una familia ¿Ha cambiado el orden de tus prioridades con la maternidad?
Soy una más de las millones de mujeres que trabajan y también son madres. Pero aunque ser madre es mi prioridad principal, no podría vivir sin trabajar porque es importante para mí. Gracias a Dios puedo hacer las dos cosas. Pero eso sí, Henry siempre vendrá primero. ¿Qué puedo decir? Es el gran amor de mi vida…
¿Dirías que hay algo que te haga falta?
Nada, no me hace falta nada. Reconozco que ganar un Oscar es increíble, lo máximo que le puede suceder a un actor en su vida porque te ganas el respeto de la industria, de la comunidad de gente con la que trabajas cada día. Es algo maravilloso y no creo que nunca pueda superar lo que conseguí profesionalmente con El Jardinero Fiel. Fue una película que me marcó, que me dio muchísimo. Incluso, la decisión de ser madre. Darren había planteado la posibilidad de que tuviéramos un bebé, y yo le dije “es que creo que no estoy segura”… luego, tuve que interpretar a Tessa, que pasa una buena parte de la cinta embarazada, y me sentí profundamente identificada. Tanto así, que le llamé a Darren y le dije sí. “¿Sí qué?” me dijo “Sí quiero tener un bebé”… y ahora, aquí está y no deja de maravillarme. ¡Crece en un suspiro!
¿Te lo llevas contigo cuando vas de rodaje?
Sí. Cuando filmamos Agora en Malta, Henry estuvo conmigo todo el tiempo, mientras que Darren iba y venía de Nueva York a Londres o Malta, porque estaba con toda la promoción de El Luchador, pero siempre nos las ingeniamos para estar juntos; nos adaptamos. Sin embargo, desde el principio acordamos que lo que duren los rodajes, Henry estará conmigo. Cuando estuve filmando The Lovely Bones, nos veíamos más, porque él estaba descansando, así que en cuanto terminé el rodaje, nos reunimos todos en Nueva York y estamos juntos. Lo más importante es que nos amamos, que somos, como dijiste, una familia.
¿Es difícil sostener la doble vida, personal y profesional, en ambos lados del Atlántico?
Lo es, pero te acostumbras. Es lo que hay. Cuando te dedicas a esto, lo tienes que aceptar. ¿Tú crees que no me encantaría estar en Nueva York todo el tiempo, en mi casa, en mi camita, sin tener que preocuparme de nada? ¡Claro que me encantaría, pero no puedo hacer eso! Así que si mi trabajo me lleva a Londres, o a Malta, o a China o a cualquier otra parte del mundo, tengo mi maleta lista y mi cepillo de dientes a mano y ¡a volar! Somos actores, somos gente de cine. Nuestra vida, nuestra doble vida, como tú dices, es así.
El Escritor Fantasma / The Ghost Writer, de ROMAN POLANSKI
Historia de un Complot
Miguel Cane
Radiante de carisma y con largas sombras en su carrera, Adam Lang (Pierce Brosnan), un ex Primer Ministro británico expatriado en una isla de los Estados Unidos, contrata a un joven escritor (Ewan McGregor) para que le ayude con la redacción de sus memorias. Un encargo económicamente más que suculento, pero que se complicará de manera vertiginosa cuando empiece a desvelar secretos que deberían permanecer ocultos. Tras cinco años de ausencia, Roman Polanski regresa con El escritor fantasma, adaptación de la novela de Robert Harris que nos devuelve al cineasta en mejor forma desde hace mucho, mucho tiempo (posiblemente, desde El Pianista o La Muerte y la Doncella. La novena puerta no cuenta, porque es horrorosa).
Polanski regresa a los territorios del suspenso y se nota extraordinariamente cómodo a la hora de manejar un thriller político ácido y punzante con pasmosa, epatante eficacia camuflada desde un aire de convencionalidad, del que se despoja para mostrarnos la carne bajo la superficie, como hiciera antes en sus obras maestras El Bebé de Rosemary y Chinatown.
A partir de una suposición tan cínicamente intencionada ─«¿quién se va a leer las memorias de un político?»─ como el mismo tono que mantiene toda la película, Polanski construye una atmósfera inquietante, que se establece en un terreno lleno de intereses cruzados ─el de las poderosas editoriales que manejan los manuscritos de las grandes figuras internacionales─ para meterse directamente en el más espinoso de los charcos políticos y diplomáticos del siglo XXI: la guerra de Iraq.
La manipulación propia del estado oficial anglosajón para con sus ciudadanos fija una narración fenomenalmente amena en la que Polanski, desde la apariencia de un thriller convencional, juega a su antojo con la percepción del espectador, concienciadamente incapaz de discernir qué posición tomar ante las figuras centrales de la trama, más allá del progresivamente entrampado personaje interpretado por McGregor.
La cinta exhibe con rigor y contundencia un suspense creciente que se sirve de los lugares comunes evidentes en la trama, ─conspiraciones, complots, aislamiento de los personajes, entornos opresivos─ para contar una tram, abiertamente crítico pero sutilmente capaz de atrapar al espectador con la libertad de sus interpretaciones; ambientada en una isla extraña que se dice Estados Unidos aunque no lo sea (no se nota). Está muy bien ejecutada por un reparto principalmente brillante, con algunas excepciones (Kim Catrall no consigue sacudirse su imagen sexosa de Samantha Jones y James Belushi no viene al caso, aunque por suerte, su participación es un cameo, casi) en el que destacan además de los principales, la enigmática Olivia Williams, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, y el colosal Eli Wallach, acompañada de una estupenda banda sonora del francés Alexandre Desplat (que hizo maravillas para Jonathan Glazer, David Fincher y Ang Lee).
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El escritor fantasma es una cinta de muchas lecturas, de una elegancia formidable, se vale del juego de la intriga, de trampas lógicas, de sinsabores vitales ocultos en caracteres férreos. Así, sacude nuestra percepción de la ficción con un velo de alucinación fascinante y sostenido que demuestra que el mejor Polanski , el de la trilogía de los apartamentos (El Bebé..., Repulsión y El Inquilino) y Luna Amarga, sigue en plena forma.
El Escritor Fantasma/The Ghost Writer
Con: Pierce Brosnan, Ewan McGregor, Olivia Williams, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, Kim Cattrall y Eli Wallach.
Dirige: Roman Polanski.
Reino Unido, Francia, Alemania, Canadá 2010
Miguel Cane
Radiante de carisma y con largas sombras en su carrera, Adam Lang (Pierce Brosnan), un ex Primer Ministro británico expatriado en una isla de los Estados Unidos, contrata a un joven escritor (Ewan McGregor) para que le ayude con la redacción de sus memorias. Un encargo económicamente más que suculento, pero que se complicará de manera vertiginosa cuando empiece a desvelar secretos que deberían permanecer ocultos. Tras cinco años de ausencia, Roman Polanski regresa con El escritor fantasma, adaptación de la novela de Robert Harris que nos devuelve al cineasta en mejor forma desde hace mucho, mucho tiempo (posiblemente, desde El Pianista o La Muerte y la Doncella. La novena puerta no cuenta, porque es horrorosa).
Polanski regresa a los territorios del suspenso y se nota extraordinariamente cómodo a la hora de manejar un thriller político ácido y punzante con pasmosa, epatante eficacia camuflada desde un aire de convencionalidad, del que se despoja para mostrarnos la carne bajo la superficie, como hiciera antes en sus obras maestras El Bebé de Rosemary y Chinatown.
A partir de una suposición tan cínicamente intencionada ─«¿quién se va a leer las memorias de un político?»─ como el mismo tono que mantiene toda la película, Polanski construye una atmósfera inquietante, que se establece en un terreno lleno de intereses cruzados ─el de las poderosas editoriales que manejan los manuscritos de las grandes figuras internacionales─ para meterse directamente en el más espinoso de los charcos políticos y diplomáticos del siglo XXI: la guerra de Iraq.
La manipulación propia del estado oficial anglosajón para con sus ciudadanos fija una narración fenomenalmente amena en la que Polanski, desde la apariencia de un thriller convencional, juega a su antojo con la percepción del espectador, concienciadamente incapaz de discernir qué posición tomar ante las figuras centrales de la trama, más allá del progresivamente entrampado personaje interpretado por McGregor.
La cinta exhibe con rigor y contundencia un suspense creciente que se sirve de los lugares comunes evidentes en la trama, ─conspiraciones, complots, aislamiento de los personajes, entornos opresivos─ para contar una tram, abiertamente crítico pero sutilmente capaz de atrapar al espectador con la libertad de sus interpretaciones; ambientada en una isla extraña que se dice Estados Unidos aunque no lo sea (no se nota). Está muy bien ejecutada por un reparto principalmente brillante, con algunas excepciones (Kim Catrall no consigue sacudirse su imagen sexosa de Samantha Jones y James Belushi no viene al caso, aunque por suerte, su participación es un cameo, casi) en el que destacan además de los principales, la enigmática Olivia Williams, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, y el colosal Eli Wallach, acompañada de una estupenda banda sonora del francés Alexandre Desplat (que hizo maravillas para Jonathan Glazer, David Fincher y Ang Lee).
El escritor fantasma es una cinta de muchas lecturas, de una elegancia formidable, se vale del juego de la intriga, de trampas lógicas, de sinsabores vitales ocultos en caracteres férreos. Así, sacude nuestra percepción de la ficción con un velo de alucinación fascinante y sostenido que demuestra que el mejor Polanski , el de la trilogía de los apartamentos (El Bebé..., Repulsión y El Inquilino) y Luna Amarga, sigue en plena forma.
El Escritor Fantasma/The Ghost Writer
Con: Pierce Brosnan, Ewan McGregor, Olivia Williams, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, Kim Cattrall y Eli Wallach.
Dirige: Roman Polanski.
Reino Unido, Francia, Alemania, Canadá 2010
Paris Hilton aime les filles maintenant !
Written By sitemp3 on Jumat, 27 Agustus 2010 | 23.00
Picture : Paris Hilton and Karissa Shannon kissing
Ahlala, Paris Hilton, la plus écervelée des héritières, nous aura décidément tout fait ! Après avoir usé des mecs comme des Kleenex, voila qu'elle goûte aux filles maintenant ! On attend la sex tape en tout cas :)
A propos de sex tape, la jeune femme très classe avec Paris sur la photo est la playmate Karissa Shannon, une des copines de Hugh Hefner. Et croyez moi, on n'a pas fini d'entendre parler d'elle, car Spencer Pratt, l'ex-mari de la très très refaite Heidi Montag, vient tout juste de déclarer qu'il détenait une sex tape d'Heidi et de Karissa ensemble... Comme d'hab, je vous tiens au courant :)
Charlotte Le Bon est la nouvelle Miss Météo sexy de Canal +
Written By sitemp3 on Senin, 23 Agustus 2010 | 23.00
Charlotte Le Bon, mannequin, brune aux yeux verts, nous vient du Québec. A partir du 30 août, elle sera la nouvelle miss météo du “Grand Journal” de Canal+ tous les soirs de la semaine.
Mensurations : 1,75 m, poitrine : 84 cm, taille : 60 cm, hanches : 89 cm (une petite crevette, quoi...)
Après Louise Bourgoin et Pauline Lefèvre, cette nouvelle miss météo vient pour mettre le feu chez Michel Denisot !
La jolie Charlotte a fait ses débuts en tant qu’animatrice, mais elle a aussi tourné dans des spots publicitaires, pour le parfum “Si Lolita” de Lolita Lempicka, le café Carte Noire et également pour Naf Naf.
Petite remarque : Autant, passer après Louise Bourgoin n'était pas chose facile, vu l'énorme talent de celle-ci, autant succéder à Pauline Lefèvre et a la portée d'un bulot... Souhaitons donc bonne chance à Charlotte Le Bon, en espérant qu'elle est aussi douée et drôle qu'elle est jolie !
Images : Agence Trump + Lolita Lempicka
Les recettes Dukan préférées de Stars au naturel !
Written By sitemp3 on Minggu, 22 Agustus 2010 | 09.33
A la demande générale, vous trouverez ici mes recettes Dukan préférées ! Celles qui m'ont permis de perdre près de 14 kilos en 4 mois ! Je suis passée d'une taille 40-42 à un 36, je suis en pleine forme, je n'ai pas de carences (dixit ma dernière prise de sang), mes ongles poussent à une vitesse folle, je ne suis plus fatiguée (avant je mangeais très peu de protéines et surtout trop de sucres lents...), je me sens beaucoup mieux dans mon corps et je m'aime à nouveau ! Je mets des shorts, je me baigne en mini-bikini sans l'éternel paréo pour cacher les fesses, ma cellulite a été désintégrée comme par magie, bref... merci Dukan !
Vous voulez tester ces recettes ? Alors, régalez-vous, et n'oubliez pas de boire beaucoup ! Au moins 2 litres par jour !
Note : Il s'agit simplement de mes recettes Dukan préférées, vous trouverez des dizaines d'autres recettes en cherchant sur Google, sur le site officiel Dukan et sur tous les forums dédiés à ce régime !
Vous aussi, vous voulez raconter votre expérience Dukan ? Alors venez en parler ici
Attention, ne commencez pas ce régime sans avis médical, il est très restrictif et peut causer des carences.
Sed de sangre / Thirst, de Chan-woo Park
Written By sitemp3 on Sabtu, 21 Agustus 2010 | 23.21
Thirst… esa endemoniada “sed de sangre”
Angélica Ponce
“Concédeme lo siguiente en nombre de nuestro Señor Jesucristo. Como un leproso pudriéndose en vida, que todos me esquiven. Como un lisiado sin extremidades, que no me mueva libremente. Extrae mis mejillas para que las lágrimas no puedan correr por ellas. Aplasta mis labios y lengua para que no peque con ellos. Arráncame las uñas para que no pueda aferrarme a nada. Que mis hombros y espalda se doblen para que no pueda cargar nada. Como un hombre con un tumor en la cabeza, que pierda el juicio. Destruye mi cuerpo jurado a la castidad, déjame sin orgullo y hazme vivir en la vergüenza. Que nadie rece por mí. Que sólo la gracia del Señor Jesucristo se apiade de mí…”
Todo comenzó en la mísera África con un virus y una plegaria atendida. Un sacerdote coreano, en su búsqueda por salvar vidas, se somete a un experimento médico para erradicar al virus Emmanuel (VE) que, en los últimos años y pese a sufrir un freno, mata a 600 personas: todas ellas caucásicas o asiáticas… ningún africano.
Como si se tratara de la maldición de Bazira, la diosa de las viudas, el 80% de estos decesos fueron de misioneros u hombres solteros que al infectarse veían crecer ampollas en sus extremidades, luego alrededor de los labios, párpados y nariz. Sus sistemas respiratorio y digestivo sufrían grandes daños mientras las ámpulas se racimaban, crecían y se reventaban infectando los músculos y órganos internos, provocando úlceras, hemorragias y la muerte.
“Como un leproso pudriéndose en vida, que todos me esquiven…” reza el sacerdote Sang-hyun (Kang-ho Song) apenas comienzan las pruebas. Transcurre un mes. La vacuna falla. A las 15:31 horas fenece…
“Destruye mi cuerpo jurado a la castidad, déjame sin orgullo y hazme vivir en la vergüenza…”. Dios escucha. Llega el milagro. La resurrección. El Santo Vendado. Pasan seis meses. La beatitud muta. El milagro condena. Sang-hyun descubre que tiene un irresistible deseo de beber sangre y una hipersensibilidad a la luz solar. Sus hábitos cambian. Se vuelve noctámbulo… es un vampiro.
Basada en la novela Thérèse Raquin, de Émile Zola, Thirst o Sed de sangre (2009) explora y explota los miedos, prejuicios, doble moral y fe de un pueblo ávido de milagros, con el vampirisimo como variante. Lo que iniciara como un adulterio se transforma en una serie de crímenes que van del robo de sangre de un comatoso hasta el asesinato serial. La culpa será el eje. Las pasiones pretextos para la transgresión.
Construida como una tragedia clásica, la cinta del director coreano Park Chan-wook adereza los “pecados” del sacerdote vampiro con absurdas y sardónicas salidas a los complejos entramados que lo debaten entre su fe y la satisfacción de sus instintos, evidenciando, las más de las veces, que “el camino al infierno está pavimentado de buenas intenciones”.
Contrario a la mayoría de los filmes de vampiros, Thirst no es una cinta oscura o cargada hacia un ambiente gótico. Su fotografía, aunque retrata atmósferas nocturnas, está llena de colores y luz. No hay encierro o sensación de claustrofobia. Interiores y exteriores, de día y de noche, nunca son una amenaza pasiva, son sólo los escenarios, los contextos de los debates internos de los personajes, son lugares que igualmente podrían contar una historia de amor.
Los tonos dramáticos que apuestan por las escenas de terror fantástico se inclinan hacia iluminaciones azules, verdes e incluso blancas, donde la aparición de la sangre denota una frialdad estética, que aleja a las carnicerías de esa sensación grotesca que genera la violencia; dejando que la repulsión, el vértigo o el estremecimiento lleguen con las acciones y pensamientos más cotidianos. El horror se centra mayoritariamente en la pérdida de humanidad de los seres no vampíricos, en el enjuiciamiento por la aparición del pecado.
Ganadora en 2009 del premio del jurado en Cannes, Thirst es una de esas cintas poco convencionales de vampirismo que, sin embargo, apuesta a la naturaleza primaria de estos personajes. Y aunque la ironía de hacer de un sacerdote un vampiro, corrompa el sentido estricto del personaje principal, no cabe duda que si uno no tiene fe y no cree en la eternidad no se puede temer al infierno e incluso, quién sabe, si se pueda llegar a él. Así que cómo sea que tenga que ser, “fue divertido”.
Angélica Ponce
“Concédeme lo siguiente en nombre de nuestro Señor Jesucristo. Como un leproso pudriéndose en vida, que todos me esquiven. Como un lisiado sin extremidades, que no me mueva libremente. Extrae mis mejillas para que las lágrimas no puedan correr por ellas. Aplasta mis labios y lengua para que no peque con ellos. Arráncame las uñas para que no pueda aferrarme a nada. Que mis hombros y espalda se doblen para que no pueda cargar nada. Como un hombre con un tumor en la cabeza, que pierda el juicio. Destruye mi cuerpo jurado a la castidad, déjame sin orgullo y hazme vivir en la vergüenza. Que nadie rece por mí. Que sólo la gracia del Señor Jesucristo se apiade de mí…”
Todo comenzó en la mísera África con un virus y una plegaria atendida. Un sacerdote coreano, en su búsqueda por salvar vidas, se somete a un experimento médico para erradicar al virus Emmanuel (VE) que, en los últimos años y pese a sufrir un freno, mata a 600 personas: todas ellas caucásicas o asiáticas… ningún africano.
Como si se tratara de la maldición de Bazira, la diosa de las viudas, el 80% de estos decesos fueron de misioneros u hombres solteros que al infectarse veían crecer ampollas en sus extremidades, luego alrededor de los labios, párpados y nariz. Sus sistemas respiratorio y digestivo sufrían grandes daños mientras las ámpulas se racimaban, crecían y se reventaban infectando los músculos y órganos internos, provocando úlceras, hemorragias y la muerte.
“Como un leproso pudriéndose en vida, que todos me esquiven…” reza el sacerdote Sang-hyun (Kang-ho Song) apenas comienzan las pruebas. Transcurre un mes. La vacuna falla. A las 15:31 horas fenece…
“Destruye mi cuerpo jurado a la castidad, déjame sin orgullo y hazme vivir en la vergüenza…”. Dios escucha. Llega el milagro. La resurrección. El Santo Vendado. Pasan seis meses. La beatitud muta. El milagro condena. Sang-hyun descubre que tiene un irresistible deseo de beber sangre y una hipersensibilidad a la luz solar. Sus hábitos cambian. Se vuelve noctámbulo… es un vampiro.
Basada en la novela Thérèse Raquin, de Émile Zola, Thirst o Sed de sangre (2009) explora y explota los miedos, prejuicios, doble moral y fe de un pueblo ávido de milagros, con el vampirisimo como variante. Lo que iniciara como un adulterio se transforma en una serie de crímenes que van del robo de sangre de un comatoso hasta el asesinato serial. La culpa será el eje. Las pasiones pretextos para la transgresión.
Construida como una tragedia clásica, la cinta del director coreano Park Chan-wook adereza los “pecados” del sacerdote vampiro con absurdas y sardónicas salidas a los complejos entramados que lo debaten entre su fe y la satisfacción de sus instintos, evidenciando, las más de las veces, que “el camino al infierno está pavimentado de buenas intenciones”.
Contrario a la mayoría de los filmes de vampiros, Thirst no es una cinta oscura o cargada hacia un ambiente gótico. Su fotografía, aunque retrata atmósferas nocturnas, está llena de colores y luz. No hay encierro o sensación de claustrofobia. Interiores y exteriores, de día y de noche, nunca son una amenaza pasiva, son sólo los escenarios, los contextos de los debates internos de los personajes, son lugares que igualmente podrían contar una historia de amor.
Los tonos dramáticos que apuestan por las escenas de terror fantástico se inclinan hacia iluminaciones azules, verdes e incluso blancas, donde la aparición de la sangre denota una frialdad estética, que aleja a las carnicerías de esa sensación grotesca que genera la violencia; dejando que la repulsión, el vértigo o el estremecimiento lleguen con las acciones y pensamientos más cotidianos. El horror se centra mayoritariamente en la pérdida de humanidad de los seres no vampíricos, en el enjuiciamiento por la aparición del pecado.
Ganadora en 2009 del premio del jurado en Cannes, Thirst es una de esas cintas poco convencionales de vampirismo que, sin embargo, apuesta a la naturaleza primaria de estos personajes. Y aunque la ironía de hacer de un sacerdote un vampiro, corrompa el sentido estricto del personaje principal, no cabe duda que si uno no tiene fe y no cree en la eternidad no se puede temer al infierno e incluso, quién sabe, si se pueda llegar a él. Así que cómo sea que tenga que ser, “fue divertido”.
En el ágora con Alejandro Amenábar
Miguel Cane
En la última década se ha revelado como uno de los grandes cineastas de su generación, pero la fama no le ha impedido perseguir sus sueños y ahora presenta Ágora, su filme más ambicioso.
Cuando realizó Tesis (que fuera uno de los filmes sensación de mediados de los 90), Alejandro Amenábar no tenía veinticinco años. Nacido en 1972, de ascendencia chilena y criado en Madrid, dio muestras de ser inquieto y creativo desde niño; esto se tradujo en una obsesión con el cine, que devino en una carrera que ya suma cinco largometrajes – nada mal en casi quince años-, numerosos premios Goya, y un prestigio internacional, que ha logrado sin tener que sacrificar su integridad.
Con Ágora, que protagoniza la hermosa Rachel Weisz y que narra momentos claves en la gloria y posterior destrucción de la legendaria Biblioteca de Alejandría, Amenábar, que ha tocado el thriller violento, la ciencia ficción, el horror gótico y el melodrama realista, ahora se asoma al género épico/histórico y su cinta es un asomo a una era desconocida y maravillosa, que retrata con un detalle inusitado, algo que imprime como rúbrica a todo lo que hace, y que lo distingue de manera excepcional entre los cineastas de su generación.
La cinta empezó como un proyecto para hablar de la historia de la astronomía y acabado siendo algo más complejo. ¿Cierto?
Es verdad, mi idea de la película empezó con una reflexión sobre las estrellas y hemos acabado, de un modo bastante lógico, hablando de Hipatia, que es la madre de esa y otras ciencias y de ese paraíso cultural que fue Alejandría. Respecto a la cinta, quiero mostrar que yo no soportaría un mundo en que toda la gente pensara igual que yo, que no hubiera gente mas progresista o conservadora que yo. Es algo con lo que hay que vivir. Somos diferentes, por muchas afinidades que tengas con otras personas.
¿Podría decirse queun tema es denunciar a aquellos que quieren imponer sus ideas por la fuerza?
En el set de rodaje convivían agnósticos, ateos, musulmanes, cristianos, judíos... Todos nos levantábamos por la mañana y hacíamos la película, todos juntos. El ágora, en el fondo, es el planeta en el que tenemos que convivir todos. Lo único que denuncio es que si para defender las ideas tienes que defender la violencia, te conviertes en un insecto.
¿Podrías explicarnos por qué titular así su película?
Ágora me parecía el único título posible. Lo que más nos ha costado ha sido encontrar el título, no sabíamos cómo llamarla. Pero cuando ves que en el ágora se precipitó todo, la reyerta de los paganos contra los cristianos; y la simetría de la propia palabra, con el círculo en el centro, te das cuenta de que es el título perfecto. También marca una línea en el suelo entre el pensamiento racional y el irracional... Cuando usas tu razón contra la sinrazón y no puedes defenderte es muy injusto. Ágora tiene una visión humanista. He intentado ver las cosas desde un punto de vista humano, vemos la tierra desde la estratosfera y lo hacemos como si estuviéramos subidos a un satélite. Es una visión humanista y racionalista, y no por eso tiene que ser menos apasionada.
¿Habías pensado en Rachel Weisz para que hiciera el papel desde el principio?
Mateo Gil y yo habíamos seguido la carrera de Rachel Weisz y la directora de casting la sugirió entre varios nombres. Nos pareció perfecta. Reúne el lado intelectual; es una persona brillante que podía entender la complejidad de la astronomía; y también tiene la pasión y la belleza. Lo que no sabía, es que además es una persona extraordinaria. Fuera de serie.
En la cinta hay muchos planos desde el cielo. ¿Querías mostrar la insignificancia de los hombres?
Buscábamos una aproximación al mundo del pasado. Cuando cuentas algo que ha pasado hace 1600 años en películas épicas, lo tiendes a ver desde un punto de vista épico y me parece que es muy distante, que no te llega. Queríamos llevar al espectador muy cerca y a veces la mejor manera de conseguirlo es usar la cámara lenta. Pero nos dimos cuenta que si acelerábamos la velocidad los hombres parecían hormigas, y se conseguía llamar la atención sobre lo absurdo que era lo que hacían allí abajo. También quería cambiar la perspectiva a la hora de ver las cosas. Esto es una gran tragedia, pero mírala en comparación con todo esto, con las estrellas de alrededor.
¿Dirías que Hipatia es un icono feminista a nivel histórico?
Creo que sí, es una mujer rodeada de hombres, pero una mujer que defiende su integridad y que quiere ser tratada como un intelectual más. El que sea una mujer, es, de hecho, una casualidad. Yo lo que quería era hacer un homenaje a los astrónomos, a los intelectuales, a todos los pensadores que nos han abierto los ojos, nos han dado alimento para la mente. Hipatia, desde luego, es uno de ellos. Es uno de los pasos que nos llevaron a Einstein.
¿Dirías que éste fue tu rodaje más difícil?
No, no. Creo que ese honor le corresponde a Abre los ojos, por las complejidades del guión, comparado con los límites de nuestros recursos. También Los otros, que era un proyecto que para mi era un salto tremendo: entrar en contacto con Hollywood, que no conocía, rodar con niños, que no lo había hecho nunca, y rodar con una superestrella como Nicole Kidman, que no lo había hecho nunca. De ella aprendí mucho, nunca he vuelto a ver la interpretación igual después de trabajar con ella. Me enseñó a respetar el trabajo de los actores. En Ágora, el problema eran las dimensiones del proyecto. Pensaba que iban a pasar desgracias, la locación en Malta, el tamaño del reparto. Soñé una noche que un huracán nos llevaría el decorado, pero no, mira, salió muy bien. Esta es una película que me gusta mucho.
Ostensiblemente, la película se presenta como “basada en hechos reales” ¿Cuál dirías que es el porcentaje de hechos reales de lo que se ve en la película?
Creo que se ajusta razonablemente mucho a la realidad. Lo digo sabiendo que ni ésta ni Mar adentro son exactamente reales al 100%. Pero creo que se puede decir que está inspirada en hechos reales, el personaje de ella es real. Hemos cambiado el final. A Hipatia la mutilaron y la descuartizaron en público de una manera brutal y lo cambiamos en el último momento por una lapidación porque me parecía que tiene una connotación más actual, más inmediata. Hubiera sido hacer un baño de sangre,la escena de una película de terror, en cambio, hacerlo así es algo que nos habla directamente. Es algo que pasa hoy en día.
Partiendo de eso, ¿podría decirse que la cinta hace una analogía con la situación política actual?
Ágora te muestra el momento en el que un grupo toma las armas y empieza a impartir justicia por su cuenta. Ahí es cuando empieza el problema. El juego que quise hacer, que puede ser un poco burdo, es que el imperio romano es Estados Unidos, Alejandría representa las provincias y Europa es la provincia, una cultura más ancestral. En cuanto el imperio entra en crisis, todo lo que está alrededor lo hace. Y de pronto emerge un grupo que tiene un elemento que le hace más atractivo y eso es lo que atrae a la gente. No pretendo emitir un mensaje. Yo hago historias que me gustan a mí, pero eso no es lo importante. Lo importante es que alguien se acerque al cine, vea la película en la oscuridad de una sala y al salir, piense en lo que vio, que ahora forme parte de su vida. Eso es lo que realmente más me importa de lo que hago, contar historias.
En la última década se ha revelado como uno de los grandes cineastas de su generación, pero la fama no le ha impedido perseguir sus sueños y ahora presenta Ágora, su filme más ambicioso.
Cuando realizó Tesis (que fuera uno de los filmes sensación de mediados de los 90), Alejandro Amenábar no tenía veinticinco años. Nacido en 1972, de ascendencia chilena y criado en Madrid, dio muestras de ser inquieto y creativo desde niño; esto se tradujo en una obsesión con el cine, que devino en una carrera que ya suma cinco largometrajes – nada mal en casi quince años-, numerosos premios Goya, y un prestigio internacional, que ha logrado sin tener que sacrificar su integridad.
Con Ágora, que protagoniza la hermosa Rachel Weisz y que narra momentos claves en la gloria y posterior destrucción de la legendaria Biblioteca de Alejandría, Amenábar, que ha tocado el thriller violento, la ciencia ficción, el horror gótico y el melodrama realista, ahora se asoma al género épico/histórico y su cinta es un asomo a una era desconocida y maravillosa, que retrata con un detalle inusitado, algo que imprime como rúbrica a todo lo que hace, y que lo distingue de manera excepcional entre los cineastas de su generación.
La cinta empezó como un proyecto para hablar de la historia de la astronomía y acabado siendo algo más complejo. ¿Cierto?
Es verdad, mi idea de la película empezó con una reflexión sobre las estrellas y hemos acabado, de un modo bastante lógico, hablando de Hipatia, que es la madre de esa y otras ciencias y de ese paraíso cultural que fue Alejandría. Respecto a la cinta, quiero mostrar que yo no soportaría un mundo en que toda la gente pensara igual que yo, que no hubiera gente mas progresista o conservadora que yo. Es algo con lo que hay que vivir. Somos diferentes, por muchas afinidades que tengas con otras personas.
¿Podría decirse queun tema es denunciar a aquellos que quieren imponer sus ideas por la fuerza?
En el set de rodaje convivían agnósticos, ateos, musulmanes, cristianos, judíos... Todos nos levantábamos por la mañana y hacíamos la película, todos juntos. El ágora, en el fondo, es el planeta en el que tenemos que convivir todos. Lo único que denuncio es que si para defender las ideas tienes que defender la violencia, te conviertes en un insecto.
¿Podrías explicarnos por qué titular así su película?
Ágora me parecía el único título posible. Lo que más nos ha costado ha sido encontrar el título, no sabíamos cómo llamarla. Pero cuando ves que en el ágora se precipitó todo, la reyerta de los paganos contra los cristianos; y la simetría de la propia palabra, con el círculo en el centro, te das cuenta de que es el título perfecto. También marca una línea en el suelo entre el pensamiento racional y el irracional... Cuando usas tu razón contra la sinrazón y no puedes defenderte es muy injusto. Ágora tiene una visión humanista. He intentado ver las cosas desde un punto de vista humano, vemos la tierra desde la estratosfera y lo hacemos como si estuviéramos subidos a un satélite. Es una visión humanista y racionalista, y no por eso tiene que ser menos apasionada.
¿Habías pensado en Rachel Weisz para que hiciera el papel desde el principio?
Mateo Gil y yo habíamos seguido la carrera de Rachel Weisz y la directora de casting la sugirió entre varios nombres. Nos pareció perfecta. Reúne el lado intelectual; es una persona brillante que podía entender la complejidad de la astronomía; y también tiene la pasión y la belleza. Lo que no sabía, es que además es una persona extraordinaria. Fuera de serie.
En la cinta hay muchos planos desde el cielo. ¿Querías mostrar la insignificancia de los hombres?
Buscábamos una aproximación al mundo del pasado. Cuando cuentas algo que ha pasado hace 1600 años en películas épicas, lo tiendes a ver desde un punto de vista épico y me parece que es muy distante, que no te llega. Queríamos llevar al espectador muy cerca y a veces la mejor manera de conseguirlo es usar la cámara lenta. Pero nos dimos cuenta que si acelerábamos la velocidad los hombres parecían hormigas, y se conseguía llamar la atención sobre lo absurdo que era lo que hacían allí abajo. También quería cambiar la perspectiva a la hora de ver las cosas. Esto es una gran tragedia, pero mírala en comparación con todo esto, con las estrellas de alrededor.
¿Dirías que Hipatia es un icono feminista a nivel histórico?
Creo que sí, es una mujer rodeada de hombres, pero una mujer que defiende su integridad y que quiere ser tratada como un intelectual más. El que sea una mujer, es, de hecho, una casualidad. Yo lo que quería era hacer un homenaje a los astrónomos, a los intelectuales, a todos los pensadores que nos han abierto los ojos, nos han dado alimento para la mente. Hipatia, desde luego, es uno de ellos. Es uno de los pasos que nos llevaron a Einstein.
¿Dirías que éste fue tu rodaje más difícil?
No, no. Creo que ese honor le corresponde a Abre los ojos, por las complejidades del guión, comparado con los límites de nuestros recursos. También Los otros, que era un proyecto que para mi era un salto tremendo: entrar en contacto con Hollywood, que no conocía, rodar con niños, que no lo había hecho nunca, y rodar con una superestrella como Nicole Kidman, que no lo había hecho nunca. De ella aprendí mucho, nunca he vuelto a ver la interpretación igual después de trabajar con ella. Me enseñó a respetar el trabajo de los actores. En Ágora, el problema eran las dimensiones del proyecto. Pensaba que iban a pasar desgracias, la locación en Malta, el tamaño del reparto. Soñé una noche que un huracán nos llevaría el decorado, pero no, mira, salió muy bien. Esta es una película que me gusta mucho.
Ostensiblemente, la película se presenta como “basada en hechos reales” ¿Cuál dirías que es el porcentaje de hechos reales de lo que se ve en la película?
Creo que se ajusta razonablemente mucho a la realidad. Lo digo sabiendo que ni ésta ni Mar adentro son exactamente reales al 100%. Pero creo que se puede decir que está inspirada en hechos reales, el personaje de ella es real. Hemos cambiado el final. A Hipatia la mutilaron y la descuartizaron en público de una manera brutal y lo cambiamos en el último momento por una lapidación porque me parecía que tiene una connotación más actual, más inmediata. Hubiera sido hacer un baño de sangre,la escena de una película de terror, en cambio, hacerlo así es algo que nos habla directamente. Es algo que pasa hoy en día.
Partiendo de eso, ¿podría decirse que la cinta hace una analogía con la situación política actual?
Ágora te muestra el momento en el que un grupo toma las armas y empieza a impartir justicia por su cuenta. Ahí es cuando empieza el problema. El juego que quise hacer, que puede ser un poco burdo, es que el imperio romano es Estados Unidos, Alejandría representa las provincias y Europa es la provincia, una cultura más ancestral. En cuanto el imperio entra en crisis, todo lo que está alrededor lo hace. Y de pronto emerge un grupo que tiene un elemento que le hace más atractivo y eso es lo que atrae a la gente. No pretendo emitir un mensaje. Yo hago historias que me gustan a mí, pero eso no es lo importante. Lo importante es que alguien se acerque al cine, vea la película en la oscuridad de una sala y al salir, piense en lo que vio, que ahora forme parte de su vida. Eso es lo que realmente más me importa de lo que hago, contar historias.
Agora, de Alejandro Amenábar
La luz que falló
Miguel Cane
La obra de Alejandro Amenánbar, desde su debut con Tesis (en 1996) ha sido de lo más diversa, pasando de su pretenciosa pero muy lograda incursión en la ciencia ficción (Abre los ojos, 1997), a una formidable fabulita de horror gótico (Los Otros, 2001) a un melodrama realista (Mar Adentro, 2004) que no sólo fueron éxitos de taquilla, también le valieron el reconocimiento de la crítica, permitiéndole hacer la película que le venga en gana. Es así que en su afán por hacer cine de Hollywood fuera de Hollywood, y en el de aunar cine de autor con cine comercial, hace Ágora, que llega con un año de retraso a las pantallas mexicanas, acompañada del imbécil subtítulo de “La caída del imperio romano”, que demuestra la estupidez e ignorancia de los distribuidores locales, ya que la película de marras nada tiene qué ver con ese tema.
Amenábar de nuevo filma en inglés, y se atreve con una incursión en el cine histórico/épico, género del que son máximos exponentes Cecil B. DeMille y William Wyler, y al que en esta cinta pretende dotar de un estilo más realista, hablándonos de una mujer única, Hipatia, madre de la ciencia moderna, encarnada en una actuación irreprochable a manos de la deslumbrante Rachel Weisz. No obstante, es demasiada calidad y mucha ambición para unos resultados tan mediocres y desencantados.
El principal problema de la película es que se sustenta en un guión muy débil, obra del binomio Alejandro Amenábar/Mateo Gil, que no tienen a quién culpar de sus tambaleos. Según palabras del propio cineasta, su intención era hacer una película, o incluso un docudrama, sobre el cosmos, pero todo eso le llevó hasta la figura de Hipatia. De modo que se dispuso a armar un gran fresco histórico en el que la destrucción de la biblioteca de Alejandría, en el siglo IV, fuera el vórtice a partir del cual comienza una lucha entre religiones.
Esto suena muy bien, pero se ve estropeado por el reultado final, que se queda corto: su defecto es, notablemente, que Amenábar intenta abarcar demasiado. Por un lado, la historia del choque de culturas y de religiones (Roma vs. Los Cristianos, que se vuelve un argumento pesado y torpemente resuelto), por otro la búsqueda de conocimiento del universo que hace Hipatia a través de las matemáticas; por otro la destrucción de un sistema de creencias mediante los brotes de fanatismo totalitario (en claro contrapunto con situaciones muy semejantes que se viven aún hoy) Y a Amenábar le fallan las fuerzas. Es sencillamente incapaz de hilvanarlo todo de forma fluida y armónica, evidenciando graves trastornos rítmicos en el seguimiento a sus personajes, por lo que resulta incapaz de establecer un tono.
Ágora es una película hermosamente filmada y realizada, con una interpretación empática, memorable y muy sentida a manos de la Weisz, pero tanto trabajo de orfebrería cinematográfica de muy poco vale si no logra establecer el vínculo emocional que se dio en sus otros filmes (el desprecio por el niñato deforme en Abre..., la piedad por la madre abandonada con dos niños peculiares en esa mansión aislada en Los Otros... la angustia por la universitaria necia y temeraria en Tesis... ) y éste no se da. Uno puede admirar Ágora por cómo está filmada y editada, pero no se puede sentir nada por lo que en ella sucede.
Quizá esto derive de no saber exactamente qué nos quiere contar Amenábar. ¿Que los fanatismos son destructivos y terroríficos? Eso es obvio. ¿Que la razón siempre será más analítica que la fe? Ídem. Ahora, de los mecanismos de ese fanatismo, los intereses que los mueven y los promueven, las mentes que son manipuladas desde la ignorancia de una vida miserable, de todo eso no hay ni rastro en un relato que siempre se mueve por caminos fáciles, y que no profundiza. Intelectualmente, Ágora es un filme muy menor. No hay en él una sola idea, siendo una película que, en teoría, iba a hablar sobre las ideas, ni un hallazgo. No se hace preguntas, ni se las hace al espectador. Se deja ver, pero está vacía. No dice absolutamente nada. Y con esta lluvia de recursos y gran elenco, es una lástima y un desperdicio.
Ágora
Con Rachel Weisz, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, Richard Durden, Max Minghella, Rupert Evans, Sami Samir y Michael Lonsdale
Dirige: Alejandro Amenábar
España/Reino Unido/Francia 2009
Miguel Cane
La obra de Alejandro Amenánbar, desde su debut con Tesis (en 1996) ha sido de lo más diversa, pasando de su pretenciosa pero muy lograda incursión en la ciencia ficción (Abre los ojos, 1997), a una formidable fabulita de horror gótico (Los Otros, 2001) a un melodrama realista (Mar Adentro, 2004) que no sólo fueron éxitos de taquilla, también le valieron el reconocimiento de la crítica, permitiéndole hacer la película que le venga en gana. Es así que en su afán por hacer cine de Hollywood fuera de Hollywood, y en el de aunar cine de autor con cine comercial, hace Ágora, que llega con un año de retraso a las pantallas mexicanas, acompañada del imbécil subtítulo de “La caída del imperio romano”, que demuestra la estupidez e ignorancia de los distribuidores locales, ya que la película de marras nada tiene qué ver con ese tema.
Amenábar de nuevo filma en inglés, y se atreve con una incursión en el cine histórico/épico, género del que son máximos exponentes Cecil B. DeMille y William Wyler, y al que en esta cinta pretende dotar de un estilo más realista, hablándonos de una mujer única, Hipatia, madre de la ciencia moderna, encarnada en una actuación irreprochable a manos de la deslumbrante Rachel Weisz. No obstante, es demasiada calidad y mucha ambición para unos resultados tan mediocres y desencantados.
El principal problema de la película es que se sustenta en un guión muy débil, obra del binomio Alejandro Amenábar/Mateo Gil, que no tienen a quién culpar de sus tambaleos. Según palabras del propio cineasta, su intención era hacer una película, o incluso un docudrama, sobre el cosmos, pero todo eso le llevó hasta la figura de Hipatia. De modo que se dispuso a armar un gran fresco histórico en el que la destrucción de la biblioteca de Alejandría, en el siglo IV, fuera el vórtice a partir del cual comienza una lucha entre religiones.
Esto suena muy bien, pero se ve estropeado por el reultado final, que se queda corto: su defecto es, notablemente, que Amenábar intenta abarcar demasiado. Por un lado, la historia del choque de culturas y de religiones (Roma vs. Los Cristianos, que se vuelve un argumento pesado y torpemente resuelto), por otro la búsqueda de conocimiento del universo que hace Hipatia a través de las matemáticas; por otro la destrucción de un sistema de creencias mediante los brotes de fanatismo totalitario (en claro contrapunto con situaciones muy semejantes que se viven aún hoy) Y a Amenábar le fallan las fuerzas. Es sencillamente incapaz de hilvanarlo todo de forma fluida y armónica, evidenciando graves trastornos rítmicos en el seguimiento a sus personajes, por lo que resulta incapaz de establecer un tono.
Ágora es una película hermosamente filmada y realizada, con una interpretación empática, memorable y muy sentida a manos de la Weisz, pero tanto trabajo de orfebrería cinematográfica de muy poco vale si no logra establecer el vínculo emocional que se dio en sus otros filmes (el desprecio por el niñato deforme en Abre..., la piedad por la madre abandonada con dos niños peculiares en esa mansión aislada en Los Otros... la angustia por la universitaria necia y temeraria en Tesis... ) y éste no se da. Uno puede admirar Ágora por cómo está filmada y editada, pero no se puede sentir nada por lo que en ella sucede.
Quizá esto derive de no saber exactamente qué nos quiere contar Amenábar. ¿Que los fanatismos son destructivos y terroríficos? Eso es obvio. ¿Que la razón siempre será más analítica que la fe? Ídem. Ahora, de los mecanismos de ese fanatismo, los intereses que los mueven y los promueven, las mentes que son manipuladas desde la ignorancia de una vida miserable, de todo eso no hay ni rastro en un relato que siempre se mueve por caminos fáciles, y que no profundiza. Intelectualmente, Ágora es un filme muy menor. No hay en él una sola idea, siendo una película que, en teoría, iba a hablar sobre las ideas, ni un hallazgo. No se hace preguntas, ni se las hace al espectador. Se deja ver, pero está vacía. No dice absolutamente nada. Y con esta lluvia de recursos y gran elenco, es una lástima y un desperdicio.
Ágora
Con Rachel Weisz, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, Richard Durden, Max Minghella, Rupert Evans, Sami Samir y Michael Lonsdale
Dirige: Alejandro Amenábar
España/Reino Unido/Francia 2009
Tori Spelling sans maquillage : Horrible...
Beurk ! Tori Spelling est vraiment affreuse sans maquillage... Sa rhinoplastie ratée n'arrange rien, c'est à vous dissuader de pousser la porte d'un chirurgien esthétique !
Los dorados años de Ray Bradbury
El creador de Fahrenheit 451, Crónicas Marcianas, Las doradas manzanas del sol y La Feria de las Tinieblas cumple 90 años . Defensor apasionado del libro impreso y de la imaginación, aquí recibe un mínimo homenaje.
Miguel Cane
Parecería casi increíble que Ray Bradbury (Waukegan, Illinois, Agosto 22 de 1920), el “hombre que nos inventó el futuro” sea en la vida real un abuelito de cabeza blanca, que jamás ha conducido un auto, que detesta la Internet y que hace más de diez años no abandona la ciudad de Los Ángeles, donde vive en el apacible suburbio de Cheviot Hills, en una casa atiborrada de libros. Pero sí: el hombre que nos creó una descripción de la vida en Marte, e así, pero su persona literaria ha trascendido toda edad y sus sueños están ahora manifiestos no sólo en palabras, sino en realidades.
Escritor y novelista, visionario y arquitecto, guionista, ensayista y poeta, uno de los padres de la literatura fantástica contemporánea, Bradbury aprendió a leer a los tres años, comenzó a escribir sin parar desde los 15 y su inquietud del adolescente sigue reflejada en su obra, si bien hace casi una década que una embolia le privó parcialmente del movimiento y de la vista, aun si "fue capaz de verlo todo mucho antes" -- como le dijo el alemán Wernher von Braun, padre de la carrera espacial, a la llegada de la primera misión a Marte, cuando compartió con él ese triunfo para la humanidad.- El oído también le falla, pero su mente sigue intacta y sigue creando mundos, escribiendo cada día.
No hay nadie, nacido en los últimos sesenta años, que no haya, por lo menos alguna vez, oído su nombre o leído un libro suyo: Fahrenheit 451, la impactante historia de un futuro donde el hábito de la lectura es condenado al fuego, se ha convertido en heraldo de una truculenta realidad (un mundo donde la lectura y los libros son tratados con menosprecio por las grandes masas). Su visión de Marte como una colonia terrestre en la colección de relatos hilvanados como una novela en Crónicas Marcianas – que se publicó aún antes de que salieran hombres al espacio- es todavía hoy un punto de referencia no sólo en la literatura de género, sino de la literatura del siglo XX.
Mientras se formaba como escritor, Bradbury nunca recibió un consejo. Tampoco tuvo una preparación formal, ya que se graduó en la biblioteca pública, enseñándose a sí mismo rodeado de libros; en sus propias palabras, define su carrera autodidacta: "Me enseñó Shakespeare, me enseñó Julio Verne. Edgar Allan Poe me dijo que escribiera." El crecer en esas bibliotecas le provocó un amor desmedido por los libros, llegando a acumular una coleccion de más de tres mil volúmenes en su museo personal.
Al principio de s carrera, Bradbury no tenía máquina de escribir propia (la alquilaba), y fue hasta los 21 años que publicó su primer relato remunerado: un cuento titulado Péndulo en la revista Super Science Stories en el otoño de 1941. "Cuando me casé no ganaba ni tres dólares a la semana. Maggie,mi mujer, tenía que mantenernos. Y para 1950 la cosa tampoco había cambiado tanto. Ganaba seis dólares semanales" declaró en una entrevista reciente. Sin embargo, la publicación de Crónicas Marcianas en 1953 le valió un reconocimiento internacional y en 1956, apareció lo que se considera su obra maestra, Fahrenheit 451, que ha sido vista como una metáfora futurista y distópica basada en la quema de libros en las calles de Berlín durante el régimen Nazi. Algunos han interpretado el libro también como una respuesta a la caza de brujas del temible Joseph McCarthy. El propio Bradbury afirma que el libro sopesa las consecuencias que tiene en la literatura la aparición de la televisión, un medio que satura con información inútil. Son muchas las teorías que rodean esta obra, pero el autor ha dicho antes: "Mis libros se escriben solos y yo no hago preguntas."
François Truffaut llevó la novela a la pantalla con la celestial Julie Christie interpretó tanto el papel de Clarisse como el de Linda Montag, que es el único pero que Bradbury puso a esta adaptación, que se ha elevado al grado de clásico. Por otra parte, Jack Clayton hizo una impresionante cinta basada en La Feria de las Tinieblas y en 1981 se hizo una (fallida) adaptación en forma de miniserie de Crónicas Marcianas, siendo uno de los últimos trabajos de Rock Hudson. Para Bradbury, lo importante son los libros impresos, no las adaptaciones que se hagan. De hecho, asegura, son dos cosas completamente distintas.
Aunque Hollywood no ha sido el único medio del que el autor de El Hombre Ilustrado recela: el Internet le horroriza ("¡Que quemen la red en lugar de quemar libros!" declaró hace algunos años cuando Yahoo intentó pedirle una novela original para la red), y los libros electrónicos tipo Kindle, no le parecen libros. “Un libro sólo tiene dos olores: el olor a nuevo, que es bueno, y el olor a libro usado, que es todavía mejor". Su última batalla a favor de la palabra impresa a sido su defensa de las bibliotecas públicas. "No creo que las bibliotecas estén obsoletas,” declaró en una videoconferencia trasnmitida en la FIL de Guadalajara el año pasado “no permitiré que acaben con ellas, así me tenga que poner en medio para evitarlo".
Ray Bradbury, autor de más de quinientos relatos, diseñador del memorable pabellón estadounidense en la Feria Mundial celebrada en Nueva York en 1964 o de las atracciones espaciales tanto en el Epcot de DisneyWorld, en Florida, como en EuroDisney, en París no padece los efectos de la edad o del shock del futuro, si acaso, llega a los 90 más ávido de crear, de descubrir e imaginar. Sus sueños están en el espacio. “Nuestro futuro está en la Luna, en Marte, en Alpha Centauro. Y en un millón de años las nuevas generaciones estarán ahí para agradecérnoslo. Viviremos para siempre".
Al igual que Ray Bradbury, que lo ha logrado, gracias a cada una de las palabras que ha escrito y que le garantizan el que ahora ya es leyenda.
Miguel Cane
Parecería casi increíble que Ray Bradbury (Waukegan, Illinois, Agosto 22 de 1920), el “hombre que nos inventó el futuro” sea en la vida real un abuelito de cabeza blanca, que jamás ha conducido un auto, que detesta la Internet y que hace más de diez años no abandona la ciudad de Los Ángeles, donde vive en el apacible suburbio de Cheviot Hills, en una casa atiborrada de libros. Pero sí: el hombre que nos creó una descripción de la vida en Marte, e así, pero su persona literaria ha trascendido toda edad y sus sueños están ahora manifiestos no sólo en palabras, sino en realidades.
Escritor y novelista, visionario y arquitecto, guionista, ensayista y poeta, uno de los padres de la literatura fantástica contemporánea, Bradbury aprendió a leer a los tres años, comenzó a escribir sin parar desde los 15 y su inquietud del adolescente sigue reflejada en su obra, si bien hace casi una década que una embolia le privó parcialmente del movimiento y de la vista, aun si "fue capaz de verlo todo mucho antes" -- como le dijo el alemán Wernher von Braun, padre de la carrera espacial, a la llegada de la primera misión a Marte, cuando compartió con él ese triunfo para la humanidad.- El oído también le falla, pero su mente sigue intacta y sigue creando mundos, escribiendo cada día.
No hay nadie, nacido en los últimos sesenta años, que no haya, por lo menos alguna vez, oído su nombre o leído un libro suyo: Fahrenheit 451, la impactante historia de un futuro donde el hábito de la lectura es condenado al fuego, se ha convertido en heraldo de una truculenta realidad (un mundo donde la lectura y los libros son tratados con menosprecio por las grandes masas). Su visión de Marte como una colonia terrestre en la colección de relatos hilvanados como una novela en Crónicas Marcianas – que se publicó aún antes de que salieran hombres al espacio- es todavía hoy un punto de referencia no sólo en la literatura de género, sino de la literatura del siglo XX.
Mientras se formaba como escritor, Bradbury nunca recibió un consejo. Tampoco tuvo una preparación formal, ya que se graduó en la biblioteca pública, enseñándose a sí mismo rodeado de libros; en sus propias palabras, define su carrera autodidacta: "Me enseñó Shakespeare, me enseñó Julio Verne. Edgar Allan Poe me dijo que escribiera." El crecer en esas bibliotecas le provocó un amor desmedido por los libros, llegando a acumular una coleccion de más de tres mil volúmenes en su museo personal.
Al principio de s carrera, Bradbury no tenía máquina de escribir propia (la alquilaba), y fue hasta los 21 años que publicó su primer relato remunerado: un cuento titulado Péndulo en la revista Super Science Stories en el otoño de 1941. "Cuando me casé no ganaba ni tres dólares a la semana. Maggie,mi mujer, tenía que mantenernos. Y para 1950 la cosa tampoco había cambiado tanto. Ganaba seis dólares semanales" declaró en una entrevista reciente. Sin embargo, la publicación de Crónicas Marcianas en 1953 le valió un reconocimiento internacional y en 1956, apareció lo que se considera su obra maestra, Fahrenheit 451, que ha sido vista como una metáfora futurista y distópica basada en la quema de libros en las calles de Berlín durante el régimen Nazi. Algunos han interpretado el libro también como una respuesta a la caza de brujas del temible Joseph McCarthy. El propio Bradbury afirma que el libro sopesa las consecuencias que tiene en la literatura la aparición de la televisión, un medio que satura con información inútil. Son muchas las teorías que rodean esta obra, pero el autor ha dicho antes: "Mis libros se escriben solos y yo no hago preguntas."
François Truffaut llevó la novela a la pantalla con la celestial Julie Christie interpretó tanto el papel de Clarisse como el de Linda Montag, que es el único pero que Bradbury puso a esta adaptación, que se ha elevado al grado de clásico. Por otra parte, Jack Clayton hizo una impresionante cinta basada en La Feria de las Tinieblas y en 1981 se hizo una (fallida) adaptación en forma de miniserie de Crónicas Marcianas, siendo uno de los últimos trabajos de Rock Hudson. Para Bradbury, lo importante son los libros impresos, no las adaptaciones que se hagan. De hecho, asegura, son dos cosas completamente distintas.
Aunque Hollywood no ha sido el único medio del que el autor de El Hombre Ilustrado recela: el Internet le horroriza ("¡Que quemen la red en lugar de quemar libros!" declaró hace algunos años cuando Yahoo intentó pedirle una novela original para la red), y los libros electrónicos tipo Kindle, no le parecen libros. “Un libro sólo tiene dos olores: el olor a nuevo, que es bueno, y el olor a libro usado, que es todavía mejor". Su última batalla a favor de la palabra impresa a sido su defensa de las bibliotecas públicas. "No creo que las bibliotecas estén obsoletas,” declaró en una videoconferencia trasnmitida en la FIL de Guadalajara el año pasado “no permitiré que acaben con ellas, así me tenga que poner en medio para evitarlo".
Ray Bradbury, autor de más de quinientos relatos, diseñador del memorable pabellón estadounidense en la Feria Mundial celebrada en Nueva York en 1964 o de las atracciones espaciales tanto en el Epcot de DisneyWorld, en Florida, como en EuroDisney, en París no padece los efectos de la edad o del shock del futuro, si acaso, llega a los 90 más ávido de crear, de descubrir e imaginar. Sus sueños están en el espacio. “Nuestro futuro está en la Luna, en Marte, en Alpha Centauro. Y en un millón de años las nuevas generaciones estarán ahí para agradecérnoslo. Viviremos para siempre".
Al igual que Ray Bradbury, que lo ha logrado, gracias a cada una de las palabras que ha escrito y que le garantizan el que ahora ya es leyenda.
Ke$ha : On a retrouvé la Schroumpfette !
Written By sitemp3 on Jumat, 20 Agustus 2010 | 23.00
Tremble Gargamel ! Ke$ha la petite Schroumpfette est de retour et tu vas passer un mauvais quart d'heure ! (bon, franchement, c'est immonde ce bleu !)
Interpretará la actriz Rooney Mara a ‘Lisbeth Salander’ en remake
Written By sitemp3 on Selasa, 17 Agustus 2010 | 12.35
17 agosto 2010.- La novel actriz Rooney Mara ha obtenido uno de los papeles más codiciados de Hollywood y protagonizará, junto a Daniel Craig, la adaptación cinematográfica en inglés de Los hombres que no amaban a las mujeres.
Sony Pictures anunció el lunes que Mara, de 25 años, dará vida a ‘Lisbeth Salander’, una intrépida genio atormentada por una infancia terrible, en el thriller basado en el primer libro de la serie de bestsellers de Stieg Larsson.
Por su parte, Craig, intéprete del protagonista de las recientes versiones de ‘James Bond’, dará al periodista ‘Mikael Blomkvist’, quien junto a ‘Lisbeth’ investiga una serie de asesinatos ocurridos varias décadas atrás.
Los hombres que no amaban a las mujeres será dirigida por David Fincher, quien eligió a Mara para protagonizar la película The Social Network, un drama sobre los fundadores de Facebook, que se estrena el 1 de octubre.
Mara ha sido actriz invitada en series de televisión como ER y Law & Order: Special Victims Unit y participó en la entrega de Pesadilla en la calle Elm, realizada este año, además en la comedia deportiva The Winning Season, de próximo estreno.
La cinta basada en uno de los textos de Larsson comenzará a filmarse el siguiente año en Suecia, y su estreno está previsto para el 21 de diciembre del 2011.
Sony Pictures anunció el lunes que Mara, de 25 años, dará vida a ‘Lisbeth Salander’, una intrépida genio atormentada por una infancia terrible, en el thriller basado en el primer libro de la serie de bestsellers de Stieg Larsson.
Por su parte, Craig, intéprete del protagonista de las recientes versiones de ‘James Bond’, dará al periodista ‘Mikael Blomkvist’, quien junto a ‘Lisbeth’ investiga una serie de asesinatos ocurridos varias décadas atrás.
Los hombres que no amaban a las mujeres será dirigida por David Fincher, quien eligió a Mara para protagonizar la película The Social Network, un drama sobre los fundadores de Facebook, que se estrena el 1 de octubre.
Mara ha sido actriz invitada en series de televisión como ER y Law & Order: Special Victims Unit y participó en la entrega de Pesadilla en la calle Elm, realizada este año, además en la comedia deportiva The Winning Season, de próximo estreno.
La cinta basada en uno de los textos de Larsson comenzará a filmarse el siguiente año en Suecia, y su estreno está previsto para el 21 de diciembre del 2011.
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