Reese Witherspoon
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Otro lado del corazón, El / Rabbit Hole, de John Cameron Mitchell
Written By sitemp3 on Sabtu, 25 Juni 2011 | 13.05
De entre las cenizas
Miguel Cane
Con el terrible título en español que le ha puesto su distribuidora (que la ha lanzado como un melodrama romántico, lo que definitivamente no es) de El otro lado del corazón, llega Rabbit hole el tercer largometraje del siempre interesante John Cameron Mitchell (Hedwig & The Angry Inch, Shortbus), que da muestras de una madurez lograda y una elegancia insólita en una historia desgarradora, tomada de la obra ganadora del premio Pulitzer adaptada por su autor, David Lindsay-Abaire.
Ocho meses después de la trágica muerte de su hijo Danny de cuatro años, Becca y Howie Corbett (Kidman y Eckhart, extraordinarios), un matrimonio convencional, de clase media, trata de sobrevivir a la brutal pérdida. Es tan difícil como tratar de respirar bajo el agua. Todo es irreal en la hermosa casa en la que eran felices. La terapia de grupo no funciona. Incluso tener sexo es un conflicto: Becca lo rechaza y sólo quiere borrar los recuerdos que Howie desea mantener intacto. La familia se reune en torno a ellos, aún sin saber cómo pueden ayudar a levantar los trozos. Las cosas cambian al aparecer en escena una mujer (Sandra Oh) que forma parte de la terapia de grupo y el joven (Miles Teller) responsable del accidente que mató al niño.
Una vez establecida la dinámica, Rabbit hole se revela como un retrato profundo y sentimental (pero no sensiblero) del cómo restaurarse tras una desgracia inesperada para volver a la estabilidad que se tenía; el film consigue zambullir al espectador en una entrega absoluta de pasión y sentimientos. La película tiene un buen planteamiento que crece con delicadeza durante el metraje. Es uno de los pocos filmes que permite que el espectador penetre y ahonde en las emociones de los protagonistas de una manera portentosa, y no solo a ellos sino al resto de personajes, que también transmiten ese sufrimiento al perder algo o alguien. Es notable en la forma de reflejar, con reverencia y fino detalle, los problemas y desvaríos del joven matrimonio y del cómo se enlazan estos a los parientes y la familia.
Kidman y Eckhart brindan actuaciones impecables y maduras, encarnando sus personajes de forma precisa y contundente. La Kidman con este drama vuelve a enamorar y ganarse la atención central del film, mientras Eckart consigue hacer su mejor trabajo desde la excelente Gracias por fumar, con una actuación sobria y altamente lucida. El resto del reparto cumple con creces (la enorme Dianne Wiest como la madre de Becca está espléndida y tiene unos monólogos preciosos y profundos). Añadido a este compendio está la banda sonora de Anton Sanko, que equilibra la cinta delicadamente.
El film es menor a otras cintas que se han construido o priorizado en la lucha sentimental de los personajes centrales como Revolutionary Road (que contaba con la pirotecnia actoral de Kate Winslet, en un estilo opuesto al más sosegado trabajo de Kidman aquí), pero sigue su ruta correctamente. Cinta madura, bellisima, finamente estructurada y de una pulcritud brillante, es un estreno valioso, que lamentablemente estará sepultado con la ubicuidad en salas de la cinebasura de los robots que se estrena coincidentalmente. Sin embargo, lo exhorto a que haga un esfuerzo y busque este filme. Se sentirá ampliamente compensado por ello.
El otro lado del corazón
Rabbit Hole
Con Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Tammy Blanchard, Sandra Oh, John Tenney, Miles Teller y Dianne Wiest.
Dirige John Cameron Mitchell
Estados Unidos, 2010.
Miguel Cane
Con el terrible título en español que le ha puesto su distribuidora (que la ha lanzado como un melodrama romántico, lo que definitivamente no es) de El otro lado del corazón, llega Rabbit hole el tercer largometraje del siempre interesante John Cameron Mitchell (Hedwig & The Angry Inch, Shortbus), que da muestras de una madurez lograda y una elegancia insólita en una historia desgarradora, tomada de la obra ganadora del premio Pulitzer adaptada por su autor, David Lindsay-Abaire.
Ocho meses después de la trágica muerte de su hijo Danny de cuatro años, Becca y Howie Corbett (Kidman y Eckhart, extraordinarios), un matrimonio convencional, de clase media, trata de sobrevivir a la brutal pérdida. Es tan difícil como tratar de respirar bajo el agua. Todo es irreal en la hermosa casa en la que eran felices. La terapia de grupo no funciona. Incluso tener sexo es un conflicto: Becca lo rechaza y sólo quiere borrar los recuerdos que Howie desea mantener intacto. La familia se reune en torno a ellos, aún sin saber cómo pueden ayudar a levantar los trozos. Las cosas cambian al aparecer en escena una mujer (Sandra Oh) que forma parte de la terapia de grupo y el joven (Miles Teller) responsable del accidente que mató al niño.
Una vez establecida la dinámica, Rabbit hole se revela como un retrato profundo y sentimental (pero no sensiblero) del cómo restaurarse tras una desgracia inesperada para volver a la estabilidad que se tenía; el film consigue zambullir al espectador en una entrega absoluta de pasión y sentimientos. La película tiene un buen planteamiento que crece con delicadeza durante el metraje. Es uno de los pocos filmes que permite que el espectador penetre y ahonde en las emociones de los protagonistas de una manera portentosa, y no solo a ellos sino al resto de personajes, que también transmiten ese sufrimiento al perder algo o alguien. Es notable en la forma de reflejar, con reverencia y fino detalle, los problemas y desvaríos del joven matrimonio y del cómo se enlazan estos a los parientes y la familia.
Kidman y Eckhart brindan actuaciones impecables y maduras, encarnando sus personajes de forma precisa y contundente. La Kidman con este drama vuelve a enamorar y ganarse la atención central del film, mientras Eckart consigue hacer su mejor trabajo desde la excelente Gracias por fumar, con una actuación sobria y altamente lucida. El resto del reparto cumple con creces (la enorme Dianne Wiest como la madre de Becca está espléndida y tiene unos monólogos preciosos y profundos). Añadido a este compendio está la banda sonora de Anton Sanko, que equilibra la cinta delicadamente.
El film es menor a otras cintas que se han construido o priorizado en la lucha sentimental de los personajes centrales como Revolutionary Road (que contaba con la pirotecnia actoral de Kate Winslet, en un estilo opuesto al más sosegado trabajo de Kidman aquí), pero sigue su ruta correctamente. Cinta madura, bellisima, finamente estructurada y de una pulcritud brillante, es un estreno valioso, que lamentablemente estará sepultado con la ubicuidad en salas de la cinebasura de los robots que se estrena coincidentalmente. Sin embargo, lo exhorto a que haga un esfuerzo y busque este filme. Se sentirá ampliamente compensado por ello.
El otro lado del corazón
Rabbit Hole
Con Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Tammy Blanchard, Sandra Oh, John Tenney, Miles Teller y Dianne Wiest.
Dirige John Cameron Mitchell
Estados Unidos, 2010.
Cars 2, de John Lasseter
Written By sitemp3 on Sabtu, 18 Juni 2011 | 15.44
Bólidos bonitos
Miguel Cane
Con la excelencia que los distingue, Pixar retorna este verano con Cars 2, la secuela a su cinta de éxito de 2006. Esta es la segunda ocasión en que el estudio de animación convierte un titulo en franquicia (después de Toy Story) y el resultado es, aunque de calidad, desigual comparado a los grandes éxitos que ha tenido el estudio, como las formidables Los Increíbles, Wall-E, Buscando a Nemo, Ratatouille y Up, todas ellas exquisitas y de excelente factura. Pero es natural, el cine es una industria, y el contrato de Pixar con Disney no los exime de ciertas exigencias y ésta es una de ellas. La cosa es hacer dinero, y lo hará a carretadas.
Miguel Cane
Con la excelencia que los distingue, Pixar retorna este verano con Cars 2, la secuela a su cinta de éxito de 2006. Esta es la segunda ocasión en que el estudio de animación convierte un titulo en franquicia (después de Toy Story) y el resultado es, aunque de calidad, desigual comparado a los grandes éxitos que ha tenido el estudio, como las formidables Los Increíbles, Wall-E, Buscando a Nemo, Ratatouille y Up, todas ellas exquisitas y de excelente factura. Pero es natural, el cine es una industria, y el contrato de Pixar con Disney no los exime de ciertas exigencias y ésta es una de ellas. La cosa es hacer dinero, y lo hará a carretadas.
La trama, una presunta mezcla de las comedias de amigos (el buddy movie que tanto le gustaba a Billy Wilder en la última parte de su carrera, que ha degenerado en las patéticas cosas que ahora hacen los hermanos Farrelly o Adam Sandler), cintas de aventuras y de espionaje, no tiene la sofisticación y elegancia de otras cintas, aún si el responsable es John Lasseter, una de las grandes cabezas de Pixar. Hay personajes divertidos (como el villanazo Profesor Z, inspirado en los malos malosos de James Bond) pero todo se siente un poco blandengue, un poco cliché. Sin embargo, esto no es un obstáculo para cautivar la atención de los niños – tengo un sobrino de tres años que está obsesionado con Cars y ciertamente, para él esto es el gran evento del año – y ciertamente, el producto no es condescendiente para su público principal.
¿Qué pasa entonces? Que Pixar hace negocio, con una película bonita, que no está a la altura de sus cintas anteriores, pero que cumple, y que además ganará millones de dólares no sólo en taquilla, sino en merchandising: los juguetes, accesorios, prendas y más, que son lo que realmente genera ganancias para el estudio. ¿Es malo que un estudio de animación con el prestigio de Pixar haga una cinta específicamente con el propósito de ganar dinero? ¡No! -- Era algo inevitable y es acertado que Lasseter, el creador de la primera Cars, se haga cargo de ella, en vez de dejarlo en manos menos capacitadas.
Pixar ha establecido un récord con sus filmes animados, de excelencia y no lo rompe, pero este es un trabajo, aunque muy bueno y vistoso, menor. No es el inicio de un declive. Es sólo un compromiso con el mundo de los negocios y un capricho del público masivo. Pixar sigue adelante con otros proyectos – en el 2012 viene Brave, una cinta muy prometedora, y la primera incursión del estudio en el territorio de las princesas y los mitos que han hecho grande a Disney. La esperanza no se pierde. Cars 2 es un mero trámite comercial.
Cars 2
Dirige John Lasseter
Estados Unidos 2011
Nicole Kidman en la espesura del dolor
Estrella arriesgada, mujer realizada. La actriz australiana regresa a las pantallas en El Otro lado del Corazón, una cinta desgarradora y memorable.
Miguel Cane
No es ajena a la crítica y el escrutinio – especialmente acerca aspectos de su vida personal y algunas de sus decisiones estéticas, lo cual resulta irrelevante a su carrera, -- sin embargo, concede, es parte del ser una figura pública y esta acostumbrada, ya que desde hace dos décadas, su nombre y su rostro aparecen consistentemente en los medios.
Aunque más allá de la notoriedad, en estos veinte años, Nicole Kidman (Honolulu, 1967) ha demostrado ser una de las actrices más osadas de su generación, que pasó de ser la esposa-accesorio de un ídolo de las masas a convertirse en figura por mérito propio; el camino no fue fácil, pero ha logrado reconocimiento con su participación en filmes poco convencionales como Las Horas, Eyes Wide Shut, Dogville, Todo por un sueño, Reencarnación o Fur, si bien esto ha resultado en que no tenga tanto éxito en el aspecto comercial de su carrera, cosa que no parece importarle; ha trabajado con grandes directores como Kubrick, Jane Campion y Lars Von Trier y eso parece haberle dado más satisfacción que el tener (o no) éxito en taquilla.
Por otra parte, parece haber conquistado su lucha por la intimidad y los últimos años los ha pasado tranquilamente, al lado de su segundo marido, el cantante country Keith Urban, y las hijas de ambos Sunday Rose y Faith Margaret (ésta última nacida en diciembre de 2010, gestada mediante una madre sustituta, si bien la niña es hija biológica de Kidman y Urban), en sus hogares en Nashville, Tennessee y Sydney, Australia.
Precisamente, afirma, el convertirse en madre – tiene también dos hijos adoptivos, Isabella y Conor, de su muy publicitado matrimonio anterior – lo que la sensibilizó a ciertos aspectos de la vida, que ahora aplica a su propia interpretación, como es en el caso del rol de Becca, una madre que pasa por la dolorosa y abrupta pérdida de un hijo en el filme independiente Rabbit Hole [estrenada en México con el título El otro lado del corazón], filme en el que comparte créditos con Dianne Wiest y Aaron Eckhart y es dirigida por John Cameron Mitchell (Hedwig & The Angry Inch, Shortbus), basado en una obra ganadora del premio Pulitzer
¿Sientes que este es uno de los personajes más difíciles que has encarnado?
¿Te parece? Yo no sé. En realidad no sabía hace dos años si iba a conseguir un papel realmente profundo o interesante de nuevo. De hecho pensé que lo mismo, ya no iba a llegar. Es algo que sólo me ha pasado muy pocas veces, con Las Horas y Reencarnación, o Dogville... papeles que te llevan a un sitio que sientes que es donde debes estar. Es frustrante para un actor saber que tienes mucho que dar y que no tienes la oportunidad, o simplemente que el papel no es lo complejo que debe ser. O porque no llega, porque el material no es el adecuado. Es muy difícil encontrar el personaje que realmente te haga sentir desafiado.
¿Cómo fue que encontraste este?
¡Buscando como loca! (risas). Hacerla no fue nada fácil, te hablo como productora: es una de esas películas que tratamos de financiar en medio del crash económico, por lo que decían que nadie quería ver una película como esa sobre una pareja que pierde a su hijo en un momento así. Teníamos un presupuesto inicial en ese momento y nos dimos cuenta de que era totalmente imposible sacarla adelante, pero acabamos por hacerlo con un cuarto de lo que nos hubiera gustado, lo que es bueno porque nos liberó de una gran cantidad de presiones. Los que pusieron el capital se quedaron satisfechos y nosotros también por poder hacer la película que queríamos. Tuvimos control creativo sobre la cinta.
¿Tú elegiste a John Cameron Mitchell como director?
Soy admiradora de su trabajo. Lo sugerí a los otros productores y siempre estuvo en la cabeza de mi lista. Creo que este es un trabajo de gran madurez para él. Es un director sensible, maravillosamente atento a los detalles. Muy especial. Trabajar con él fue un gusto.
¿Crees que una historia tan desagarradora afecta de alguna manera tu punto de vista de la vida, como madre?
Sin duda, el material me atrajo precisamente porque soy madre. Es extraño, pero como actores tenemos la tendencia a ir hacia lugares que son terroríficos para uno pero que te enriquecen, que merecen la pena. Creo que si la gente está viviendo una situación así, yo quiero pretender estar pasando por lo mismo, y si no lo puedo hacer de la forma más intensa posible, me frustro y siento que me estoy defraudando a mí misma. Pero claro que tuvo un efecto en mi vida. Especialmente porque cuando estábamos rodando, Sunday estaba recién nacida. Era muy pequeñita, muy vulnerable. No logré dormir demasiado bien durante el rodaje. De pronto, me sentía inquieta. Me desperté sollozando, con pánico, lo que es horrible y varias veces durante la noche. Me pasó como en tres ocasiones, que para mi es mucho en el plazo de seis semanas. Por suerte, Keith y la bebé estaban cerca de mí y eso siempre ayuda, especialmente con películas que son emocionalmente tan exigentes.
¿Dirías que el dolor, de alguna manera, es la manera de conseguir hacer un buen papel?
En este caso, sí, creo que sí. Entiendo muy bien a Becca. Conozco la mayor parte de las cosas por las que pasa, Yo, en otro momento de mi vida sentí esa rabia; ella tiene tanto dolor y está tan dolida con el mundo, con Dios, con todos. Es una gran mezcla de emociones, amor, deseo de dar y por eso ella y Howie (Aaron Eckhart) tienen una reacciones complicadas; para mí al menos es imprescindible estar concentrada y metida en el personaje. Por eso, cuando estoy en el set no puedo con las conversaciones intrascendentes. Puedo ser educada, pero no puedo sentarme a charlar y que el director me diga "acción", y ponerme a rodar como si nada. Así es como me formaron y no voy a cambiar. Eso ha resultado en que durante visitas al set no sea todo lo amena que algunos miembros de la prensa esperan, pero, ¿qué puedo hacer? Estamos trabajando. Cuando ya se termina el rodaje y llega la promoción, entonces sí puedo reflexionar sobre el rodaje y sentarme con alguien a charlar sobre ello, relajadamente. Pero mientras filmas, estás en carne viva. Todas tus emociones están a flor de piel.
Según John Cameron Mitchell, nunca había imaginado que fueras a sumergirte tanto en el personaje durante la filmación.
Cierto. Un rodaje así requiere que el director te proteja y te meta en una especie de burbuja. A raíz de eso, te vuelves muy íntima con todo el entorno. Quiero decir, que llegas a tener conversaciones que normalmente no tendrías con nadie que no fuera tu marido. Y de repente me veo charlando con un hombre, Aaron, que en realidad no conozco, y nos acabamos volviendo tan cercanos. Eso es muy importante, es una manera sagrada de trabajar. Ahora bien, John sabe que el humor da un respiro y acerca a la gente. Entonces buscaba maneras de romper el hielo, de hacernos reír un poco.
¿Sientes que la película le hablará al público de cosas que tal vez teme enfrentar?
Sí, pero todos hemos pasado por momentos muy malos, de gran pérdida y después de hacerla me pone más en contacto con otros seres humanos. Conozco el sentimiento de completo estrés y confusión y veo a la gente sufrir en el mundo a mi alrededor y me pregunto si habrá solución. La película solo plantea cómo poder seguir viviendo, aún con el dolor. Cuando tuvimos nuestra primera proyección en Toronto, la reacción del público fue tan cálida, que me sentí incluso con ganas de darle un abrazo a la gente del público que la vio con nosotros. Eso me dio esperanza, ver que sí, cuesta, pero sigues con tu vida.
Miguel Cane
No es ajena a la crítica y el escrutinio – especialmente acerca aspectos de su vida personal y algunas de sus decisiones estéticas, lo cual resulta irrelevante a su carrera, -- sin embargo, concede, es parte del ser una figura pública y esta acostumbrada, ya que desde hace dos décadas, su nombre y su rostro aparecen consistentemente en los medios.
Aunque más allá de la notoriedad, en estos veinte años, Nicole Kidman (Honolulu, 1967) ha demostrado ser una de las actrices más osadas de su generación, que pasó de ser la esposa-accesorio de un ídolo de las masas a convertirse en figura por mérito propio; el camino no fue fácil, pero ha logrado reconocimiento con su participación en filmes poco convencionales como Las Horas, Eyes Wide Shut, Dogville, Todo por un sueño, Reencarnación o Fur, si bien esto ha resultado en que no tenga tanto éxito en el aspecto comercial de su carrera, cosa que no parece importarle; ha trabajado con grandes directores como Kubrick, Jane Campion y Lars Von Trier y eso parece haberle dado más satisfacción que el tener (o no) éxito en taquilla.
Por otra parte, parece haber conquistado su lucha por la intimidad y los últimos años los ha pasado tranquilamente, al lado de su segundo marido, el cantante country Keith Urban, y las hijas de ambos Sunday Rose y Faith Margaret (ésta última nacida en diciembre de 2010, gestada mediante una madre sustituta, si bien la niña es hija biológica de Kidman y Urban), en sus hogares en Nashville, Tennessee y Sydney, Australia.
Precisamente, afirma, el convertirse en madre – tiene también dos hijos adoptivos, Isabella y Conor, de su muy publicitado matrimonio anterior – lo que la sensibilizó a ciertos aspectos de la vida, que ahora aplica a su propia interpretación, como es en el caso del rol de Becca, una madre que pasa por la dolorosa y abrupta pérdida de un hijo en el filme independiente Rabbit Hole [estrenada en México con el título El otro lado del corazón], filme en el que comparte créditos con Dianne Wiest y Aaron Eckhart y es dirigida por John Cameron Mitchell (Hedwig & The Angry Inch, Shortbus), basado en una obra ganadora del premio Pulitzer
¿Sientes que este es uno de los personajes más difíciles que has encarnado?
¿Te parece? Yo no sé. En realidad no sabía hace dos años si iba a conseguir un papel realmente profundo o interesante de nuevo. De hecho pensé que lo mismo, ya no iba a llegar. Es algo que sólo me ha pasado muy pocas veces, con Las Horas y Reencarnación, o Dogville... papeles que te llevan a un sitio que sientes que es donde debes estar. Es frustrante para un actor saber que tienes mucho que dar y que no tienes la oportunidad, o simplemente que el papel no es lo complejo que debe ser. O porque no llega, porque el material no es el adecuado. Es muy difícil encontrar el personaje que realmente te haga sentir desafiado.
¿Cómo fue que encontraste este?
¡Buscando como loca! (risas). Hacerla no fue nada fácil, te hablo como productora: es una de esas películas que tratamos de financiar en medio del crash económico, por lo que decían que nadie quería ver una película como esa sobre una pareja que pierde a su hijo en un momento así. Teníamos un presupuesto inicial en ese momento y nos dimos cuenta de que era totalmente imposible sacarla adelante, pero acabamos por hacerlo con un cuarto de lo que nos hubiera gustado, lo que es bueno porque nos liberó de una gran cantidad de presiones. Los que pusieron el capital se quedaron satisfechos y nosotros también por poder hacer la película que queríamos. Tuvimos control creativo sobre la cinta.
¿Tú elegiste a John Cameron Mitchell como director?
Soy admiradora de su trabajo. Lo sugerí a los otros productores y siempre estuvo en la cabeza de mi lista. Creo que este es un trabajo de gran madurez para él. Es un director sensible, maravillosamente atento a los detalles. Muy especial. Trabajar con él fue un gusto.
¿Crees que una historia tan desagarradora afecta de alguna manera tu punto de vista de la vida, como madre?
Sin duda, el material me atrajo precisamente porque soy madre. Es extraño, pero como actores tenemos la tendencia a ir hacia lugares que son terroríficos para uno pero que te enriquecen, que merecen la pena. Creo que si la gente está viviendo una situación así, yo quiero pretender estar pasando por lo mismo, y si no lo puedo hacer de la forma más intensa posible, me frustro y siento que me estoy defraudando a mí misma. Pero claro que tuvo un efecto en mi vida. Especialmente porque cuando estábamos rodando, Sunday estaba recién nacida. Era muy pequeñita, muy vulnerable. No logré dormir demasiado bien durante el rodaje. De pronto, me sentía inquieta. Me desperté sollozando, con pánico, lo que es horrible y varias veces durante la noche. Me pasó como en tres ocasiones, que para mi es mucho en el plazo de seis semanas. Por suerte, Keith y la bebé estaban cerca de mí y eso siempre ayuda, especialmente con películas que son emocionalmente tan exigentes.
¿Dirías que el dolor, de alguna manera, es la manera de conseguir hacer un buen papel?
En este caso, sí, creo que sí. Entiendo muy bien a Becca. Conozco la mayor parte de las cosas por las que pasa, Yo, en otro momento de mi vida sentí esa rabia; ella tiene tanto dolor y está tan dolida con el mundo, con Dios, con todos. Es una gran mezcla de emociones, amor, deseo de dar y por eso ella y Howie (Aaron Eckhart) tienen una reacciones complicadas; para mí al menos es imprescindible estar concentrada y metida en el personaje. Por eso, cuando estoy en el set no puedo con las conversaciones intrascendentes. Puedo ser educada, pero no puedo sentarme a charlar y que el director me diga "acción", y ponerme a rodar como si nada. Así es como me formaron y no voy a cambiar. Eso ha resultado en que durante visitas al set no sea todo lo amena que algunos miembros de la prensa esperan, pero, ¿qué puedo hacer? Estamos trabajando. Cuando ya se termina el rodaje y llega la promoción, entonces sí puedo reflexionar sobre el rodaje y sentarme con alguien a charlar sobre ello, relajadamente. Pero mientras filmas, estás en carne viva. Todas tus emociones están a flor de piel.
Según John Cameron Mitchell, nunca había imaginado que fueras a sumergirte tanto en el personaje durante la filmación.
Cierto. Un rodaje así requiere que el director te proteja y te meta en una especie de burbuja. A raíz de eso, te vuelves muy íntima con todo el entorno. Quiero decir, que llegas a tener conversaciones que normalmente no tendrías con nadie que no fuera tu marido. Y de repente me veo charlando con un hombre, Aaron, que en realidad no conozco, y nos acabamos volviendo tan cercanos. Eso es muy importante, es una manera sagrada de trabajar. Ahora bien, John sabe que el humor da un respiro y acerca a la gente. Entonces buscaba maneras de romper el hielo, de hacernos reír un poco.
¿Sientes que la película le hablará al público de cosas que tal vez teme enfrentar?
Sí, pero todos hemos pasado por momentos muy malos, de gran pérdida y después de hacerla me pone más en contacto con otros seres humanos. Conozco el sentimiento de completo estrés y confusión y veo a la gente sufrir en el mundo a mi alrededor y me pregunto si habrá solución. La película solo plantea cómo poder seguir viviendo, aún con el dolor. Cuando tuvimos nuestra primera proyección en Toronto, la reacción del público fue tan cálida, que me sentí incluso con ganas de darle un abrazo a la gente del público que la vio con nosotros. Eso me dio esperanza, ver que sí, cuesta, pero sigues con tu vida.
VIDEO : Lady Gaga "The Edge of Glory"
Written By sitemp3 on Jumat, 17 Juni 2011 | 10.15
Les Little Monsters vont être contents car voici la dernière vidéo de Lady Gaga, "The Edge of Glory" ! La chanson a été produite par Fernando Garibay and DJ White Shadow.
Alors qu'en pensez-vous ? Personnellement, je trouve que c'est un peu fade, tant au niveau musical qu'au niveau du clip... On dirait que le budget du clip est 100 fosi moins important que pour "Paparazzi" ou que pour le FABULEUX "Telephone" ou le mystique "Alejandro" (ici). Dans "The Edge of Glory", pas de danseurs avec des chorégraphies époustouflantes, pas de changements de costume incroyable de Lady Gaga, bref, c'est sympa mais on reste un peu sur notre faim, non ?
Pour voir tous les articles sur Lady Gaga, c'est ici
VOILA LA VIDEO : http://youtu.be/QeWBS0JBNzQ
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Ed Westwick
Written By sitemp3 on Selasa, 14 Juni 2011 | 07.06
Ed Westwick
Ed Westwick
Ed Westwick
Ed Westwick
Hanna, de Joe Wright
Written By sitemp3 on Minggu, 12 Juni 2011 | 18.51
La belleza de la bestia
Miguel Cane
La escena abre en un paisaje nevado. Observamos a un ciervo, cómo éste es vigilado, cazado y sometido por una figura velocísima. Es una niña, que lo ha flechado. Se acerca y con insólita ternura, le dice “casi fallo al darte al corazón”. Acto seguido, casi con piedad, mata a su presa. Así comienza la cuarta cinta de largometraje de Joe Wright (Orgullo y Prejuicio, la hermosísima Expiación, El Solista), que se aparta completamente de los caminos explorados con anterioridad, para aventurarse, sí, pleno de estilo, en una cinta de acción y suspenso, que tiene planteamientos morales y filosóficos sorprendentemente profundos para una trama de este tipo.
La pequeña cazadora que recién conocimos, es Hanna Heller (la impresionante Saoirse Ronan, que ha trascendido la promesa y es ahora una actriz formidable por derecho propio), ha sido criada en los bosques de Finlandia por Erik Heller (enorme, Eric Bana), que le ha enseñado todo lo que sabe acerca de la supervivencia, con el lema: “adáptate o muere”. Ha sido una educación carente de privilegios o de las cosas que hacen la vida fácil para un niño o un adolescente: a los 16 años, Hanna es una perfecta máquina de matar, pero no tiene idea de cómo relacionarse con un mundo al que teóricamente entiende, pero que prácticamente no conoce (por ejemplo, sabe lo que es la música, aunque nunca la haya oído antes).
Un dia, por decisión propia, Hanna decide dar un vuelco a su vida para salir de las huestes frías en las que creció y se coloca en confrontación calculada con la elegante, serena y desalmada Marissa Weigler, (Cate Blanchett, que nos conecta con su lado monstruoso con naturalidad) agente de la CIA, intrínsecamente relacionada con ella y con la historia de su vida. Así, a paso vertiginoso, la cinta va de Finlandia a Virginia, a Marruecos, a Cádiz, a Marsella, a Berlin.
Los planos secuencia que Wright suele preferir están bien presentes, así como sus giros y juegos de cámara. La cinta se torna trepidante y violenta, mientras se involucran una familia británica de vacaciones y una tropa de asesinos a sueldo teutones, que son pervertidos y sin miramientos. Hay sangre, hay fuego, hay una espectacular pelea en el metro de Berlin, y hay también una especie de cuento de hadas que sucede ante nuestros ojos: una fabulita amoral que se desenvuelve poco a poco y revela que presa y predador (Hanna y Marissa) son muy parecidas, que son fuerzas de la naturaleza y que sólo una quedará victoriosa, aún si la victoria resultará de cualquier forma amarga.
Con una estructura de thriller, Wright trabaja temas de tragedia griega, ficción especulativa y cuento de hadas para pintar un filme interesante, poco convencional, que no se toma la molestia ni de ocultar su brutalidad ni de explicarle todo al espectador o de responderle a las preguntas. Permite que se utilice la inteligencia y la imaginación para llenar cualquier laguna aparente y no pierde su ritmo vertiginoso hasta el cierre, aprovechándose de las locaciones y de una banda sonora espectacular de los Chemical Brothers, que además incluye la aparición insólita de “Kooks”, que probablemente sea la canción más tierna y cariñosa de David Bowie.
Hanna es un filme que tal vez no sea terriblemente popular, pero ese no es su objetivo: sacude, impacta, deslumbra, revela el mejor trabajo en años de dos grandes actrices (Bana es más bien un accesorio) y sobre todo, deja claro que Joe Wright es un director que literalmente, no le tiene miedo a nada.
Hanna
Con Saoirse Ronan, Cate Blanchett, Eric Bana, Tom Hollander y Olivia Williams
Reino Unido/Alemania 2011
Miguel Cane
La escena abre en un paisaje nevado. Observamos a un ciervo, cómo éste es vigilado, cazado y sometido por una figura velocísima. Es una niña, que lo ha flechado. Se acerca y con insólita ternura, le dice “casi fallo al darte al corazón”. Acto seguido, casi con piedad, mata a su presa. Así comienza la cuarta cinta de largometraje de Joe Wright (Orgullo y Prejuicio, la hermosísima Expiación, El Solista), que se aparta completamente de los caminos explorados con anterioridad, para aventurarse, sí, pleno de estilo, en una cinta de acción y suspenso, que tiene planteamientos morales y filosóficos sorprendentemente profundos para una trama de este tipo.
La pequeña cazadora que recién conocimos, es Hanna Heller (la impresionante Saoirse Ronan, que ha trascendido la promesa y es ahora una actriz formidable por derecho propio), ha sido criada en los bosques de Finlandia por Erik Heller (enorme, Eric Bana), que le ha enseñado todo lo que sabe acerca de la supervivencia, con el lema: “adáptate o muere”. Ha sido una educación carente de privilegios o de las cosas que hacen la vida fácil para un niño o un adolescente: a los 16 años, Hanna es una perfecta máquina de matar, pero no tiene idea de cómo relacionarse con un mundo al que teóricamente entiende, pero que prácticamente no conoce (por ejemplo, sabe lo que es la música, aunque nunca la haya oído antes).
Un dia, por decisión propia, Hanna decide dar un vuelco a su vida para salir de las huestes frías en las que creció y se coloca en confrontación calculada con la elegante, serena y desalmada Marissa Weigler, (Cate Blanchett, que nos conecta con su lado monstruoso con naturalidad) agente de la CIA, intrínsecamente relacionada con ella y con la historia de su vida. Así, a paso vertiginoso, la cinta va de Finlandia a Virginia, a Marruecos, a Cádiz, a Marsella, a Berlin.
Los planos secuencia que Wright suele preferir están bien presentes, así como sus giros y juegos de cámara. La cinta se torna trepidante y violenta, mientras se involucran una familia británica de vacaciones y una tropa de asesinos a sueldo teutones, que son pervertidos y sin miramientos. Hay sangre, hay fuego, hay una espectacular pelea en el metro de Berlin, y hay también una especie de cuento de hadas que sucede ante nuestros ojos: una fabulita amoral que se desenvuelve poco a poco y revela que presa y predador (Hanna y Marissa) son muy parecidas, que son fuerzas de la naturaleza y que sólo una quedará victoriosa, aún si la victoria resultará de cualquier forma amarga.
Con una estructura de thriller, Wright trabaja temas de tragedia griega, ficción especulativa y cuento de hadas para pintar un filme interesante, poco convencional, que no se toma la molestia ni de ocultar su brutalidad ni de explicarle todo al espectador o de responderle a las preguntas. Permite que se utilice la inteligencia y la imaginación para llenar cualquier laguna aparente y no pierde su ritmo vertiginoso hasta el cierre, aprovechándose de las locaciones y de una banda sonora espectacular de los Chemical Brothers, que además incluye la aparición insólita de “Kooks”, que probablemente sea la canción más tierna y cariñosa de David Bowie.
Hanna es un filme que tal vez no sea terriblemente popular, pero ese no es su objetivo: sacude, impacta, deslumbra, revela el mejor trabajo en años de dos grandes actrices (Bana es más bien un accesorio) y sobre todo, deja claro que Joe Wright es un director que literalmente, no le tiene miedo a nada.
Hanna
Con Saoirse Ronan, Cate Blanchett, Eric Bana, Tom Hollander y Olivia Williams
Reino Unido/Alemania 2011
L'info du jour : Britney est toujours aussi moche...
Written By sitemp3 on Sabtu, 11 Juni 2011 | 08.15
Bon, comme d'hab, Britney est moche et elle a la peau grasse... Allez, pour une fois, elle est coiffée et elle n'a pas les cheveux dégueu, je vous l'accorde... Mais punaise, quelle différence quand on la voit dans ses clips !
Pour voir toutes les autres photos de Britney, sans maquillage et moche au naturel, c'est ici
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Jackson Rathbone
Written By sitemp3 on Kamis, 09 Juni 2011 | 13.45
Jackson Rathbone
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