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Happy Halloween !

Written By sitemp3 on Minggu, 31 Oktober 2010 | 00.00

megan fox jennifers body

Stars au naturel et Megan Fox vous souhaitent un joyeux Halloween ! Amusez-vous bien ce soir !

Picture : Megan Fox in Jennifer's Body

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Un buen año / A Good Year, de Ridley Scott

Written By sitemp3 on Sabtu, 30 Oktober 2010 | 09.59

Miguel Cane


Russell Crowe stars in 20th Century Fox's A Good Year


Los comentarios en torno al estreno de Un buen año, de Ridley Scott, han sido más o menos en la misma tónica: donde algunos les ha parecido empalagosa o de menos, sacarina, a otros les ha parecido desconcertante: ¿El director de Alien haciendo una comedia romántica? ¡Pero cómo se atrevió si para nada es su onda!

Sea como fuere, a título personal, el filme resulta una experiencia alegre, con todos los ingredientes –una historia emotiva sin ser necesariamente chantajista o ramplona, personajes que evolucionan, hermosas locaciones y un buen ritmo que en ningún momento decae – para que sea una película no tanto complaciente (que lo es en algunos casos), como de esas que uno suele recomendar en el sentido de que sabe va a gustarle a otros espectadores que buscan relajarse del stress y viajar aunque sea mediante celuloide.


Russell Crowe in 20th Century Fox's A Good Year


Basada en una novela de Peter Mayle, esta es una historia optimista, que trata del derecho de todo ser humano a reencontrarse con los mejores recuerdos de la niñez y a entregarse a sus pasiones verdaderas; Scott ha sabido obtener de Russell Crowe, muy buenos registros de humor y ha aprovechado su carisma. En efecto, el neozelandés sabe conceder a su personaje –Max Skinner, un financiero londinense, sólo interesado en hacer dinero – un aire simpático que no había representado en ninguna otra película y consigue imponerse al espectador incluso al principio cuando vemos a Max como un aparente machista insensible y egocéntrico.


Russell Crowe and Marion Cotillard in 20th Century Fox's A Good Year


Naturalmente, con el desarrollo de la trama se borra esa imagen cínica, dejando en cambio a un hombre transformado, reencontrado consigo mismo, con una amplia y contagiosa sonrisa.

Podría ser que lo mejor de Un buen año no sea la actuación de Crowe (estupenda, desde luego), ni las escenas campestres, ni las deliciosas charlas y discusiones entre Max y la familia de viticultores que atienden su viñedo o la belleza irresistible de Marion Cotillard como Fanny, la chica que le cambiará la vida. La película tiene un extra especial: los flashbacks que narran la relación entre Max cuando niño (Freddie Highmore, por mucho el mejor actor infantil de su generación) y su tío Henry, que es nada menos que el hoy legendario Albert Finney, quien se encarga de criar al sobrino con una serie de enseñanzas plenas de regocijo y sabiduría.


Albert Finney and Freddie Highmore in 20th Century Fox's A Good Year



Todas las escenas entre Max y su tío son una delicia, porque rebosan de sinceridad y recrean una relación humana salpicada por esa mezcla de alegría y seriedad, de humor y sentido de la responsabilidad, que caracteriza a la verdadera educación sentimental.

Pese a algunos resbalones como la horrorosa GI Jane o la bastante insípida Hannibal, Scott es uno de los mejores directores surgidos de los últimos 30 años. Desde que empezó a dirigir, en cada década ha presentado por lo menos una obra maestra y tiene un estilo único e irrepetible, que sabe imprimir a cada cinta que hace, ya sea un épico colosal como lo fue Gladiador o un thriller elegante como Alguien que cuide de mí, una leyenda del cinema moderno como Blade Runner.


Russell Crowe in 20th Century Fox's A Good Year


Todas son cintas a las que invierte una fuerte dosis de su mente y su cuidadoso trabajo, realizado casi siempre a gran escala; no obstante, de vez en cuando se toma un respiro para dirigir películas más “pequeñas” como en el caso de Thelma & Louise (que se convirtió en cinta icónica) o la comedia ácida Los Impostores. Ahora, después del fracaso espectacular que fuera Cruzada, donde no pudo lograr que ese inútil palo llamado Orlando Bloom pudiera transmitir cualquier tipo de emoción, y antes de embarcarse en la más ambiciosa American Gangster, al lado de Denzel Washington, Scott se toma unas minivacaciones en la región vitivinícola de Francia, para mostrar su oficio en esta muestra de buen cine realizado sin más pretensión que la de hacernos sentir bien y entretener, cosa que logra, de manera magistral.

Un buen año/A Good Year
Con Russell Crowe, Marion Cotillard, Valeria Bruni-Tedeschi, Tom Hollander y Albert Finney.
Dirige: Ridley Scott
Estados Unidos/Gran Bretaña/Francia 2006



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Bourne: El ultimátum / The Bourne Ultimatum, de Paul Greengrass

Miguel Cane


Matt Damon stars in Universal Pictures' The Bourne Ultimatum


El sorprendente éxito de la saga de Jason Bourne, personaje creado originalmente hace unos treinta años por el novelista Robert Ludlum, como respuesta postmoderna a las cintas de espionaje y acción popularizadas con el agente James Bond – que hasta la reciente Casino Royale, había caído en una especie de marasmo repetitivo- vino a sacudir un género y a atraer a un nuevo público a las salas para ver esta clase de cintas.


Matt Damon in Universal Pictures' The Bourne Ultimatum


Con el estreno de la última parte, la serie llega a nuevos niveles de narrativa visual y, si bien uno esperaría que fuera el cierre definitivo de la misma (aunque el éxito de taquilla a nivel internacional probablemente dicte lo contrario), demuestra que el género está vivo y con muchos elementos renovados.


Matt Damon in Universal Pictures' The Bourne Ultimatum


El amnésico asesino profesional, interpretado con maestría por Matt Damon – que con éste trabajo y la reciente El buen pastor demuestra ser uno de los mejores intérpretes de su generación- después de vengar de la muerte de su amante, Marie (Franka Potente en los dos filmes anteriores) sigue tratando de descifrar el rompecabezas que constituye su memoria. Como consecuencia del filme anterior, el programa de operaciones secretas gubernamental ha sido absorbido por el programa Blackbriar, del Departamento de Defensa, dirigido por Noah Vosen (David Strathairn, de Buenas noches y buena suerte) que cuenta entre sus colaboradores a Pamela Landy (Joan Allen, como siempre estupenda, baste recordar su trabajo en Yes, de Sally Potter o La Tormenta de Hielo, de Ang Lee). Para ellos, Bourne representa un error riesgoso que debe ser eliminado a toda costa; para él, ellos son el único eslabón que le une a una vida que no puede recordar; acorralado, Bourne no tiene nada qué perder y poco hay más peligroso en un hombre que estar en esa situación; así que se valdrá de todos sus recursos para llegar hasta ellos y descubrir su verdadera identidad.


Matt Damon and Joan Allen in Universal Pictures' The Bourne Ultimatum



La cinta, dirigida por Paul Greengrass (responsable también de la entrega anterior de esta serie, así como nominado al Oscar por su trabajo en la aclamada Vuelo 93), tiene en su narración un ritmo vertiginoso desde su inicio y no se detiene hasta llegar al clímax, sin sacrificar en ningún momento caracterización o atmósfera a favor de efectos: al contrario, este es el estilo de Greengrass para trabajar de manera innovadora y se apoya en él para presentar otra faceta del thriller y lo hace muy bien, llevándonos por distintas locaciones como Moscú, Londres, Tánger, Madrid y Manhattan, siempre con el personaje principal guiándonos para llegar al fondo de su enigma.


Matt Damon in Universal Pictures' The Bourne Ultimatum


Greengrass no da respiro al espectador, como acostumbra; son varias las secuencias del filme que están rodadas cámara en mano y cuentan con una edición frenética, que proporciona una sensación total de inmediatez, de estar ahí, con Bourne.

El resto del reparto – que incluye a Chris Cooper, Brian Cox y Julia Stiles, que poco a poco va dejando atrás sus roles de jovencita para adquirir personajes femeninos de mayor sustancia- está muy bien y apoya en sus secuencias a Damon, que se lleva el trabajo con dedicación y sobriedad: si bien su personaje carece del carisma seductor de James Bond (como lo encarnaron Sean Connery, Roger Moore y Pierce Brosnan), su ansiedad es contagiosa y lo hace más humano, y por lo mismo, más asequible al espectador, que no quedará en lo absoluto decepcionado por este cierre de trilogía.

Bourne: el ultimátum / The Bourne Ultimátum
Con Matt Damon, Joan Allen, David Strathairn, Julia Stiles y Brian Cox
Dirige: Paul Greengrass
Estados Unidos/Gran Bretaña 2007



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Bon Voyage / Bon Voyage, de Jean-Paul Rappeneau

Miguel Cane


Gregori Derangere and Isabelle Adjani in Sony Pictures Classics' Bon Voyage


Hacer una cinta entrañable de un episodio oscuro de la historia es una faena difícil, pero este estreno lo consigue, de un modo sorprendente: En junio de 1940, Francia finalmente cedió ante la ocupación Nazi: fue de este modo que una oleada de pánico convulsionó a la ciudad luz y zonas aledañas, provocando que todas las clases sociales, desde los comerciantes y los empleados hasta los ricos burgueses y uno que otro espía buscaran huir. Por lo tanto, no es raro que algunos coincidan en el magistral hotel Splendide de Burdeos.


Gerard Depardieu and Isabelle Adjani in Sony Pictures Classics' Bon Voyage


Allí, en la más pura tradición de cintas como Gran Hotel y La Nave de los Locos o bien, el ouvre polifónico de Robert Altman, el director galo Jean-Paul Rappeneau desarrolla su trama, que no pretende, pese al marco, ser una película "histórica". En ella no se retrata a nadie: todo está inventado pero es plausible, todo podría haber sido cierto: la tumultuosa aventura, que oscila con perfecta elegancia entre el thriller y la comedia, incluye personajes tan vívidos como Viviane Denvers (la formidable Isabelle Adjani, con su inquietante hermosura intacta), glamorosa diva cinematográfica --¡qué adecuado!- a la que todos adoran y quien se ve involucrada en una muerte inesperada; también está Frèderic, un joven guionista que está tan impresionado con ella que está a punto de ir a la cárcel para protegerla; también conocemos al cínico Jean-Etienne Beaufort (Gerard Depardieu), que es ex ministro del gobierno francés y no tiene problema con la invasión; la idealista y sensual-aunque-virginal estudiante Camille (la bomba sexy Virginie Ledoyen, aunque sabes que es muy seria por su peinado) que trata de ayudar a un físico de origen judío – la referencia a Einstein no pasa desapercibida- que trata de huir con material para experimentos nucleares para que los invasores no puedan usarlo y a manera de enlace entre todos está Peter Coyote como Alex Winckler, un inquisitivo reportero que parece tener el don de la ubicuidad. Todos forman parte de una muy divertida intriga, con slapstick, azote de puertas, romance, identidades erróneas… en suma, la comedia humana al más puro estilo francés, con una dosis de Alfred Hitchcock, para darle sabor.


Peter Coyote and Wolfgang Pissors in Sony Pictures Classics' Bon Voyage


Otros elementos de interés en la película, son la música original de Gabriel Yared (El Paciente inglés) que logra una atmósfera evocativa con su partitura, e invita a conseguir el cedé para poder escucharla varias veces más. También destaca el fotógrafo Thierry Arbogast (Femme Fatale), que captura la Francia en plena guerra; muestra de esto, es la memorable secuencia de un embotellamiento de tráfico de parisinos que tratan de huir del horror que se avecina. Además, capta con amor la enigmática figura de Adjani, por quien, desde Posesión (Zulawski, 1981) o La Reina Margot (1994), pareciera que el tiempo no pasa. Acaso ella y Deneuve tienen pacto con el mismo diablo.


Virginie Ledoyen and Gregori Derangere in Sony Pictures Classics' Bon Voyage


Bien realizada, imaginativa, animosa y muy divertida, Bon Voyage es una auténtica sorpresa para los espectadores hastiados del ritual de lo habitual. Para aquellos que le temen al cine francés por no conocer el idioma, no hay problema… las mejores secuencias son aquellas en las que todos están en movimiento pero no casi no hablan; s como volver a los básicos del género, a la era descrita en celuloide y sin duda es un viaje que se disfruta de principio a fin.

Bon Voyage (Bon Voyage) - 2004
Con Isabelle Adjani, Gerard Depardieu, Peter Coyote y Virginia Ledoyen.
Dirigida por Jean-Paul Rappeneau. Distribuye: Columbia-TriStar.



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Buen trabajo / Beau Travail, de Claire Denis

Francisco Peña





La cinta de la realizadora francesa Claire Denis se inserta dentro de la corriente histórica del cine francés donde la forma visual tiene más peso que la historia que se narra en pantalla.

De esta corriente general formalista francesa han surgido aportaciones que han enriquecido el cine mundial, pero sus avances han entrado en la corriente principal poco a poco, en una integración lenta.

En primera instancia, el público de formación más comercial rechaza las primeras manifestaciones de innovación cuando están centradas más en imagen que en historia contada. Es el caso de lo que seguramente ocurre con la película de Claire Denis.

No es que sea una película para exquisitos o iniciados, pero son los espectadores más avezados en el conocimiento del cine quienes podrán reconocer los logros de esta cinta.



Denis se emparenta, dentro de la corriente general francesa, con autores como Robert Bresson, Jean Cocteau, e internacionalmente con Werner Herzog. En estos autores (especialmente el alemán) predomina una búsqueda de imágenes inéditas que crean atmósferas especiales y mágicas en la pantalla.

Bajo esta premisa, muchas veces sus historias se perciben como débiles frente a los logros visuales.

Es la misma situación que el cinéfilo observa en Buen Trabajo / Beau Travail. La estética de la imagen inédita, de la búsqueda de otra manera de ver y captar la cotidianeidad, sobrepasa los intereses puramente narrativos de la historia.

Aquí, un grupo de soldados novatos de la Legión Extranjera de Francia se entrena y vive en Djibuti, supervisados por el sargento Galoup. El sargento tiene problemas con el legionario Sentain y admira al comandante Forestier.




La anécdota de la historia que plantea Claire Denis está tomada muy libremente del libro Billy Budd, del autor estadounidense Herman Melville.

Pero a la realizadora francesa le interesas mostrar –con una manera de mirar poco usual pero interesante- los ambientes, las atmósferas y los tiempos muertos en los que encaja este grupo de hombres.

El deambular en la noche, los entrenamientos militares, las tareas en lugares inhóspitos, los conflictos entre los legionarios se desarrollan no por las acciones directas de los personajes sino por los espacios que normalmente no mira el cine: los tiempos muertos y las acciones no significativas.

Por ejemplo:

1.- El escamoteo de la acción directa.
Los soldados entrenan en el mar con la participación de un helicóptero que explota en el aire. El cine estadounidense comercial se detendría en el accidente del vehículo y lo mostraría en pantalla con todo detalle, incluida la explosión captada, quizás, con cámara lenta, entre grandes llamaradas.

Claire Denis emparenta su estilo con el de Robert Bresson, expuesto en su Lancelot du Lac (1974), pues jamás muestra el helicóptero sino el rescate de un legionario sobreviviente entre algunas llamas por gasolina en el mar.

De igual manera, los entrenamientos militares son encuadrados desde ángulos distintos a los usuales en el cine comercial, y los expone por medio de una edición vertiginosa y dinámica.




Otros de los ejercicios o acciones de los legionarios son captados con énfasis en la belleza del cuerpo maeculino, y no en lo militar como centro narrativo. De hecho, varias de las partes de la cinta están meticulosamente coreografiadas más como un ballet que como acciones naturales.

Esto también se aplica en las escenas de la discoteca, donde legionarios y las mujeres locales se encuentran. Allí brilla la belleza especial de las mujeres negras, de las que la realizadora destaca la de la chica Rahel.

En dichas tomas la sensualidad femenina se plasma en forma natural, fluye al compás de la música y termina por crear una atmósfera única en pantalla. No hay nada “exótico” en esas mujeres, sino una belleza que pertenece al lugar, como ellas mismas, a pesar de ciertos elementos occidentales en su lugar de reunión.

Es uno de los mejores momentos de la estética de predominio de imagen sobre historia.




2.- Imágenes inéditas
Es el elemento más notorio de la cinta de Claire Denis. En ese sentido la cineasta camina como buena discípula siguiendo los pasos del alemán Werner Herzog, pionero de dicha estética.

Djibuti aporta los escenarios naturales y extraños, con playas hermosas llenas de rocas, ambientes extraños y poco vistos.

Así, la cineasta francesa va formando imágenes y las enlaza una tras otra hasta llegar a lo casi abstracto. Sus tomas recogen sólo las líneas esenciales, al grado de que el espectador siente la cámara busca desnudar lo que capta hasta despojarlo de todo lo superfluo e innecesario.

3.- Los tiempos muertos
A diferencia del sobrevalorado Arturo Ripstein, cuyos”tiempos muertos” de verdad están muertos porque van contra la esencia del cine, Claire Denis expone tiempos muertos que “están vivos”.

Observa el medio y a los personajes cuando “no ocurre nada” que haga avanzar la historia; enfoca gente y cosas en sus “tiempos muertos”, pero les da significado, atmósfera y vida porque los dota con la esencia del cine como expresión humana: el movimiento.

Esto impide el aburrimiento del espectador que comprende lo que la realizadora francesa intenta. Aun en las tomas “donde no pasa nada”, cámara y personajes están en movimiento: sea cámara fija y personajes que se mueven dentro del cuadro, sea personaje fijo y que la cámara se mueva, o sea una combinación en pantalla de movimientos cámara – actores – naturaleza.

El resultado es que la imagen es dinámica, y atrae el ojo del cinéfilo para que observe QUE se mueve en pantalla, y trate de extraer su significado. Es una estética fílmica que busca la participación de sus espectadores.

4.- La voz en off y la construcción de atmósferas
Frente a la importancia de la imagen sobre el argumento, Claire Denis desarrolla la anécdota de los legionarios y del sargento Galoup por medio de la voz en off de este personaje, y pocos diálogos entre ellos.

Si la historia avanza con estos recursos –monólogo interior y diálogos escasos-, que sostienen la continuidad narrativa, la directora se puede concentrar en la construcción de atmósferas vitales por medio de la acumulación de los tiempos muertos, el manejo dinámico de sus encuadres, y la captura de imágenes inéditas o poco vistas por el espectador occidental.
¿Suena a Herzog?

Si, pero con una sensibilidad propia de la cineasta, que la convierte en discípula que aprende y crea con propia voz, y no en una copiadora mediocre del universo mítico del alemán.

5.- La música
Es un elemento vital de Buen trabajo / Beau travail. Desde las melodías de discoteca occidental (rechazadas por la coreografía muy distinta y más sensual de las mujeres negras), de un track de Neil Young a la música coral pasando por la que tiene raíces africanas, su presencia da dinamismo a las atmósferas y las tiñe emocionalmente.

Todos estos elementos de realización se suman para exponer lo que ocurre alrededor de un conflicto entre Galoup y el legionario Sentain; entre un hombre dedicado pero gris y un joven que obtiene rápido reconocimiento.

Lo que ocurre en el interior de Galoup, la suerte de Sentain, la actitud de Forestiere, las correrías nocturnas de los legionarios, la presencia silenciosa de las mujeres, en general la presencia humana, setá plasmada con un interés primordial en la imagen y no en la historia.

Es importante hacer notar este hecho. Buen trabajo / Beau travail es un logro de la estética cinematográfica que busca el predominio de la imagen sobre la anécdota.

En cuanto a su recepción por parte del público, se puede adelantar que será incomprendida por la mayoría de los asistentes, que la encontrarán aburrida porque no cuenta una historia con los medios y formas a los que están acostumbrados. En ese sentido, creo personalmente que su programación en la XXXIX Muestra fue un error pues su público en general tiene otras expectativas.

Su estreno debió reservarse para el Foro de la Cineteca como evento, pues es un público diferente que busca ver nuevas maneras de usar el lenguaje cinematográfico por encima de las historias que se cuentan, o al menos puede tener esa disposión.

En síntesis, el Buen Trabajo, el Bello Trabajo, es el logrado por Claire Denis, que se aleja de un cine comercial normal para buscar su propia voz, con la que canta bien. Pero tomará tiempo para que esa nueva voz, para que esta manera distinta de narrar en el cine, sea comprendida y valorada por públicos más amplios.

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Justin Bieber maquillé et photoshopé : LOL

Written By sitemp3 on Jumat, 29 Oktober 2010 | 00.17

justin bieber photoshop

Voila encore un photoshop myhtique : Justin Bieber (ou plutôt : Justine Bieber !)
On dirait une drag queen ! Il lui ont maquillé les yeux, c'est énorme !
Pour voir plein d'autres stars avant et après Photoshop, c'est ici

Picture : Justin Bieber with makeup !


Shakira en 1991 : Hallucinant !

Written By sitemp3 on Rabu, 27 Oktober 2010 | 12.59

shakira

Oh punaise ! J'ai trouvé cette photo de Shakira en 1991 avant son relooking en blonde ! C'est énorme, vous ne trouvez-pas ?
Retrouvez tous les autres relookings de stars ici !

Ben Affleck, detrás de la cámara

Written By sitemp3 on Selasa, 26 Oktober 2010 | 13.29

Ganador de un Oscar como guionista, prófugo de la fama, ha encontrado una nueva carrera, ahora como director y estrena su segunda cinta en este rol: The Town / Atracción peligrosa.

Miguel Cane


Ben Affleck as Gavin Banek in Paramount's Changing Lanes


Alto, jovial, y muy directo, así es Ben Affleck (Boston, 1972), que dio el salto de actor adolescente infantil – su debut fue en la serie pedagógica para TV Voyage of the Mimi a mediados de los 80-, a ser una auténtica estrella de cine en Hollywood a finales de os años 90 tras pasar buena parte de la década haciendo cine independiente de la mano de Kevin Smith. En 1998, Affleck ganó un Oscar como mejor guionista con su amigo de la infancia Matt Damon – una relación que se ha ido ligeramente distanciando con los años, pero que en su momento fue un vínculo muy estrecho- por Will Hunting: una mente indomable y dio el salto a la fama con su paticipación en el éxito taquillero de Michael Bay Armageddon. A esto seguiría una década haciendo cine muy comercial y explotando su imagen ante las cámaras y fuera de los foros con una relación sentimental con Jennifer Lopez, que los puso en las portadas de todas las revistas de chismes, tuvo muy mal final y casi le cuesta la carrera.


Ben Affleck as A.J. Frost in Touchstone's Armageddon


En 2005, Affleck se casó con otra Jennifer – Garner, la actriz protagonista de la exitosa serie Alias- y juntos son los padres de dos niñas. Podría decirse que este matrimonio vino a ser un punto de partida para Affleck, ya que no sólo estabilizó su vida personal, también le ayudó a dar un giro a su carrera; se apartó de los proyectos “glamorosos” de Hollywood y volvió un poco a sus raíces independientes, dirigiendo a su hermano Casey Affleck en Desaparecida, un sólido thriller de 2007 y ahora repite como director con The Town/Atracción peligrosa, un filme escrito también por él, en la que interpreta a Doug MacRay, el jefe de una banda de Charlestown, un conflictivo barrio de Boston famoso por ser el origen de la mayor cantidad de atracos a bancos y a camiones blindados de todos los Estados Unidos. Affleck eligió al resto de los principales actores del filme: Rebecca Hall (conocida por su papel en Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen), John Hamm (de la aclamada serie de televisión Mad Men), Jeremy Renner (protagonista de En Tierra Hostil) y Blake Lively (Gossip Girl), filmando todo en locaciones naturales de Boston, lo que le representó una vuelta a casa, literalmente.


Ben Affleck in Paramount and Dreamworks' Paycheck


-¿Porqué elegiste esta película para continuar tu carrera como director?
Tuve varias razones. Creí que podía hacer un buen trabajo y a cierto nivel quería descubrir si podía hacerlo como director. También me pareció que tenía una buena historia, una buena arquitectura en su argumento. La historia transcurre en la ciudad en que nací, la gente hablaba de una manera que yo entendía, estaba muy cómodo con los personajes y el diálogo. Debajo de todo esto, temáticamente, estoy muy interesado en los temas que trata y creí que tenía estupendos personajes. Eso me gusta porque no está todo completamente cerrado para el espectador por su ambigüedad en el desenlace. Quería que la gente reaccionara. La película esta hecha para impactar, para entretener. Queria hacer una película como las de los 60 y 70, ¿sabes? Como Bullitt, como las de Eastwood.

-¿Fue dificil volver a la dirección?
La verdad es que para mí, dirigir es realmente difícil. No fue una situación sencilla el regresar a un foro para hacerlo. Pero también fue bastante divertido tener, como director, esa mano dentro de la película y no estar simplemente fuera sino poder controlar algunos de los aspectos.


Ben Affleck at the LA premiere of Focus Features' Hollywoodland


-Además de dirigir, actúas. ¿Cómo compaginas los dos papeles?
Los dos me hicieron sentirme realmente bien y de cara al futuro me gustaría seguir haciendo ambos siempre que tenga la oportunidad. Para mí, todo es parte del mismo proceso, hacer una película, contar una historia, hacerlo visualmente. Es una forma interesante de expresar ideas. Creo que el riesgo es absolutamente necesario en el proceso creativo. Si tienes demasiado miedo al fracaso vas a tomar opciones muy conservadoras, sosas. Intentar lo inusual es la única forma de que pasen cosas interesantes.

-¿Qué conclusión sacas de esta experiencia?
Esta experiencia fue excelente para mí. Al estar en Boston, utilizar ese ambiente como escenario y empujarlo hacia delante dentro de la historia. Utilicé actores locales no-profesionales, no solamente los extras, y les di personajes dentro de la historia y eso me permitió englobar esta narrativa ficticia con una sensación de documental. Lo importante es no perder el ritmo narrativo. Personalmente espero poder centrarme en mis dos facetas en un futuro, aunque dependerá de lo que me llegue. Si es bueno, me gusta y quieren darme el trabajo, lo haré.


Ben Affleck at the LA premiere of Gigli


-Antes de casarte con Jennifer Garner, eras un blanco fácil de los papparazzi pero ahora que has formado una familia, estás más alejado del ojo público. ¿Crees que esto te ha permitido el adentrarte al terreno de director?
Solo me centro en mi trabajo e intento hacer lo mejor que puedo y dejo que los medios se preocupes por si mismo ya que están tan interesados. Aunque reconozco que ha sido estupendo que nos hayan dejado en paz. ¡No me gusta ser famoso! (se carcajea). En el último año, aunque rodé dos películas, quise tomarme un descanso y mantener las cosas calmadas, estar en casa con Jen y las niñas, leer, poner ideas en papel. Si te dedicas a esto eres automáticamente una figura pública. Mi familia y yo disfrutamos el no tener un perfil tan público, la verdad es que no me veo como un hombre lo suficientemente carismático como para que digan que soy una estrella, porque no tengo la vocación, ni las ganas, de serlo. Y creo que eso nos compensa en un momento dado.


Ben Affleck at the LA premiere of Paramount's Paycheck


-¿Qué proyectos tienes en mente para seguir a The Town/Atracción peligrosa?
No estoy seguro. Tengo varias cosas, algunas como director pero que son completamente ajenas a mis proyectos como actor y que necesitan que las empuje. Pero estoy esperando a terminar con la promoción de esta película, ir a casa, pasar un tiempo con mis chicas favoritas y después, centrarme. Lo primero que quiero hacer no pensar en nada que no sea mi familia durante unas semanas y luego pensaré en cuál será mi próximo trabajo.

-Pero también tienes compromisos como activista y recaudador de fondos, para la lucha de los derechos humanos en Congo.
Es verdad. Estar implicado me ha dado mucho. No sé cuánto les he ayudado y las verdad eso no me importa, porque a mí me han ayudado mucho. Me hace sentirme bien como persona. Me conecta con esta idea de lo que es importante en la vida. Me hace sentirme que estoy viviendo de acuerdo a la persona que quiero ser y al mismo tiempo me inspira para hacer mi vida mejor. Ahora bien, no me engaño en pensar que simplemente porque aparezco de vez en cuando en algún lugar de repente las vidas de las personas van a mejorar. Son motivaciones egoístas. Lo importante es trabajar para ayudar a los que lo necesitan. No sólo hace que uno se sienta mejor y en el proceso esperas poder lanzar algo que sea útil para las personas que te rodean. Es importante tener presentes a los demás.




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Atracción peligrosa / The Town, de Ben Affleck

Honor de Ladrones

Miguel Cane





El debut como director del galanazo Ben Affleck, Desapareció una noche (2007) anunciaba la llegada de un realizador sólido, con mano para dirigir de actores y una percepción sensible de los barrios bravos de Boston. Ahora, la promesa hecha en esa película parece cumplirse con The Town / Atracción peligrosa, cinta en la que Affleck regresa a su Boston natal y centra su atención en Charlestown, un barrio obrero que es también, una cueva de ladrones de bancos.



El trabajo realizado completamente en locación, hace que Boston no sólo funcione como un escenario, sino que se transforma en un personaje con estado anímico propio, aquí como puede ser el deprimente entorno criminal de Charlestown el que unos quieren perpetuarse. Seguir las reglas y ser leyenda, y otros, evadirse, como es el caso del Doug MacRay (el propio Affleck), hijo de ladrones que desea dar un último golpe antes de escapar de todo.

Hay dos escenas que constatan la posibilidad de un notable director tras la cámara. Una, demostración de su capacidad para hallar cierta verdad emocional donde menos se espera, consiste en el desencanto aparente en un diálogo que el personaje de Affleck mantiene con su padre (Chris Cooper) en una visita a la cárcel. En la otra, que habla de respeto a la atención del espectador y el manejo de los tiempos, el mismo personaje se despide en clave de su novia, Claire (Rebecca Hall) por teléfono mientras el FBI ocupa la casa de ésta y escucha la conversación; poco después, el relamido agente interpretado por Jon Hamm —el mismísimo Don Draper de Mad Men en su primer papel de sustancia en un estreno comercial e interpretándolo igualito que al de la exitosa serie de TV— le reprocha que se pasaran el mensaje encubierto que hasta entonces el espectador creía compartir, únicamente, con la pareja. Ambos momentos suponen pistas inequívocas de la madurez del relato y de un autor que aún está por dar lo mejor de sí.




Por lo demás, Affleck, que adapta una novela de Chuck Hogan, tiene firmeza para no perder el ritmo en las secuencias de acción, mismas que llegan a ser vertiginosas; toda vez que toma vuelo, la película no se detiene. Reminiscente del cinema de acción de los años 70, la cinta no se molesta en pintar blancos y negros: los personajes mantienen una escala de grises que los hace tanto atractivos como repelentes.

El espectador que busca emociones fuertes en el cine quedará satisfecho: The Town / Atracción peligrosa entretiene y sobresalta, pero también tiene un trasfondo muy humano que no es habitual de este género; elaborada como una tragedia teatral, esta pelicula es mucho más que dos horas de persecuciones y ráfagas de metralla; es un retrato muy específico de un lugar y un tiempo y consta como el cimiento de lo que puede ser una carrera más sólida para Affleck detrás de las cámaras, más allá de lo que jamás fue delante de ellas.

The Town / Atracción peligrosa
Con Ben Affleck, Rebecca Hall, Jeremy Renner, Blake Lively, Jon Hamm, Pete Postletwhaite y Chris Cooper
Dirige Ben Affleck
Estados Unidos 2010

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Actividad paranormal 2 / Paranormal activity 2, de Tod Williams

David Guzmán



Está claro que el cine se rompe en gustos y este post no pretende convencerlos de que los míos deban seguirse como Biblia. Si acaso es presentarles un punto de vista que a la larga deberá asignársele su dosis de escepticismo y que en el mejor de los casos podría verse como una opción o mera opinión adicional de la que se puede echar mano para complementar un visionado.

Esto viene a colación porque en días pasados, Paxton -un cuate que tengo en alto grado de confianza por su amplio bagaje de Cine- depositó grandes cantidades de alabanzas a la cinta que nos ocupa. Conservadoramente, al notarme interesado en ver el film derivado de sus apreciaciones, concluyó diciéndome “Yo no recomiendo películas, si la ves es bajo tu propio riesgo”

Y así lo hice.







Al terminar de ver Actividad Paranormal 2 empecé a twittear que la cinta no me había gustado y que al menos un par de ocasiones estuve a un paso de salirme de la sala, cosa que no hice por una extraña costumbre que tengo de “respeto” al séptimo arte en general, chutándome cada bodrio –no necesariamente digo que éste lo sea- hasta sus últimas consecuencias y últimos minutos casi como una manda.

Ante mi comentario, Paxton me pidió que al menos señalara los errores que había encontrado; las virtudes -que sí tiene, lo acepto aunque no siento que al grado que él señala- las pueden leer ampliamente en su texto; de mi parte intentaré plasmar un poco lo malo que encontré para no redundar:



* Perdí la cuenta de los minutos que NO PASA NADA en el film. Es peligrosísimo jugar con la paciencia del espectador, corres el riesgo de perderlo o que minimice su interés. Revisé mi reloj al menos tres veces y creo que es hasta la hora cuando empiezan las ‘señales de vida’. La sensación que experimenté es más una ansiedad de hartazgo que de nervio porque la entidad maligna se manifestara de una buena vez.

* Hay algo en el “falso documental” que están intentando venderme y que no me deja del todo convencido. Jamás me creí que estaba basado en hechos reales como intentaron hacerlo. ¿Falta de congruencia? La sensación es de “la gente ya sabe que esto es falso, así que no es necesario tratar de hacérselos creíble con más datos”. Craso error, hay que llevar la mentira a niveles donde la duda no encuentre cabida y especialmente por el formato elegido para contarnos esto. Casi salía del cine cuando medio leí lo que sucedió con el nene y la tía; simplemente me perdieron como espectador.

* Es estúpido el comportamiento de los personajes. No es posible que ante tantas anécdotas y detalles ocurridos en todas esas noches NADIE revise enseguida lo que está aconteciendo y verificar las grabaciones de las cámaras de seguridad, y aunque hay momentos que lo hacen, esto ocurre totalmente a destiempo. Que alguien me explique si este es un artificio para provocar intencionalmente la duración de la película porque casi no me doy cuenta.

* ¿Qué se le cerró la puerta a la niña y ella alega que es un demonio y no le creen? Acceso de inmediato a la grabación y nos evitamos el pancho que se armó. ¿Qué la mamá está catatónica y nadie sabe por qué? Acceso a la grabación que se está pagando y vemos que ocurrió, pero duh! esto NO ocurre de inmediato, estimados lectores.

* ¿Qué es esto? ¿Poseídos con Denzel Washington? , dejando de lado la forma del “traspaso”, ¿esa posesión “sutil” se vuelve violenta -al grado de matar- cuando está en el cuerpo de la hermana de la protagonista pero con Kristi no?

* Tampoco les creí todo el cuento del pacto con el demonio ancestral y la pobre verborrea del primogénito, motivo por el cual la entidad se quiere llevar al pequeño. Desconozco si era necesario ver la parte 1 para comprenderlo pero en lo personal este argumento lo compro en una película de Sam Raimi (por ejemplo), no en una que se maneja como –falso- documental ubicado en la época actual.

* La sensación permanente de “esto ya lo ví” está presente todo el tiempo: desde el estilo de La Bruja de Blair, el jueguito de la ouija para contactar al ente, la investigación en google de pactos demoniacos con precio de por medio, los ataques tipo Barbara Hershey en The Entity (al menos ahí eran más gráficos) y hasta el escéptico que echa a perder la paciencia del espectador.



Hay pues problemas de coherencia en todo el entramado. Me ofrecen una historia con tintes reales pero el patinazo sobreviene con la actitud idiota de los involucrados y las leyendas urbanas que adolecen de fuerza argumental en pantalla (aún tratándose de una reconstrucción de grabaciones) de los familiares de la protagonista. Repito, cerca de una hora sin ver nada relevante.

Más allá de todo esto y aludiendo a una frase que mi amigo y mentor Paco Peña alguna vez me dijo: “uno no va por la vida siempre justificando porqué le gustan o no las cosas” la sensación casi inconsciente de “damn, quiero salirme de la sala” (y no precisamente por miedo) hizo acto de presencia y ante ella, no hay mucho para donde hacerse, justificada o no.

Así que parafraseando al buen Paxton, véanla bajo su propio riesgo y si por primera vez coinciden con Roger Ebert, no se sientan culpables o disminuidos intelectualmente.



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¡Oh, El Show de Terror de Rocky!: Treinta y cinco años de absoluto placer

De sus humildes orígenes teatrales a ser la película de culto más célebre de la historia, El Show de Terror de Rocky ha dejado huella en la cultura pop, creando su propia mitología.

Miguel Cane

Aunque parezca increíble, sin Jesucristo Superstrella, no existiría El Show de Terror de Rocky.



El que estas dos obras, que nada tienen qué ver estén relacionadas, se debe a que en ese montaje el director Jim Sharman conoció a Richard O'Brien, actor-cantante de singular aspecto y excéntricas ideas, que fue despedido por Andrew Lloyd Weber al atreverse a desafiarlo e interpretar a Herodes como Elvis Presley, en contra de lo especificado por el autor, que hizo berrinche y lo puso de patitas en la calle. El desempleo forzoso lo aprovechó O'Brien para escribir su propio musical con rock and roll, inspirado por las películas de terror de la serie B que había visto de niño, sazonado con una fuerte dosis de sarcasmo y sexo desenfadado. Sharman lo produjo y dirigió en el Royal Court's Theatre Upstairs, espacio pequeño del West End, dedicado al “Teatro experimental”, con un elenco que incluía a Tim Curry y Patricia Quinn (en sus propias palabras, la llamaron de último minuto días antes del estreno, cuando Marianne Faithfull se fumó hasta los zapatos y se le fue la onda).




La obra se estrenó el 19 de junio de 1973, y la reacción fue inusitada: el público la consideraba una fiesta de la que eran no sólo espectadores, sino partícipes. El éxito hizo que fuera trasladada a un antiguo cine de Kings Road convertido en teatro, donde llegó a las 2.960 representaciones. Posteriormente se llevó al Roxy Club de Los Ángeles incorporando al rockero Meat Loaf al elenco y en 1976 la formidable Julissa adquirió los derechos para estrenarla en el desaparecido cabaret Señorial del Hotel Regis; traducida y protagonizada por ella, con Gonzalo Vega como Frank N. Furter con taconazo popis, popularizó “El Baile del Sapo” -- le haría versiones hasta Timbiriche- y recibió amenazas, algunas hasta de muerte, por parte de miembros del público, ofendidos por lo que llamaron “mariconadas” en escena; la controversia, desde luego, contribuyó a un éxito rotundo.




El productor Lou Adler –creador de la saga de Cheech y Chong– con financiamiento de la 20th Century Fox, inició el rodaje de The Rocky Horror Picture Show en octubre de 1974, en los Bray Studios de Londres, hogar de las Hammer Films. La cinta fue dirigida por Sharman, con un reparto que reunía a veteranos del montaje teatral –Curry, O'Brien, Meat Loaf, Pat Quinn, Little Nell– y caras nuevas, como Susan Sarandon (que estaba suculenta) y Barry Bostwick, quienes encarnaron a Brad Majors y su noviecita santa Janet Vice... er, Weiss, pareja de magníficos – por no decir fresas y aplatanados- chicos del pueblito de Denton, que una noche de tormenta van a parar a la residencia del científico loco Doctor Frank N. Furter (Curry, en una interpretación monumental), dulce y pervertido travesti del planeta Transexual en la constelación Transylvania y toda vez ahí viven una sensual y tenebrosa aventura que los cambiará mientras bailan, cantan, se encueran alegremente y mandan sus ñoños valores burgueses a la basura.




Cuando la película se estrenó para Halloween de 1975, el público joven adoró la cinta, pero las opiniones de los principales lideres conservadores eran muy negativas: ¡pero cómo! la película promovía la homosexualidad, la promiscuidad, las drogas y la música rock. ¿Qué es lo que hace que hoy, después de 35 años, la película haya sobrevivido a sus detractores? La cosa es simple: como estreno comercial fue un fracaso, pero se convirtió en un éxito de culto al ser reestrenada en el circuito de medianoche en el Waverly Theatre de Greenwich Village. A esas funciones acudieron los mismos aficionados que asistían al teatro, y fueron ellos quienes reprodujeron la costumbre de participar de la pachanga. Pronto, intérpretes espontáneos, vestidos como los protagonistas jugaban a repetir la acción de la pantalla entre las butacas; un grupo de espectadores comenzó a interpelar a los personajes de la película, corear las canciones y coreografias, transformando un simple visionado en un espectáculo.




Así surgió todo un culto. Poco a poco, las proyecciones de la película con participación de la audiencia se convirtieron en un fenómeno internacional, ajeno a las modas, idóneo para eternizar el musical ostensiblemente basado en la nostalgia.

Pocos largometrajes han logrado un seguimiento tan fiel, y aunque se haya intentado entender el asunto, lo cierto es que consolida su propia mitología año con año en estas fechas en cines, teatros, bares y discotecas alrededor del mundo: cada nueva proyección de The Rocky Horror Picture Show produce el milagro; Riff Raff, Magenta, Columbia, Frank o Janet te hablan con tanto descaro que no es posible apartar los ojos de la pantalla.




Casi todo el elenco recuerda con cariño su participación en la cinta original: Susan Sarandon es la primera en reconocer que en buena parte el inicio de su carrera se vio impulsado por este filme y que el afecto de los fans de Rocky Horror es perenne, Barry Bostwick suele sonreír si en la calle alguien le grita “Dammit!”, Meat Loaf canta canciones de la obra en sus conciertos y sólo Tim Curry frunce la boca cuando le hablan de ella. Si bien su ingratitud podría pesar a los fans, en realidad, un menosprecio no hace verano.

Con sus escenas de seducción, canciones pegajosas, referencias al cine y su lema de ser auténtico y entregarte al placer absoluto sin que importe cómo o quién seas, El Show de Terror de Rocky ha pasado a la posteridad como pocas obras, invitándonos a poner las manos en la cadera y un salto dar para atrás, demostrando que sustancialmente es mucho más que un relajo bien extraño y muy pasado.

Ya lo saben, como hace 35 años, el programa de esta noche es de terror (con Rock and Roll).







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